Kana Kawanishi Tokyo Yoshiki Omote (1992 Japon) (images 50)
Yoshiki Omote est un artiste réputé pour ses œuvres qui transforment des schémas et des phénomènes à grande échelle en dimensions de la vie quotidienne. Dans la série « Turbulence », il représente les mouvements atmosphériques sur une surface bidimensionnelle. Une quantité massive de résine est versée sur la surface d’un miroir, à laquelle sont ajoutées plusieurs gouttes d’encre. Il laisse ensuite l’œuvre telle quelle pendant quelques jours, ce qui permet aux liquides de se déplacer organiquement et de se fondre les uns dans les autres pendant qu’elle durcit, générant ainsi une composition inattendue au fil du temps. L’œuvre se compose d’un miroir, d’encre et de reflets, et constitue une conversation pure sur le phénomène de la lumière, que représente la photographie.
Kana Kawanishi Tokyo
2-7-5-5F, Nishi Azabu, Minato-ku,
Tokyo 106-0031 Japan
www.kanakawanishi.com
Lab 1930. Fotografia contemporanea, Milano Alessandra Calò (1977 Italy)(images 51 )
Alessandra Calò, artiste et photographe, expérimente depuis le début de sa carrière l’utilisation de nouveaux langages qui lui permettent d’approfondir des thèmes liés à la mémoire, à l’identité et au langage photographique lui-même. Sa recherche se caractérise par la réappropriation et la réinterprétation de matériaux d’archives par le biais d’anciennes techniques d’impression hors caméra.
Ses travaux ont été exposés dans de prestigieuses expositions et festivals internationaux, notamment : Giornata del contemporaneo à l’Institut culturel italien de Madrid ; Circulation(s) Festival de la jeune photographie européenne (Paris) ; Rencontres internationales de la photographie en Gaspésie (Canada), Ras Al Khaimah Fine Arts Festival (Émirats arabes unis).
En 2015, son projet Secret Garden a remporté le COMBAT PRIZE – International Contemporary Art Award – en tant que meilleur projet d’installation capable de fusionner l’histoire de la photographie avec la littérature contemporaine.
Les livres et les publications jouent un rôle fondateur dans sa pratique artistique. En 2019, Secret Garden (Danilo Montanari Editore) a obtenu une mention spéciale au Bastianelli Award en tant que meilleur livre italien publié en 2018. Certaines de ses œuvres ont été publiées dans des revues spécialisées et acquises dans des collections privées, des fondations et des musées, comme : Collezione Maramotti et Collezione Donata Pizzi en Italie ; Artphilein Foundation en Suisse ; MoMA et The Met Museum New York. Caroline Gavazzi (1971 Italie)
Caroline Gavazzi est une photographe franco-italienne basée à Milan. Elle a passé les premières années de ses études entre Paris, où elle a obtenu un diplôme d’urbanisme à la Sorbonne, et Londres, où elle a obtenu un master en photographie professionnelle au LCC (London College of Communication).
Son exploration de l’image l’a progressivement éloignée de la pratique commerciale pour l’amener vers un chemin personnel plus profond, à la recherche de nouvelles formes d’expression en utilisant la photographie comme principal média.
Caroline a travaillé comme coordinatrice d’images au sein du département artistique de Vogue UK et comme rédactrice d’images pour le magazine Harvey Nichols. Parallèlement, elle a commencé à travailler en tant que photographe indépendante pour des intérieurs, des portraits et des natures mortes pour des magazines tels que Vogue UK, House & Garden, Tatler, Condé Nast Traveller et Elle, pour n’en citer que quelques-uns. Le travail de Caroline a été exposé dans une liste impressionnante d’expositions individuelles et collectives, de foires et de festivals.
Lab 1930. Fotografia contemporanea Milano – Caroline Gavazzi (1971 Italy) (images 52 )
Caroline Gavazzi est une photographe franco-italienne basée à Milan. Elle a passé les premières années de ses études entre Paris, où elle a obtenu un diplôme d’urbanisme à la Sorbonne, et Londres, où elle a obtenu un master en photographie professionnelle au LCC (London College of Communication).
