Michael Hoppen est une figure emblématique du monde de la photographie et une présence incontournable lors des grands événements comme Paris Photo. Son excellente liste d’artistes s’étend des grands japonais comme Masahisa Fukase et Akira Sato aux légendes comme Herb Ritts & Weegee, en passant par les talents avant-gardistes comme Harley Weir & Ori Gersht. Nous nous sommes entretenus pour un petit « Recap & Reload » pour célébrer le nouvel emplacement de sa galerie et la prochaine exposition personnelle de Gersht. Merci d’avoir pris le temps de discuter, Michael !
Nadine Dinter : Quand et comment avez-vous débuté votre carrière dans le secteur des arts/ de la photographie ?
Michael Hoppen : La photographie m’a toujours tenu à cœur et je prends des photos depuis l’âge de 13 ans. J’ai suivi un cours de base à Goldsmiths, mon BA au LCC (London College of Communication), puis j’ai poursuivi mes études au Royal College of Art pendant un an. Je suis parti et j’ai créé mon propre studio de photographie vers 1981 et j’ai travaillé comme photographe commercial dans les industries de la publicité et de la musique jusqu’en 1991, ce qui a été très amusant et une expérience enrichissante, mais cela a pris fin et j’ai ouvert la galerie Michael Hoppen en 1992, transformant la studio dans lequel j’avais travaillé comme espace principal de la galerie.
Quelle a été votre principale motivation pour ouvrir une galerie ? Aviez-vous des modèles ou des idoles en particulier ?
MH : J’ai commencé à collectionner des photographies en 1980. Les comparer à mon propre travail n’était pas amusant car je n’étais tout simplement pas assez bon. Je savais ce qu’une bonne photographie pouvait être et à quoi elle ressemblait, donc ce fut une expérience douloureuse de réaliser que mon travail manquait de la magie nécessaire et de ce qu’il faut pour créer une très belle image ! Comparer son propre travail à des photographies de Julia Margaret Cameron, Guy Bourdin, André Kertesz, Richard Avedon ou Robert Frank était difficile, mais c’est ainsi que cela a fonctionné dans mon esprit. J’ai toujours dit qu’il est très facile de reconnaître une belle photo mais presque impossible d’en faire une ! Cependant, mon expérience en tant que photographe raté a eu ses avantages, car je suis capable de sympathiser avec les artistes qui ont réalisé de superbes photographies, et je suis pleinement conscient de combien il est incroyablement difficile de le faire encore et encore comme mes héros photographiques ont réussi à le faire. J’ai étudié les processus chimiques et physiques de fabrication d’une photographie et le fonctionnement de la science derrière chaque photographie faire des photographies est très différent de simplement prendre une photo. Et pour moi, il est très important que l’artiste soit responsable de tous les aspects de la « création ». Et cela a été un privilège d’avoir pu observer de grands artistes en action manipuler l’image avec l’éclairage, la composition, le recadrage, le traitement, l’impression manuelle, la retouche, et aussi d’être témoin de la façon dont ils « ont rusé avec la lumière » dans l’objectif et sur l’objectif. film ou papier. J’ai passé beaucoup de temps dans la chambre noire à traiter des films en noir et blanc, à faire des contacts de négatifs et à essayer d’imprimer mon propre travail, ce qui était incroyablement difficile, comme le témoignerait quiconque ayant utilisé une chambre noire. J’ai également brièvement utilisé traiter les films Ektachrome d’autres photographes, ce qui était une leçon en soi ! Toute cette expérience a été inestimable pour vraiment comprendre le cercle complet de la réalisation d’une photographie.
Quel a été le premier artiste que vous avez signé ?
MH : Le premier artiste (parmi tant d’autres) que j’ai signé était le merveilleux Colin Jones – un homme charmant et talentueux. Mark Haworth-Booth, conservateur principal des photographies au V&A à l’époque, a accepté d’écrire l’introduction de notre tout premier catalogue, qui comptait quatre pages. J’étais très fier de cette première exposition. Ce fut un moment marquant pour moi et je repense à ces premières années de la galerie avec beaucoup d’affection.
Après combien d’années dans le business avez-vous obtenu l’affirmation dont vous aviez besoin ? Qu’est-ce qui vous pousse à continuer à travailler comme galeriste dans votre espace ?
MH : J’éprouve toujours une grande satisfaction à trouver et à travailler avec de grands artistes et à découvrir des images insolites. J’ai rapidement réalisé que j’avais trouvé mon métier et j’adorais contribuer à faire de la photographie quelque chose que les gens voulaient regarder et, espérons-le, emporter chez eux pour vivre avec. Je pense que lorsque nous avons signé Guy Bourdin, j’ai vraiment senti que la galerie évoluait dans la direction que j’espérais – il était l’un de mes héros et mes tentatives de travailler avec Bourdin en tant qu’assistant avaient échoué, mais mon désir de travailler avec son travail a été récompensé lorsque j’ai finalement rencontré son fils Samuel qui m’a donné l’opportunité de montrer son travail à nos clients londoniens. Cette première exposition a été l’un des moments forts de l’histoire de notre galerie.
