Steffi Jaeger est une actrice importante de la scène photographique depuis aussi longtemps que je me souvienne. Je l’ai rencontrée pour la première fois à Camera Work, où j’ai apprécié ses remarques perspicaces à travers les expositions. Son style engageant et son expertise ont laissé une impression durable et nous sommes restés en contact depuis.
Steffi et son mari Benjamin ont depuis fondé leur propre galerie, il était donc temps de faire un véritable retour sur son parcours dans le monde de la photographie. Plongez et bonne lecture !
Quand et comment avez-vous débuté votre carrière dans le secteur des arts/photographie ?
J’étais déjà très concentrée sur la photographie alors que j’étudiais l’histoire de l’art au milieu des années 90. À cette époque, la photographie prend une place de plus en plus importante dans le secteur culturel. Je sentais que cette forme d’art était de plus en plus établie en Allemagne et je voulais faire partie de ce mouvement. Pendant mes études, j’ai commencé à travailler pour PPS, un laboratoire photo professionnel, où j’ai rencontré son fondateur, F.C. Gundlach.
La Galerie Berinson est une institution depuis la fin des années 1980 avec ses expositions de photos de qualité muséale, mais la scène photographique berlinoise a connu un essor significatif au cours du millénaire. Argus Fotokunst, créée en 1996, a été l’une des premières galeries de photographie à Berlin. Son fondateur, Norbert Bunge, a été pionnier dans la redécouverte de grands photographes presque oubliés. Camera Work a ouvert ses portes en 1997, la célèbre Galerie Kicken a déménagé de Cologne à Berlin en 2000, C/O Berlin a ouvert la même année et la Fondation Helmut Newton a été fondée en 2003. Ces développements ont solidifié Berlin en tant que point de repère international pour la photographie.
F.C. Gundlach m’a présenté à Christian Diener, l’ancien directeur artistique de Camera Work, et en 1999, j’ai commencé à y travailler et j’ai finalement trouvé ma place dans le monde de la photographie.
Quelle a été votre principale motivation pour ouvrir une galerie ? Avez-vous des modèles ou des idoles en particulier ?
Je n’ai jamais vraiment eu envie d’ouvrir ma propre galerie, mais grâce à de nombreuses coïncidences heureuses, en faisant équipe avec mon mari Benjamin et grâce aux encouragements de nombreux artistes, collectionneurs et amis, cela s’est produit de manière totalement imprévue et plus rapidement que prévu.
Au cours des dernières années, nous avons participé à plusieurs projets et conseillé des collectionneurs, des institutions et des domaines. À un moment donné, nous avons réalisé qu’il nous manquait un lieu permanent dans la ville où nous pourrions non seulement exposer des œuvres d’art, mais aussi rencontrer et échanger des idées avec des collectionneurs, des artistes, des amateurs d’art et des amis. Nous sommes heureux d’avoir décidé de franchir cette étape en 2022. Cette décision a conduit à de merveilleuses expositions et à de nombreuses autres opportunités passionnantes et inattendues qui n’auraient pas eu lieu sans la galerie.
Quel a été le premier artiste que vous avez engagé ?
Avec plus de 20 ans d’expérience dans le domaine de l’art photographique, nous avons construit un solide réseau au sein de la scène de l’art photographique et développé des relations personnelles étroites avec les artistes. La principale question était de savoir qui exposer en premier.
Après avoir organisé la première exposition personnelle en Allemagne de George Hoyningen-Huene à Grisebach lors de la Berlin Photo Week en 2021, il était logique d’exposer son œuvre à un moment donné, d’autant plus que nous sommes membres du conseil consultatif de la succession.
La Neue Nationalgalerie a organisé une exposition sur Joséphine Baker à la fin de l’année dernière et nous avons fourni quelques photographies vintage emblématiques prêtées par la succession Hoyningen-Huene. Cela nous a donné l’occasion idéale d’exposer les photographies de Hoyningen-Huene des contemporains de Baker, tels que Charlie Chaplin, Johnny Weissmüller, Salvador Dali et Lee Miller.
Après combien d’années dans l’entreprise avez-vous obtenu l’affirmation dont vous aviez besoin ? Qu’est-ce qui vous pousse à continuer à travailler comme galeriste dans votre espace ?
