Root Gallery Krimpen aan de Lek – Jan Theun van Rees (1960 Les Pays Bas) (images 63 )
Dans son art, Jan Theun van Rees se concentre sur l’apparition de l’espace en tant qu’image et sur la perception de cet espace (visualisé) par rapport à l’espace qui nous entoure. La représentation d’un espace sur la surface plane du plan de l’image est toujours une interprétation d’un certain lieu, même si ce lieu est totalement fictif et n’existe qu’en tant qu’image. Souvent, ses photographies montrent un lien entre les espaces intérieurs et le monde extérieur, le connu et l’inconnu, nous-mêmes et notre environnement. Ce lien est souligné par les caractéristiques matérielles et la visualisation des qualités spatiales. Jan Theun suit un processus lent, intuitif et imprévisible. Au cours de ce processus, il regarde régulièrement à travers l’appareil photo jusqu’à ce que la sensation d’être dans un endroit où il n’est jamais allé le surprenne. Ensuite, il prend la photo.
Les œuvres présentées à Unseen font toutes partie de la série Perforated Space. À l’aide de matériaux récupérés dans des conteneurs à déchets, Jan Theun a construit des espaces dans lesquels il joue avec la lumière qui pénètre par de nombreuses ouvertures. L’environnement dans le plan de l’image offre un passage vers une nouvelle réalité inconnue. Jan Theun attire ainsi l’attention sur l’interaction entre des espaces apparemment séparés par des murs, mais pourtant étroitement liés.
Pendant la construction d’un décor, Jan Theun prend de nombreuses photos avec son téléphone ou son appareil photo. Ces « esquisses » ne sont toutefois pas destinées à devenir le produit final. Il s’agit souvent d’images dont l’expressivité est évidente et qui ne peuvent pas être reproduites avec un autre appareil photo – même si c’est parce que cette situation n’existe plus.
Pour souligner la dynamique continue du processus visuel, Jan Theun présentera deux de ces œuvres exclusives et uniques à Unseen ! Plutôt que de se concentrer sur l’image finale, ces tirages montrent la valeur de l’intuition, de la coïncidence et de la désinvolture dans le cadre du développement artistique et des nouvelles découvertes. Veuillez noter que ces tirages font partie d’une exposition unique et qu’ils ne seront donc présentés et disponibles que lors de la foire.
Root Gallery Krimpen aan de Lek – Sophie de Vos (1992 Les-Pays Bas) (images 64)
Le travail de Sophie tourne essentiellement autour du concept de la nature humaine et des questions qui l’entourent. Des sujets tels que l’éphémère, la décomposition, la perte et le passage du temps jouent un rôle important dans sa pratique. Pour les êtres humains, ces sujets sont souvent chargés d’émotion, alors que dans la nature, ils sont plus communs. Sophie montre et questionne ce contraste en créant des séries photographiques dans lesquelles le corps humain est accompagné d’éléments de la nature. Ses œuvres racontent des histoires à travers l’image et le langage grâce aux titres qu’elle leur attribue. Contempler ce que signifie être humain conduit inévitablement à une réflexion sur soi. Le travail de Sophie le souligne de manière très subtile, en combinant des éléments vivants et non vivants pour capturer l’essence du sujet traité. Ce faisant, elle est en mesure de poser des questions, sans chercher de réponses particulières.