À la fin des années 1990, j’ai organisé une exposition intitulée Astonish Me, qui examinait la vie, le travail et l’impact du grand Alexey Brodovitch, photographe, designer, directeur artistique et instructeur d’origine russe, surtout connu pour sa direction artistique des pages mode pour Bazaar. Le titre de l’exposition faisait référence à ce que Brodovitch exigeait de ses étudiants dans son « laboratoire » new-yorkais dans les années 1950, dont certains devinrent les photographes de mode les plus importants du milieu du XXe siècle. En plus d’avoir une énorme influence sur ses étudiants, Brodovitch a contribué à faire de la photographie une forme d’art au sein de la mode, transformant la façon dont elle était vue, utilisée et présentée. Malheureusement, la belle « mise en page » des magazines a presque disparu en raison du passage aux maquettes sur écran et de l’utilisation de logiciels de mise en page. C’est formidable de retourner dans les années 1930 pour voir ce que Brodovitch faisait chez Bazaar, ou si vous avez la chance d’avoir accès à des exemplaires de la série du magazines qu’il a créé, Portfolio, dont seulement trois issues ont été publiés, j’en suis sûr. vous conviendrez à quel point ses idées étaient avancées et originales. C’était un génie j’aurais tellement aimé le rencontrer.
Quelle est votre philosophie d’entreprise ?
MH : Dans le domaine de l’art, il faut avoir une grande confiance en son jugement, car les goûts peuvent être très inconstants. Il est fondamental de croire à 101% en un artiste ou une œuvre dont vous faites la promotion auprès de vos clients et collectionneurs. Au fil du temps, beaucoup de nos clients sont devenus de grands amis et je prends très au sérieux la responsabilité de leur recommander une oeuvre et de travailler en étroite collaboration avec eux. Je crois aussi que le succès vient du fait de travailler dur, de rester concentré et d’être gentil. Il est très important pour moi de rester curieux de la vie, de ce que font les autres et de ce qu’ils pensent de leur travail, et de soutenir soigneusement leurs artistes, en particulier dans les premières années de leur carrière.
Combien d’artistes représentez-vous actuellement ?
MH : Je ne les compte jamais. Le travail vintage est un élément clé de notre activité, c’est pourquoi nous achetons beaucoup d’œuvres anciennes, et souvent une quantité importante de chaque artiste. Nous ne sommes pas la galerie de photographie la plus traditionnelle, car je m’intéresse à presque tout ce qui commence par une photographie, donc les collages vintage et les objets contenant des photographies font également partie de ce que j’achète. Je viens d’acheter une fantastique collection de l’artiste japonais d’avant-garde E-Qu, dont le travail me fascine. J’ai eu beaucoup de chance d’être au bon endroit au bon moment pour accéder à ces œuvres. Je me concentre sur la photographie japonaise depuis une vingtaine d’années maintenant, ce qui a été une expérience incroyable.
Y a-t-il eu un grand tournant, une refonte de l’offre de la galerie ou un mouvement majeur (de quelque nature que ce soit) depuis l’ouverture de votre galerie ?
MH : La pandémie a tout changé pour nous, alors après plus de 30 ans passés dans notre grande galerie de trois étages à Chelsea, nous avons décidé de déménager. Cependant, j’étais prêt à changer après si longtemps au même endroit. C’était un déménagement énorme, car c’était ma « maison » depuis 37 ans. Nous travaillons actuellement dans un magnifique espace privé à Notting Hill, qui peut être visité sur rendez-vous, et nous ouvrirons notre nouvel espace en octobre cette année. Ce nouvel espace ne sera pas une galerie traditionnelle mais plutôt une salle où différentes disciplines pourront interagir entre elles et créer des dialogues intrigants et intéressants. Je ne veux pas trop en dire pour le moment car nous sommes en train de le construire en ce moment, mais c’est très excitant de le voir se développer et prendre vie. La photographie sera toujours à la base de tout ce que nous faisons, mais elle apportera des rebondissements et quelques surprises. J’espère que nos clients et amis apprécieront la salle et s’engageront avec nous dans notre nouvelle direction.
Des moments forts ou des moments difficiles ?