Les retours que nous avons reçus ont été incroyables depuis le début. Nous sommes parfois bouleversés lorsque nous apprenons que des visiteurs viennent de l’extérieur de Berlin juste pour voir nos expositions. Les retours des artistes, collectionneurs, collègues et visiteurs sont toujours positifs, chacun se sentant bien accueilli et à l’aise.
J’aime partager ma passion pour l’art et créer des expositions, qu’il s’agisse d’icônes de la photographie ou d’artistes émergents. J’aime également échanger avec de nouveaux artistes, apprendre à les connaître et, le cas échéant, les soutenir et les accompagner dans leur parcours.
La galerie nous permet également de promouvoir et d’élargir nos autres projets de collaboration. Nous créons non seulement le programme de notre galerie, mais nous conseillons et soutenons également d’autres lieux d’exposition grâce à notre réseau et notre expertise. Nous conseillons par exemple In the Pink, l’une des plus belles galeries d’Europe du Sud ; un musée privé à Falsterbo, en Suède, à l’autre bout de l’Europe, qui possède l’une des collections de photographies les plus impressionnantes de Scandinavie ; et une collection dans le sud de l’Allemagne, pour laquelle nous organisons régulièrement des expositions dans l’espace de projet Münzmeisterhaus, comme celle actuelle avec Kristian Schuller, avec des photographies connues et inédites. C’est la deuxième exposition que nous y organisons et elle a été bien accueillie par les visiteurs, les collectionneurs et la presse. D’autres expositions avec des artistes de renom suivront.
Quelle est votre philosophie d’entreprise ?
Le temps sans galerie permanente nous a beaucoup appris, notamment sur la façon de sortir des sentiers classiques et des schémas établis. Nous explorons continuellement de nouveaux modèles commerciaux et formons des partenariats stratégiques au sein de notre réseau, notamment avec d’autres galeries, collectionneurs, institutions, éditeurs et entreprises commerciales.
Néanmoins, rien n’est plus important pour nous que les valeurs traditionnelles que tout galeriste doit défendre : soutenir et promouvoir ses artistes de la meilleure façon possible et éduquer le public.
Combien d’artistes représentez-vous actuellement ?
Je voudrais continuer la question précédente pour répondre à celle-ci.
Afin de garantir un soutien optimal à nos artistes, nous avons décidé de commencer avec un plus petit nombre d’artistes représentés. En nous concentrant sur un noyau limité, nous pouvons accorder à chaque artiste l’attention qu’il mérite, en prendre le meilleur soin possible et le positionner efficacement sur le marché de l’art.
Actuellement, nous représentons 11 artistes de genres variés. Même si nous prévoyons de nous développer dans les années à venir, nous sommes pour l’instant très prudents et priorisons les collaborations à long terme.
Y a-t-il eu un grand tournant, une refonte de l’offre de la galerie ou un mouvement majeur (de quelque nature que ce soit) depuis l’ouverture de votre galerie ?
Notre galerie n’existe que depuis deux ans ; il n’y a pas eu beaucoup de tournants 🙂
Des moments forts ou des moments difficiles ?
Chaque exposition est pour moi un moment fort, surtout lorsqu’une couche supplémentaire s’y ajoute, comme la collaboration avec des commissaires ainsi que la variété des œuvres d’art présentées dans notre galerie : peintures abstraites de Julio Rondo, dessins fins et élégants de Tina Berning, sculptures de John Isaacs, ou photographies des années 1920 et 1930 de George Hoyningen-Huene.
Notre plus grand défi est celui que nous nous sommes fixé : rester fidèle à notre vision, maintenir nos standards, nous amuser et équilibrer tout cela avec nos engagements familiaux.
Une anecdote particulière que vous souhaiteriez partager avec nos lecteurs ?
Un point fort particulier est notre collaboration avec la jeune artiste Evelyn Bencicova. Evelyn repousse les limites de la photographie et travaille également avec la vidéo et la réalité augmentée et virtuelle. Nous l’avons proposée au Berlin Masters Award, où elle a remporté la résidence d’artiste Schliemann à Arles, et elle est actuellement présentée à Photo +, le festival des médias visuels et sonores de Düsseldorf, et avec notre soutien, elle a fait ses débuts aux enchères Phillips l’automne dernier. C’est vraiment gratifiant d’aider une artiste à attirer une telle attention, et ce n’est qu’un exemple.