Son exploration de l’image l’a progressivement éloignée de la pratique commerciale pour l’amener vers un chemin personnel plus profond, à la recherche de nouvelles formes d’expression en utilisant la photographie comme principal média.
Caroline a travaillé comme coordinatrice d’images au sein du département artistique de Vogue UK et comme rédactrice d’images pour le magazine Harvey Nichols. Parallèlement, elle a commencé à travailler en tant que photographe indépendante pour des intérieurs, des portraits et des natures mortes pour des magazines tels que Vogue UK, House & Garden, Tatler, Condé Nast Traveller et Elle, pour n’en citer que quelques-uns.
Le travail de Caroline a fait l’objet d’expositions individuelles et collectives, de foires et de festivals dans le monde entier !
Lab 1930. Fotografia contemporanea
Via Mantova 21,
20135 Milano
www.lab1930.com
nüüd.berlin gallery – Deni Horvatić (1991 Croatie) (images 53 )
Deni Horvatić est né à Čakovec, en Croatie. Sa pratique artistique comprend la photographie ainsi que l’art vidéo et l’image de synthèse. Il a travaillé pendant plusieurs années au Studio Silvio Vujičić et à la marque de mode E.A.1/1 S.V. en tant que chercheur et responsable de la communication et de la conception visuelle.
Depuis 2019, il travaille avec la marque de mode croate XD Xenia Design. Il a remporté le prix Marina Viculin pour les réalisations exceptionnelles dans la photographie croate, établi par l’organisation internationale de photographie Organ Vida. En septembre 2020, l’exposition SCAN a été présentée à la galerie Miroslav Kraljevic à Zagreb, en Croatie. En mai/juin 2022, il participe au 36e Salon de la jeunesse, l’événement d’exposition le plus important et le plus respecté pour les artistes visuels de moins de 35 ans en Croatie. Son exposition SCAN a ensuite été présentée à la galerie nüüd.berlin en juin et juillet 2022. Deni a également participé à l’exposition collective NUIT 2.0 à la galerie nüüd.berlin (juillet – septembre 2022) et est représenté par la galerie nüüd.berlin.Deni Horvatić vit à Čakovec, en Croatie, où il travaille en tant qu’artiste visuel.
nüüd.berlin gallery
Kronenstr. 18
D-10117 Berlin-Mitte
www.nüüd.berlin
O-68 Velp – Louise te Poele (1984 Pays-Bas) (images 54)
À UNSEEN 2023, la galerie d’art O-68 présente des artistes qui transcendent les limites du médium photographique. Louise te Poele s’interroge sur la flexibilité du monde. Aussi flexible que l’esprit ? La nature et les phénomènes naturels, tels que la gravité et les reflets, sont des éléments/thèmes importants pour elle. Ses œuvres les plus abstraites traitent de la gravité et de son désir d’apesanteur. Elles sont également le point de départ de son travail figuratif spatial. Elle construit des mondes avec des objets fabriqués par l’homme. Les objets de chaque œuvre sont interdépendants. Comment gérons-nous l’enfermement des objets fabriqués par l’homme ?
O-68 Velp – Maaike Kramer (1986 Les Pays-Bas) (images 55 )
Maaike Kramer utilise des formes et des matériaux architecturaux comme métaphore des espaces et des constructions mentales. Pendant la réalisation, il y a plusieurs phases de transition entre la pensée et la réalisation. En combinant un langage visuel monumental et un langage visuel sommaire, elle crée des constructions qui, outre leur monumentalité, contiennent également des doutes et des réflexions. La photographie est un moyen de capturer un moment fugace ou de déterminer une perspective. Kramer utilise la photographie comme un moment de réflexion dans le processus, fige le temps avec elle, mais la montre aussi dans l’œuvre finale sous la forme de photos coulées en transparence.
