C’est avec grand plaisir que je lance une nouvelle série pour L’Oeil de la Photographie. En plus des fonctionnalités « What’s New » établies que nous partageons avec vous depuis septembre 2019, notre nouvelle série présente des entretiens approfondis avec des galeristes, des éditeurs, des conservateurs de renom, etc. Je suis ravie de commencer avec l’un des galeristes les plus célèbres de New York – Howard Greenberg. Depuis que j’ai commencé à travailler dans la photographie, les expositions, les activités et les collaborations de Greenberg ont été une énorme source d’inspiration pour moi. A l’occasion de l’exposition Saul Leiter à la Fondation Helmut Newton en 2018/2019, j’ai enfin eu le plaisir de travailler avec Greenberg pour la première fois – quel bonheur !
Veuillez vous joindre à moi maintenant pour la première partie de « Recap & Reload », mettant en vedette M. Howard Greenberg :
Nadine Dinter : Quand et comment avez-vous débuté votre carrière dans le milieu des arts/de la photographie ?
Howard Greenberg : Après l’université, en 1970, j’ai acheté un appareil photo et je n’ai jamais regretté. Je n’avais pas prévu une carrière dans les arts, en tant que photographe, ou certainement pas en tant que galeriste. Cependant, mon amour et mon obsession d’être photographe se sont transformés en un amour et une obsession similaires pour l’histoire de la photographie, en particulier avec ma découverte de la beauté transcendante des matériaux changeants disponibles au long de cette histoire lorsqu’ils sont utilisés par les grands photographes. Je suis passé de photographe à fondateur et directeur d’un «centre» à but non lucratif pour la photographie à Woodstock, NY, en 1977, pour finalement ouvrir ma propre galerie commerciale en 1981.
Quelle a été votre principale motivation pour ouvrir une galerie ? Avez vous des modèles ou des idoles en particulier ?
HG : Ma motivation pour ouvrir ma première galerie commerciale était la prise de conscience que j’aimais l’histoire, et aussi qu’il y avait de grands trésors à proximité (Woodstock était une importante colonie d’art fondée en 1902, et de nombreux photographes y vivaient ou y avaient des liens forts). Je pouvais avoir une galerie à Woodstock pendant les mois les plus chauds, puis être sur la route avec les photographies que je trouvais et acquérais tout le temps. Si j’avais eu des modèles de galeries, cela aurait été les premières galeries de New York comme Witkin et Light. Cependant, pour moi, il s’agissait davantage de découvrir de grandes œuvres, puis de trouver des moyens de les vendre, puis de créer une entreprise de galerie. Je vous assure que je n’ai pas vendu beaucoup de photos depuis ma galerie Woodstock au début des années 80. L’entreprise s’est développée grâce à mes nombreux voyages à New York et dans d’autres villes, ce qui m’a permis de nouer des relations avec les quelques conservateurs et collectionneurs de l’époque.
Quel est le premier artiste avec que vous ayez signé ?
HG : Bonne question. En fait, je n’avais aucune envie de travailler avec aucun de mes pairs ou photographes contemporains à cette époque. Mon intérêt était de découvrir l’histoire. Donc, je peux dire que parmi les premières biens que j’ai représentés, dont je me souviens comme étant importants, il y avait ceux de Martin Munkácsi. Il y avait une exception; Kenro Izu. Il avait une résidence secondaire à Woodstock, et j’ai vu son travail au centre de photographie, je crois, en 1982 ou 1983. Nous nous sommes rencontrés et nous travaillons ensemble depuis. Je dirais qu’il a été le premier photographe « contemporain » avec qui j’ai signé.
Après combien d’années dans l’entreprise avez-vous obtenu l’affirmation dont vous aviez besoin ? Qu’est-ce qui vous pousse à continuer à travailler comme galeriste dans votre espace ?
HG : Une autre bonne question… Je vais donner deux réponses. La première est que lorsque ma voiture a été cambriolée en 1980 dans un parking du centre-ville de New York, le magnétophone et les valises pour un séjour de plusieurs jours, et d’autres choses ont été volées. Tout ce qui restait, c’était un mince étui portefeuille 16×20 contenant sept très précieux tirages d’Alfred Stieglitz. Même alors, ils valaient bien plus que ma voiture, et je me suis dit, je suis dans le bon domaine. La deuxième affirmation a été la ou les ventes que j’ai faites à la nouvelle collection de photos du Getty Museum. La formation de cette collection est une histoire très intéressante en soi. Cependant, je peux vous dire que l’argent qu’il a mis entre les mains de plusieurs revendeurs et du marché en général, ainsi que la nouvelle perception plus large que la photographie avait une valeur vérifiable, a changé la donne. C’était en 1984…
Qu’est-ce qui me pousse à continuer ? Eh bien, bien sûr, il y a plusieurs raisons. La première est que ma croyance en la photographie continue (bien que tout ait changé et ne soit pas, devrais-je dire, aussi pur qu’autrefois.) Ensuite, il y a la galerie et le personnel. Je me sens responsable de plusieurs personnes et de leur gagne-pain. J’ai toujours considéré la galerie comme une affaire de famille et je le fais toujours. Et surtout, la galerie a évolué pour représenter quelque chose de la photographie qui est, à certains égards, différente des autres galeries. Je crois cela uniquement à cause du volume de commentaires que j’ai reçus au fil des ans de la part de tant de personnes et d’une telle variété. J’ai essayé de garder la galerie sur la photographie en premier et les tendances, la politique, les problèmes sociaux et les genres spécifiques en second. Il semble y avoir un public assez large depuis assez longtemps qui respecte cela. Et cela me donne l’impression que la galerie mérite de survivre, même longtemps après moi.