Root Gallery
Molendijk 46
2931 SC Krimpen aan de Lek
The Netherlands
www.root.gallery
Rutger Brandt Gallery Amsterdam – Dirk Hardy (1989 Les Pas-Bas) (images 65)
Pour son exposition solo à UNSEEN 2023, Hardy présente un monde dystopique. Avec » Vivarium « , un projet en cours qu’il a commencé en 2018, Hardy construit des mondes hyperréalistes qui expriment la complexité de notre zeitgeist. Dans une série de tableaux vivants, Hardy conçoit, construit et photographie ses propres mondes fantastiques à l’échelle réelle. Avant d’entamer ses études de photographie, Hardy a étudié l’architecture à l’université de technologie d’Eindhoven. Il utilise son bagage technique pour construire ses propres décors, boîtes à lumière et cadres de fenêtres. Il associe cette formation à sa formation artistique, concevant chaque détail du décor, des vêtements et des objets aux attributs de ses personnages. En outre, en tant que photographe, Hardy met méticuleusement en scène ses univers hyperréalistes pour créer une « fiction intentionnelle ». Hardy fabrique des cadres à la main pour ses photographies, créant ainsi une fenêtre physique qui agit comme un portail vers ses royaumes inquiétants. Cette illusion de fenêtre est renforcée par les caissons lumineux qu’il a lui-même conçus et dans lesquels il installe ses photographies. Chaque épisode de la série Vivarium a son propre thème et montre une complexité différente dans notre vie quotidienne. Ses sujets vont de la disneyfication de notre passé colonial et des personnalités créées numériquement à ses propres expériences de solitude pendant la pandémie de Covid. Dans son travail, le photoréalisme, la fantaisie et la réalité s’entremêlent. Le spectateur est ainsi confronté à une série de scénarios dystopiques de notre société moderne. Pour la première fois, l’exposition présente Residue City, une série de paysages construits dans lesquels Hardy nous invite à faire l’expérience d’un monde post-Anthropocène. Dans la série Day & Night de Hardy, nous sommes les témoins d’un paysage fictif où le faible niveau de la mer expose au soleil d’anciennes masses terrestres. Le paysage est rempli d’un mélange de sable, de pierres et de plantes grasses. Le paysage semble étrangement familier, mais aussi familièrement étrange. Dans ce paysage post-humain inquiétant, l’imaginaire et la réalité s’entremêlent. Nous pouvons encore reconnaître les structures restantes de la civilisation humaine, mais nous n’avons jamais vu un endroit aussi paisible et tranquille. Cette terre vacante n’a pas de frontières, elles ont disparu sous une couverture végétale. Prenez maintenant un peu de recul pour réfléchir aux paysages dystopiques de Hardy et considérez-les au XXIe siècle, où nous sommes aux commandes du volant du vaisseau-mère Terre – et où il faut rediriger pour éviter de s’écraser.
Rutger Brandt Gallery
Bethaniënstraat 39
1012 BZ Amsterdam
www.brandtgallery.com
Small Projects Tromsoe – Grete Andrea Kvaal (1944 Norvège) (images 66 – 67 )
Grete Andrea Kvaal est une artiste qui vit et travaille à Tromsø, sa ville natale, en Norvège. Elle travaille principalement avec la photographie analogique en noir et blanc, mais ces dernières années, elle a également adopté la couleur et la photographie numérique.
Son intérêt pour la photographie tourne principalement autour de thèmes tirés de sa propre vie, de la nature ou de ses rencontres avec d’autres personnes. Ce sont des sujets qu’elle approfondit sur une longue période, afin d’acquérir une plus grande perspective. Regarder le passé et en tirer des leçons a été au cœur de plusieurs de ses projets. Pour Unseen Amsterdam 2023, Small Projects présente le projet de Grete Andrea Kvaal « Karen Anna og Hennes Side » (Karen Anna et son district pastoral de rennes), dans lequel elle a suivi une femme sami veuve éleveuse de rennes entre 1986 et 1993.
L’œuvre numérotée 67 a été réalisée par Grete Andrea Kvaal ET par Eva Faché.
Small Projects Tromsoe – Eva Faché (1994 Belgique) (images 67 – 68 )
Eva Faché a grandi à Gand, en Belgique, où son œil pour la photographie documentaire a déjà été reconnu par ses professeurs à l’école secondaire. Elle a ensuite étudié la photographie à la LUCA School of Arts – NARAFI (Bruxelles), puis a obtenu une maîtrise à l’Académie royale des arts (KASK) de Gand. Eva a également travaillé comme journaliste photographe pour De Volkskrant à Amsterdam, l’année où le journal a remporté le prix du meilleur journal d’Europe.
Le travail personnel d’Eva est fondé sur la curiosité de comprendre le monde qui nous entoure. Elle s’intéresse souvent au comportement humain lié au rôle de l’identité et de la perception de la réalité dans la vie des gens et à la manière dont cela façonne et affecte les communautés et relie les gens dans la société.
L’œuvre numérotée 67 a été réalisée par Grete Andrea Kvaal ET par Eva Faché
Small Projects Tromsoe – Jet Pascua (1969 Philippines) (images 69)
Jet Pascua travaille de manière conceptuelle et son art se manifeste dans divers médias tels que le dessin, la peinture, la vidéo, la sculpture, l’installation, le film et la photographie. Nombre de ses œuvres sont de nature temporelle, tant sur le plan matériel que thématique.
Jet Pascua a étudié la peinture à l’université des Philippines dans les années 1990. Il a également obtenu une licence en beaux-arts à l’Académie royale des arts d’Oslo et une maîtrise en beaux-arts à l’Académie des arts de Bergen entre 2004 et 2009. En 2020, il est diplômé du programme de recherche artistique norvégien de l’université de Tromsoe, un programme de doctorat en recherche artistique.