De plus, je suis honorée d’avoir été nommée membre de la Société allemande de photographie (DGPH) en avril de cette année. J’attends avec impatience de relever le défi de contribuer encore plus à l’avancement de la photographie et de ses intérêts.
Quoi de neuf et que nous réserve 2024 ?
Préparez-vous pour des expositions fantastiques ! Un moment fort personnel est la prochaine exposition mettant en vedette Bastiaan Woudt, avec qui nous partageons une étroite amitié depuis dix ans. Lors de la Berlin Art Week en septembre, nous présenterons ses photographies pour la première fois en Allemagne. Aux côtés de ses « classiques » bien connus, nous présenterons de nouvelles œuvres inédites, peut-être influencées par son récent voyage au Japon en avril.
Bastiaan Woudt est un photographe néerlandais contemporain réputé pour ses images monochromes saisissantes mêlant minimalisme moderne et portrait classique. Son travail présente souvent un contraste élevé, des lignes nettes et un fort accent sur la texture et la forme, créant une esthétique intemporelle et élégante. La photographie de Woudt englobe divers sujets, notamment des portraits, des nus et des paysages, tous caractérisés par une composition sophistiquée et une profondeur émotionnelle. Il est reconnu pour sa capacité unique à capturer l’essence de ses sujets tout en conservant un style visuel distinctif, presque abstrait.
Vous êtes chaleureusement invités à y assister.
Votre conseil aux collectionneurs de photographies ?
Restez engagé dans la scène artistique : explorez les expositions dans les galeries, les musées, les foires d’art et les festivals pour rester au courant des tendances émergentes tout en honorant la profondeur de l’histoire de l’art. Favorisez les liens avec les galeristes, les conservateurs et les autres collectionneurs pour rester informés et inspirés.
S’il est crucial de rester informé, laissez votre intuition et votre cœur guider vos acquisitions. Investissez dans des œuvres d’art qui vous parlent et qui trouvent une place significative dans votre vie, votre collection ou votre maison. Assistez à de nombreuses expositions, engagez des conversations réfléchies avec des galeristes, apprenez à connaître les artistes et acquérez des œuvres qui enflamment votre passion ou qui vous touchent profondément.
Soyez toujours ouvert et acceptez un mélange diversifié d’artistes, en soutenant à la fois les talents émergents et les artistes établis.
Les choses à ne pas faire quand il s’agit du secteur de la photographie ?
Alors que le marché de l’art peut parfois pencher vers l’achat spéculatif et la chasse aux tendances, nous privilégions l’authenticité. Notre philosophie repose sur la conviction que l’art doit profondément vous intéresser plutôt que d’être uniquement influencé par des facteurs externes ou par les tendances du marché.
Nous prenons plaisir à cultiver des relations authentiques entre artistes et collectionneurs. En invitant nos clients dans des studios et ateliers d’artistes, nous leur offrons une expérience directe du processus créatif. De plus, nous favorisons les collaborations qui transcendent les murs de notre galerie, visant à mettre en valeur des artistes dans des contextes divers et enrichissants.
Photographes sous votre radar?
Au fil des années, nous avons rassemblé deux dossiers assez intéressants avec les titres « pas si bon » et « pas si mal » – peut-être pourrons-nous les revoir ensemble un jour ;-)))
Restez à l’écoute et en contact avec Steffi Jaeger via le site Web de sa galerie www.jaeger.art et sur Instagram à @jaeger.art.advisory
A ne pas manquer et réservez les dates :
Ingar Krauss – This Is Not a Fashion Photograph
à l’affiche jusqu’au 22 juin 2024
@JAEGER ART
Brunnenstrasse 161
10119 Berlin
www.jaeger.art
Kristian Schuller – Dream Worlds
à l’affiche jusqu’au 14 juin 2024
@Projektraum im Münzmeisterhaus
Ketschengasse 7
96450 Cobourg
en collaboration avec la Collection Stahlberg
Bastiaan Woudt
14 septembre – 16 novembre 2024
@JAEGER ART
Brunnenstrasse 161
10119 Berlin
www.jaeger.art