O-68 Velp – Wanda Tuerlinckx (1969 Belgique/ Les Pays Bas )(images 56)
Wanda Tuerlinckx photographs android robots. By using as photographic medium a process in which unique prints are made on photosynthetic material from nature, chlorophyll prints, the robots enter into a relationship with nature. This creates a contrast between the digital and organic worlds, while at the same time enhancing the magic of nature. A unique ‘greening’ that unites the futuristic and the biological, code and nature. We show here Ai-Da. At least 4 other chlorophyll works are in the process of being made (Hi-4, Jules, Natsume Soseki and Ottonaroid) and will be ready in September.
O-68 Velp – Daphne van de Velde (1973 Les Pays Bas) (images 57)
Daphne van de Velde a d’abord suivi une formation d’ingénieur en architecture, qu’elle a complétée peu après par un diplôme en architecture/arts monumentaux. Enfin, elle a obtenu un diplôme de photographe.
Le travail photographique de Daphne est une interrogation sur le médium, une exploration de ses possibilités. Son travail reflète toutes les influences de sa formation diversifiée – il sonde la frontière entre la photographie et la sculpture, il est parfois monumental mais pas toujours, il forme une unité avec l’espace architectural et il est expérimental.
Elle ne s’en tient pas à la forme. Pour elle, le processus créatif est l’exploration de l’extérieur, où elle s’efforce de réconcilier la représentation de la surface avec le monde intérieur des sentiments.
Elle veut rendre la peau tangible. Elle constate que nous utilisons notre peau comme une frontière, un mur défensif pour empêcher les autres d’entrer. Le papier photographique devient le substitut de la peau, qu’elle manipule et façonne pour en faire une photo-sculpture. Mais ne vous attendez pas à une représentation du corps, les fragments brisés font référence à un contact physique, qu’il soit amoureux ou agressif. Ce sont des expériences d’intimité et de vulnérabilité, de désir, d’amour et de douleur.
Nous vivons de plus en plus dans notre propre espace est l’un de ses principes – mais je me demande, en regardant l’œuvre et en lisant sa déclaration, si l’œuvre aurait pu être réalisée à une autre époque que celle de Corona, à une autre époque que celle de l’isolement obligatoire. Elle exprime si fortement la solitude, la faim de peau, l’aspiration à un véritable contact humain, qu’elle résume presque cette période. En fin de compte, elle nous demande de laisser tomber les barrières, car ce n’est qu’en nous autorisant à être vulnérables et à risquer le chagrin que nous connaîtrons l’amour.
La force de l’œuvre de Daphne van de Velde réside à la fois dans sa conception et dans son point de départ – elle franchit les limites du médium, et le résultat est surprenant, captivant et stimulant…
O-68
Oranjestraat 74
6881SG Velp,
Nederland
www.gallery-o-68.com
Photo Gallery JAPANESQUE Paris/Tokyo/Kyoto – Yasuo Kiyonaga (1948 Japon) (images 58)
Yasuo Kiyonaga est un artiste japonais inspiré par le surréalisme. Il cherche toujours à dépasser les limites de la photographie en mélangeant plusieurs techniques.
Dans l’édition 2023 d’Unseen, la série « hana » sera exposée. Cette série de natures mortes est une superposition de la peinture photographiée et de la photographie de la fleur dans un vase. Le dynamisme de ses coups de pinceau et les fleurs sont assemblés de manière soyeuse dans un tableau.
Photo Gallery Japanesque Paris/Tokyo/Kyoto
14 Rue Saint-Sulpice,
75006 Paris
www.kyoto-muse.jp/paris/
Project 2.0/Gallery La Haye – Sebastiaan Knot (1970 Les Pays Bas ) (images 59)
Sebastiaan Knot est un artiste visuel qui vit et travaille à Rotterdam, aux Pays-Bas. Il utilise la lumière comme matériau pour créer des contrastes de couleurs et de formes qui embellissent l’espace. Après une carrière diversifiée en tant que photographe, graphiste et concepteur de sites web, il a fondé son propre studio de photographie qu’il dirige toujours avec succès depuis plus de 20 ans. Ces dernières années, son travail s’est déplacé des clients commerciaux et des commandes vers les beaux-arts. Exposé récemment au Project 2.0 à La Haye, il vend ses œuvres aussi bien à l’étranger qu’aux Pays-Bas. Ses œuvres font partie de la collection de l’hôpital Maasstad et de collections privées. Il a notamment exposé à la Fondation Vasarely en juillet 2022, où son travail a été présenté dans le cadre d’une exposition collective avec Victor Vasarely et Paco Rabbane, entre autres.