Small Projects
Grønnegata 23
9008, Tromsø,
Norway
www.smallprojects.net
Spazio Nuovo Rome – Giuseppe Lo Schiavo (1986 Italie) (images 70 )
En photographie, la manipulation devient la marque d’une pratique artistique qui rejette les prétentions d’authenticité de l’image, sa fidélité à témoigner de la réalité pour en renforcer la puissance rhétorique et spectaculaire.
Les espaces dépeints par Giuseppe Lo Schiavo sont la fusion de lieux réels et imaginaires, des visions construites, avant et après la prise de vue, rendues immersives par l’échelle, l’effet anamorphique et la qualité chromatique de l’impression.µ
Lo Schiavo conçoit ses photographies comme des tableaux, des sets inspirés de photographies de l’espace virtuel, créant l’illusion d’une fenêtre (métaphorique et littérale) sur une nouvelle réalité restituant des images antiques et futuristes, artificielles et naturelles.
L’hybridation est à la base de la pratique de l’artiste qui oscille entre art, photographie, trompe-l’œil, réalité et virtualité, rassemblant des suggestions du monde ancien réinterprétées avec la science, la culture populaire et l’écosystème numérique.
Spazio Nuovo
Via d’Ascanio, 20
00186, Roma – Italia
www.spazionuovo.net
Studio Seine Rotterdam – Tahné Kleijn (1990 Les Pays Bas) (images 71)
Lors du salon de photographie Unseen Amsterdam 2023, le Studio Seine présente le dernier travail de Tahné Kleijn, basé sur le thème du deuil, dans une exposition personnelle. Dans le style de la série « Soo d’Oude Songen, Soo Pypen de Jongen », Tahné Kleijn se photographie elle-même et les membres de sa famille qui vivent chacun à leur manière la perte récente de leur mère, grand-mère et partenaire. Avec cette série, Kleijn crée une vision universelle sur le thème du deuil.
Tahné Kleijn vit et travaille depuis son atelier à Helmond (NL). Des recherches approfondies et une direction minutieuse constituent la base de son travail de photographe. Kleijn a développé une écriture reconnaissable inspirée de l’éclairage et des compositions de la peinture du XVIIe siècle. Cela constitue la base de la création d’œuvres de genre contemporaines, ainsi que de natures mortes et de portraits. Le travail de Kleijn est engagé, elle met en scène ses séries photo à partir d’événements (historiques). Des séries de photos telles que « Soo d’Oude Songen, Soo Pypen de Jongen », Mijn Waarde Vincent et « #StilLeven » en sont des exemples. En plus de son travail autonome, Kleijn photographie également sur commande.
STUDIO SEINE
Tentoonstellingsruimte voor hedendaagse kunst
Mathenesserdijk 323A –
3026 GC Rotterdam
https://studioseine.nl/
The Bridge Gallery Paris – Sarfo Emmanuel Annor (2002 Ghana) (images 72)
La Bridge Gallery souhaite explorer à Unseen l’évolution de la photographie de portrait en Afrique en présentant deux artistes et en réunissant deux approches différentes mais complémentaires. Depuis plus d’un siècle, la photographie de portrait s’est imposée comme l’un des moyens d’expression artistique les plus courants sur le continent africain. Au fil des années, elle a évolué avec la société, montrant les nouveaux modes de vie influencés par les nouvelles technologies, la mode, les préoccupations environnementales, etc. À travers des portraits où les enfants sont le sujet prédominant, le fossé générationnel entre nos deux artistes met donc en évidence à la fois l’évolution des sociétés africaines et l’innovation du médium de la photographie.
Sarfo Emmanuel Annor est un artiste ghanéen de 21 ans. Ayant été peintre et apprenti créateur de mode, son art gravite autour de deux thèmes principaux : la beauté et la mode. Au-delà des références à la mode et de la recherche de la beauté dans les couleurs vives, Sarfo Emmanuel Annor souhaite faire passer des messages forts sur sa vie quotidienne au Ghana et célébrer la culture et les coutumes de Koforidua, dont il est originaire. Il aime utiliser des couleurs vives et audacieuses pour partager les histoires et les rêves des jeunes de son monde. Il fait revivre l’art du portrait à travers une galerie d’enfants vibrants et intrigants, inspirés par l’énergie communicative de son environnement.