Quelle est votre philosophie d’entreprise ?
HG : J’ai toujours essayé d’être loyal envers les photographes et les successions que je représente, et d’agir dans leur meilleur intérêt. Idem pour les merveilleux clients/collectionneurs/musées avec qui j’ai travaillé. Et puis, je crois que dans ma galerie, le personnel occupe une place très importante dans le métier. J’ai essayé de cultiver cela et de conserver autant que possible des employés à long terme. Une galerie qui réussit est celle qui développe et entretient des relations même lorsqu’il n’est pas financièrement productif de le faire. À long terme, c’est ce qui fonctionne et c’est aussi personnellement très gratifiant.
Combien d’artistes représentez-vous maintenant ?
HG : Je n’en ai aucune idée, sérieusement. Je suppose que je pourrais compter, mais ce ne serait pas exact. Il existe différents types de représentations. Une où vous êtes la galerie principale et tous les flux de travail passent à travers vous. Je considère que c’est le type de représentation le plus important. Nous avions l’habitude de l’appeler « exclusif ». Une autre est lorsque vous êtes l’une des rares galeries et que le photographe ou le domaine contrôle le travail et est le centre de l’activité. Et puis il y a les collections d’ouvrages historiques qui vous passionnent profondément. Je pourrais dire que je les représente, mais en vérité, je pourrais ne posséder qu’un large inventaire et/ou continuer à être actif sur le marché « secondaire » du travail de ce photographe. Quoi qu’il en soit, pour tenter de trouver un nombre, je suggérerais de regarder mon site Web et de compter !
Y a-t-il eu un grand tournant, une refonte du line-up de la galerie ou un déménagement majeur (quel qu’il soit) depuis l’ouverture de votre galerie ?
HG : En fait non. J’aime à penser que la galerie a, plus ou moins, été cohérente dans ce qu’elle représente en photographie. Tout changement de perception a été graduel sur une période de temps. Quant aux déménagements : de la galerie Woodstock à un petit espace à Soho de 1986 à 1991, à un grand et bel espace (pour l’époque) de 1991 à 2003, à l’espace du centre-ville depuis lors… la galerie a certainement déménagé. Et je crois qu’à chaque déménagement, il y a eu un changement dans ce qui était possible et, par conséquent, dans le succès de l’entreprise. Heureusement, cela semble toujours aller de l’avant.
Des temps forts ou des moments difficiles ?
HG : Beaucoup.
Des anecdotes particulières que vous souhaitez partager avec nos lecteurs ?
HG : Des dizaines. Gardons-les pour la prochaine fois.
Quoi de neuf et que nous réserve 2023 ?
HG : Maintenant, je vis à Berlin, et bien que toujours très impliqué, le personnel gère la galerie au jour le jour. Cela inclut la programmation d’expositions et plus encore. Je suis consulté, bien sûr, mais je ne participe pas vraiment à toutes les décisions. Je dois donc suggérer de parler à mon personnel pour répondre à la question.
Votre conseil pour les collectionneurs de photographie ?
HG : Mon conseil pour les collectionneurs de photographie, s’ils ont l’intention de vraiment « collectionner » et pas seulement d’acheter quelques photos pour les murs (ce qui me convient aussi), est : Renseignez-vous. Cela signifie aller à des expositions, poser des questions, regarder des livres et même en lire quelques-uns. Ensuite, achetez une ou deux ou trois photos qui vous plaisent et vivez avec elles. Cherchez d’autres collectionneurs pour leurs idées. Cependant, au fur et à mesure que cette activité se poursuit et qu’un semblant de confiance se développe, suivez votre cœur. Achetez ce qui vous plaît et n’écoutez pas vos amis. Mieux vous comprendre grace à la collection que vous faites, les images et tirages avec lesquels vous vivez, et pourquoi ils vous apportent satisfaction… ou pas. Et achetez toujours le « meilleur » que vous pouvez vous permettre, et sachez qu’une photo à 1 000 $ peut vous apporter autant de joie qu’une photo à 100 000 $. Tout est très personnel au final.
Des interdits et des choses à faire dans le domaine de la photographie ?
HG : C’est une question difficile, car on pourrait écrire un livre sur la façon d’être dans le secteur de la photo. Ce que je dirai ici, c’est de penser à long terme et, espérons-le, avoir vos propres goûts et raisons pour les photos que vous montrez et vendez. Je crois que les meilleurs galieristes ont leurs propres visions. C’est la croyance en cette vision, plus une capacité à la présenter au monde d’une manière attrayante et créative qui permettra au succès de suivre. Bien sûr, vous devez également traiter vos artistes, clients et collègues correctement, avec intégrité et clarté. Et enfin, si vous n’aimez pas vraiment les photos que vous vendez, ne vous embêtez pas. Sinon, l’entreprise ne fonctionnera pas, du moins pas à long terme.
Photographes sur votre radar?
HG : Vous me direz. Je continue d’apprendre…
Merci beaucoup d’avoir pris le temps, Howard !
Exposition :
Edward Burtynsky, African Studies (études africaines), 4–27 mars 2023
Suivez la galerie sur @howardgreenberggallery et trouvez plus d’informations sur https://www.howardgreenberg.com/