« Mon travail est un dialogue entre la lumière et l’espace. Je joue le rôle de modérateur et je détermine l’endroit où la lumière pénètre dans l’espace. Ensuite, ils se heurtent et se disputent, mais parviennent toujours à une conclusion et à une compréhension. Ils ont tous deux besoin l’un de l’autre pour être vus. Comme l’a dit le peintre Seurat : « Nous ne voyons pas la réalité, mais nous voyons ce que la lumière nous renvoie de la réalité ». »
Qu’est-ce qui définit une « photographie du Bauhaus » ? Dans The Spirit of the Bauhaus (Thames & Hudson, 2018), la conservatrice Louise Curtis écrit qu’au début et au milieu des années 1920, les appareils photo étaient utilisés « pour découvrir des échelles et des formes de réalité jusqu’alors inimaginables. » L’un des pionniers les plus célèbres de cette approche était László Moholy-Nagy (1895-1946), intéressé par l’abstraction, l’espace et les possibilités de l’objectif. « Il a surtout insisté sur la capacité de l’objectif à étendre la vision humaine au-delà des habitudes de perception habituelles », explique M. Curtis.
Ces mêmes idées sous-tendent le travail de Sebastiaan Knot (1970), basé à Rotterdam, dont les géométries illusoires sont créées sans aucune manipulation numérique. Des feuilles de carton pliées à vif surgissent des murs orange, violets et roses, projetant des lignes d’ombre et de lumière très nettes. Ailleurs, un rectangle rouge se dresse sur un fond bleu profond. Les résultats sont profondément satisfaisants, attirant l’œil dans des mondes abstraits ». (Aesthetica Magazine)
Project 2.0 / Gallery
Noordeinde 57
2514 GC Den Haag
The Netherlands
www.project20.nl
Ravestijn Amsterdam – Mathieu Asselin (1973 France) (images 60 )
En 2014, un logiciel caché a été découvert dans certains modèles de voitures Volkswagen. Ce logiciel manipulait les tests de pollution de l’air effectués sur les véhicules de certains constructeurs automobiles. Il était conçu pour identifier le moment où le test d’émissions normalisé était effectué et pour modifier le moteur afin qu’il émette des niveaux plus faibles de polluants pendant le test. Cependant, lorsque ces véhicules étaient conduits dans des conditions réelles, ils émettaient des quantités nettement plus élevées de polluants. Cette révélation a provoqué le plus grand scandale industriel depuis la Seconde Guerre mondiale et a gravement ébranlé l’industrie automobile. Ce scandale est connu sous le nom de Dieselgate.
True Colors, la dernière œuvre de Mathieu Asselin, est influencée par le scandale du Dieselgate et réfléchit à la relation destructrice de l’industrie automobile avec l’environnement. Le projet examine comment l’industrie se présente faussement comme respectueuse de l’environnement pour faire face aux défis socio-économiques et environnementaux urgents auxquels l’humanité est confrontée aujourd’hui. Il souligne comment le concept traditionnel de mobilité individualiste est remis en question comme jamais auparavant dans l’histoire de l’industrie.
En utilisant les outils de marketing visuel employés par l’industrie, tels que la photographie, les couleurs, les documents d’archives et autres, True Colors vise à remettre en question le récit environnemental de l’industrie. Il confronte les contradictions de l’industrie, les scandales d’entreprise et environnementaux, le manque d’action et sa vision non durable de l’avenir de la mobilité humaine.