The Bridge Gallery Paris – Fatoumata Diabaté (1980 Mali) (images 73)
Fatoumata Diabaté est née en 1980 au Mali. Depuis 2004, elle a présenté son travail dans plusieurs expositions collectives. Depuis décembre 2017, elle est présidente de l’Association des femmes photographes du Mali. Elle suit les traces des pères maliens de la photographie africaine Malick Sidibé et Seydou Keïta avec ses portraits en noir et blanc. Ses œuvres d’art sont liées à la culture malienne, dans laquelle les masques et les costumes faits à la main sont sacrés. Elle s’inspire des histoires dont elle rêve pendant son sommeil et crée ensuite des objets qui sont au service de ces histoires.
À travers cet artisanat, elle souhaite transmettre des messages forts sur sa culture et ses traditions.
The Bridge Gallery
Opère exclusivement en ligne
Paris France
www.thebridgegallery.xyz
THIS IS NO FANTASY Melbourne – Ali Tahayori (1980 Iran) (images 74)
La pratique interdisciplinaire d’Ali Tahayori s’étend de la photographie conceptuelle à l’image en mouvement, en passant par l’installation. Tahayori utilise des documents d’archives, des fragments narratifs et des modalités performatives pour explorer les thèmes de l’identité, du foyer et de l’appartenance. Combinant des miroirs fracturés avec du texte et des images, ses œuvres s’inspirent des anciennes philosophies iraniennes sur la lumière et les miroirs pour créer des expériences kaléidoscopiques ; les moments de révélation et de dissimulation font allusion à la nature conflictuelle de son identité. Traduisant l’artisanat traditionnel iranien de l’Āine-Kāri (miroirs) dans un vocabulaire visuel contemporain, sa pratique combine un discours sur la diaspora et le déplacement avec une exploration de l’homosexualité – dans les deux cas, témoignant de manière poignante de son expérience d’être altéré.
THIS IS NO FANTASY
108-110 Gertrude St
Fitzroy VIC 3065
Australia
www.thisisnofantasy.com
THK Gallery Cape Town / Cologne – Johno Mellish (1991 South Africa) (images 75)
Johno Mellish construit ses mises en scène photographiques en combinant l’histoire, la mémoire et l’imagination. Puisant ses images dans les médias traditionnels et les photographies vernaculaires, il compose des récits fictifs qui reflètent notre société post-vérité, fragmentée et axée sur les données.
En tant que cinéaste et directeur de la photographie de formation, Mellish joue sur le sérialisme qui façonne et informe son langage visuel. Passionné par la narration, il subvertit la pratique en créant des juxtapositions et des idées inattendues. Sa capacité à capter son public – en créant des personnages et des lieux en transition – confère à ses œuvres un certain mysticisme. Représenté dans des collections locales et étrangères, il a été sélectionné comme artiste focus lors de l’AKAA 2019 à Paris, où l’universitaire Ashraf Jamal a décrit son travail : » Mellish est un DJ visuel, un maître du remix. Si ses images semblent nouvelles et « inattendues », c’est aussi parce que, dans son monde, tout est à prendre, tout peut se voir réattribuer une signification « nouvelle » ou différente. Ce processus n’est pas seulement une question de changement de perspective, c’est aussi le résultat de la déterritorialisation (Deleuze et Guattari) et de la défamiliarisation (Brecht) des images. Dans les photographies de Mellish, rien ne possède son essence, tout – le contenu de l’image et sa raison d’être – est en fait anti- et post-essentiel. »
Mellish présente son projet Wild Natural Setting dont il dit : Une semaine au paradis, ou juste une longue semaine. Les brochures annoncent des rêves intacts, des aventures profondes au cœur de l’Eden, un cadre naturel sauvage.Sept jours de vacances ou sept jours pour créer un monde.Arrivé sur place, j’ai lu la bible de l’hôtel.Je me suis cru en Eden.
Le titre « cadre naturel sauvage » est né d’une publicité en ligne pour un hébergement de vacances sur la Route des jardins.La comparaison de la région avec le jardin d’Eden suggère un paradis et la fin d’un paradis ; une collision sauvage entre le loisir et le chaos, entre le repos et la rencontre.Ces photos ont été réalisées dans la chaleur de l’été, avec une certaine intensité et une détermination que l’on pourrait décrire comme une sueur verte et froide.J’aime considérer le style de ces images comme du surréalisme documentaire, qui s’inspire des œuvres surréalistes de Man Ray et de Hans Bellmer, ainsi que des impulsions plus « documentaires » de Paul Strand. En combinant ces styles, j’ai tenté de créer un corpus d’œuvres qui s’est formé à partir d’un lieu et d’une réflexion sur la mythologie qui se cache derrière son nom.