Le projet se compose de deux éléments principaux : un livre contenant des photographies et des textes qui approfondissent la recherche sur le projet, et une série de diptyques : des paysages imprimés à l’aide de la technique de la sérigraphie. Ces paysages sont imprimés sur des plaques d’acier colorées et brillantes, mesurant environ 100 x 150 x 2 cm, à l’aide d’une encre noire à base de carbone négatif. L’encre est produite à partir de fines poussières extraites des pots d’échappement des véhicules diesel. La présentation générale de l’œuvre est sereine et comprend une collection colorée de scènes naturelles pittoresques. Ces paysages sont tirés des brochures de vente des voitures impliquées dans le scandale du Dieselgate. Les couleurs utilisées dans les gravures portent d’ailleurs le nom d’écosystèmes précieux. Par exemple, un lac entouré de pins est représenté dans le « Montana Green » de Volkswagen, une montagne vierge est recouverte du « Glacier Blue » de Renault et un désert est baigné du « Arizona Sun » de BMW. Chaque diptyque est édité à 1 exemplaire plus 1 AP.
En collaboration avec un biologiste, Asselin a sélectionné 257 de ces couleurs et a créé une représentation graphique illustrant l’augmentation des températures de 1880 à 2022. Des couleurs telles que le « bleu Alaska » représentent l’ère victorienne, tandis que le « vert Amazonie » représente le milieu du 20e siècle. Le « rouge corail », plus alarmant, représente l’époque actuelle.
Ravestijn Amsterdam – Chloe Sells (1976 France) (images 61 )
Chloe Sells présente une sélection de travaux réalisés à l’époque où elle était l’une des dernières assistantes personnelles du célèbre journaliste culte Hunter S. Thompson, auteur de Fear and Loathing in Las Vegas : a savage journey to the Heart of the American Dream (1971) et d’autres écrits sur la politique et la vie américaines.
Sells s’inspire de cette expérience pour dépeindre non seulement la maison intime et le mode de vie de l’auteur, mais aussi les paysages puissants de leur maison commune, Aspen, dans le Colorado. Dans une série d’images expressives, l’artiste combine des travaux documentaires et des photographies imprimées à la main qui sont recouverts de techniques de marbrure traditionnelles d’Italie et du Japon. Le résultat est une série de tableaux uniques, qui tiennent autant de la peinture que de la photographie : une promenade psychédélique à travers les montagnes Rocheuses et dans le salon de l’un des esprits les plus anticonformistes du XXe siècle. Chaque œuvre est une pièce unique.
Chloe Sells est originaire du Colorado et vit et travaille actuellement entre Londres et Maun, au Botswana. Elle a obtenu une licence en beaux-arts à la Rhode Island School of Design en 2000 et une maîtrise en beaux-arts à la Central Martin’s en 2011. Son travail a été exposé à la Michael Hoppen Gallery à Londres et à la Galerie Miranda à Paris.
Sur le stand, nous disposons d’un nombre limité d’exemplaires du livre Hot Damn de Chloe, dans lequel elle classe chaque image avec des mots ou des phrases que Thompson a dits ou écrits. Une publication vraiment inspirante !
Ravestijn Gallery
Déménagement de la galerie : Nouvelle adresse bientôt annoncée
1013 BV Amsterdam
www.theravestijngallery.com/
Roof-A Rotterdam – Daan Zuijderwijk (1974 Les Pays-Bas) (images 62 )
Au cours des cinq dernières années, Daan Zuijderwijk s’est affranchi de la plupart des systèmes humains. Avec une petite maison sur roues, il s’aventure avec sa famille dans les montagnes et les forêts que l’on peut voir dans ses images. Dans les paysages les plus reculés et les plus accidentés d’Europe, de l’Écosse et de la Norvège à la France ou à l’Espagne, Daan se fraye un chemin dans l’obscurité avec son appareil photo, son trépied et son équipement et se dirige vers l’endroit prometteur qu’il a repéré. Les bois, la montagne, la falaise, la vallée produisent des images extraordinaires et étranges ; elles ont été transformées par ses interventions dans l’obscurité, permettant aux lampes colorées et aux stylos laser de parcourir les arbres et les rochers. C’est ainsi que ses images prennent forme, par le biais d’une performance inspirée et réfléchie dans la nuit.
ROOF-A
Westplein 9-B
3016 BM Rotterdam
www.roof-a.com
John Devos
Correspondent L’Œil de la Photographie/Eye of Photographie
john.devos01(a)gmail.com