THK Gallery Cape Town / Cologne – Nonzuzo Gxekwa(1981 South Africa) (images 76)
Nonzuzo Gxekwa est une photographe basée à Johannesburg. L’approche photographique de Gxekwa privilégie le quotidien au spectaculaire, partageant des moments intimes en focalisant l’appareil photo sur ce qui l’entoure et sur elle-même. Qu’elle photographie dans la rue ou en studio, son travail explore la condition humaine de manière subtile et magnifique.
Son optique est aimante.Ce n’est pas seulement qu’elle choisit de se concentrer sur des moments d’amour-propre – la façon dont les gens s’occupent d’eux-mêmes – mais que, dans la prise de vue, ses sujets ne sont jamais entièrement circonscrits.Il y a toujours un espace de manœuvre.La collaboration est un élément essentiel de sa pratique, et elle travaille régulièrement avec des photographes et d’autres créateurs de Johannesburg et d’ailleurs.
Le travail de Nonzuzo a été inclus dans Presence :Cinq photographes africains contemporains à la Photographer’s Gallery de Londres de juillet à août 2021.En novembre 2021, Nonzuzo a été sélectionné pour l’exposition Self-Addressed, organisée par Kehinde Wiley et Jeffrey Deitch à Los Angeles.Pour cette exposition historique, Wiley a invité une sélection d’artistes africains contemporains à réaliser un autoportrait. Ensemble, ces portraits présentent une nouvelle exploration de l’identité, de la perception et de l’estime de soi sur la scène mondiale.
En 2022, elle a effectué une résidence d’un an à la prestigieuse Jan van Eyck Academie de Maastricht, et son travail collaboratif, The Mask Project, a été exposé dans Hope from Chaos : Pandemic Reflections au musée ArtScience de Singapour.
THK Gallery Cape Town / Cologne – Trevor Stuurman (1992 South Africa) (images 77)
Stuurman est un artiste visuel multimédia contemporain primé, diplômé de l’AFDA avec un BA(hons) motion picture & live performance, qui voit le monde à travers son objectif créatif et trouve la beauté dans ce qui lui rappelle sa maison – un endroit imprégné de couleur, d’amour et d’appartenance qui reflète l’Afrique. Depuis qu’il a fait irruption sur la scène créative en remportant le titre de journaliste de style Elle en 2012, Trevor s’est facilement imposé comme une force créative avec laquelle il faut compter.
L’essence de l’appartenance l’a inspiré pour organiser sa première exposition solo intitulée « home », une lettre d’amour aux femmes Himba de Namibie qui a été présentée avec succès à la galerie hazard de Johannesburg. Par la suite, Trevor a participé à une exposition de groupe à Digitalia, l’art et l’économie des idées, à San Francisco, au musée de la diaspora africaine. Trevor a organisé ses propres installations : « teleporting into Africa » et « this is home » pour les festivals créatifs Absolut one source live et « this is home » au sommet Mandela 100 de la fondation Motsepe.
Trevor s’est imposé comme copilote auprès de marques telles que mini en tant qu’ambassadeur, standard bank, la ligne de chapeaux fez de Simon et Mary, la marque de mode éponyme Rich Mnisi, Vlisco et Laurence airline. Il a collaboré avec des artistes tels que Black Coffee, Ciara, Nelson Makamo, African Rhythm, Dear Ribane et les Carter – Beyoncé et Jay-Z. En tant que lauréat du prix « Image maker 2018 » du magazine Marie Claire et « roi de la créativité » du magazine GQ, Trevor a été à la hauteur de ces titres puisqu’il a été chargé la même année par Disney d’interpréter la Panthère noire de Marvel, avec Manthe Ribane comme muse. Il a photographié des personnalités telles que Teyana Taylor, Naomi Campbell, Shanelle Nyasiase, Gigi et Bella Hadid, Kendall Jenner et Imaan Hammam. En tant que collaborateur de British Vogue, le travail de Trevor à arise et afro punk Johannesburg a fait de lui un photographe recherché, capable de capturer des représentations inclusives de la beauté, de la culture et de l’expression de la mode. Il n’est pas étonnant qu’il estime qu' »être africain est son superpouvoir ».
THK gallery
52 Waterkant Street
Cape Town
Afrique du Sud
THK COLOGNE
Vitalisstraße 316
50829 Cologne
Allemagne
www.thkgallery.com
John Devos
Correspondant L’Œil de la Photographie/Eye of Photographie
john.devos01(a)gmail.com