MH : Il y a eu de nombreux moments que je pourrais mentionner, la plupart bons, mais certainement aussi des moments difficiles. Sur une note positive, je me souviens qu’un de mes professeurs du London College of Communication, où j’ai fait mon baccalauréat en photographie dans les années 1970, avait visité la galerie huit ans après notre ouverture. C’était le célèbre John Berger, qui a eu une influence majeure sur ma carrière. Il a dit qu’il m’avait vu « grandir » en tant que galeriste et m’a dit à quel point il appréciait notre programme, qui signifiait pour moi le monde entier. J’ai eu un autre grand professeur, Bruce Bernard, dont je regarde encore souvent l’introduction de Photodiscovery. Il est venu à plusieurs de nos expositions, arrivant toujours à la galerie avant l’ouverture et repartant lorsque les gens commençaient à arriver. C’est une habitude que j’ai prise chez lui et j’assiste rarement aux vernissages car j’aime voir les expositions sans la foule. Berger et Bernard avaient tous deux un goût exquis et étaient visuellement informés avec une aisance dont je suis toujours en admiration. J’ai eu la chance d’apprendre beaucoup d’eux et ils me manquent. Je me souviens aussi d’avoir discuté du marché de la photographie avec Henri Cartier-Bresson lors d’un déjeuner donné par Maryse Cordesse lors des Rencontres d’Arles il y a quelques années. Henri était un homme extraordinaire et un photographe brillant avec qui je m’entendais bien. Nous avons eu une discussion animée autour de la table sur l’importance culturelle de la photographie au sens large. Il aimait remettre en question le concept selon lequel une photographie serait de l’« art » et aurait de la valeur sur le marché de l’art, en me disant que ce n’était que des « conneries » ! Il savait que, comme beaucoup de photographes, il avait certainement bénéficié de ce « nouveau » marché courageux, et je me souviens avoir vu son regard pétiller alors qu’il provoquait la discussion sur le monde qui était si important pour nous tous. Je me demande ce qu’il penserait de la photographie aujourd’hui, alors que presque tout le monde a un appareil photo dans sa poche ? Je suis sûr que sa réponse nous surprendrait. Les grands hommes de la photographie me manquent et il en reste si peu en vie aujourd’hui, j’ai tellement aimé voir Elliot Erwitt dans les allées d’une foire de la photographie, klaxonner avec un klaxon attaché au cadre de son déambulateur alors qu’il se déplaçait parmi la foule de visiteurs !
Une anecdote particulière que vous souhaiteriez partager avec nos lecteurs ?
MH : Il y a de nombreuses années, j’ai fait la connaissance de Slim Aarons lorsque j’ai organisé l’achat de ses archives pour Getty. Il a toujours déclaré : « Si vous voulez apprendre la photographie, allez étudier la peinture » – je pense qu’il avait raison.
Quoi de neuf et que nous réserve 2023 ?
MH : Comme je l’ai mentionné, nous ouvrirons notre nouvel espace en octobre. Nous montrerons de la photographie, des textiles, des objets, des affiches, des livres et tout ce qui touche à la photographie et au design. Ce sera donc une expérience visuelle plus variée qu’auparavant, qui, je l’espère, provoquera des discussions et des interactions. Je pense que voir la photographie avec d’autres disciplines et dans un contexte différent est intéressant. Je réfléchissais à la façon dont nous « vivons » avec l’art, ce qui m’a incité à inclure certains de mes autres intérêts de collectionneur dans le nouvel espace. C’est certainement un défi que j’apprécie et que j’ai hâte de voir.
Je suis également toujours très concentré sur la photographie japonaise, et la galerie possède des fonds importants parmi les meilleurs. C’est un langage visuel unique auquel je suis quelque peu accro. Je vais au Japon depuis 22 ans et je suis toujours sur ma faim. C’est un pays merveilleux avec une communauté photographique dynamique, et il y a encore tant de choses à découvrir. Les photographes avec lesquels nous travaillons réalisent de très beaux tirages et la qualité est exemplaire. Ce sont Mark Holborn puis Martin Parr qui m’ont initié à la photographie japonaise à travers des livres de photos japonais, et une fois que j’ai vu quelques-unes des publications phares de ces maîtres de l’image, j’ai été accro. Tous deux ont eu une grande influence sur moi dans ce sens, et j’apprécie vraiment le temps et les présentations qu’ils m’ont accordés. Beyond Japan (1991) de Mark Holborn est une bible de la photographie dont je ne pourrais jamais me passer.
Je suis également certain que l’IA va changer la donne dans l’art de la photographie. C’est un outil fascinant et doté d’un énorme potentiel : entre de bonnes mains, il produira des travaux très intéressants. Comme nous le voyons dans le photogramme, vous n’avez pas besoin d’utiliser un appareil photo pour prendre une photo, et l’IA élargira encore la définition d’une photographie.
Votre conseil aux collectionneurs de photographies ?
MH : Collectionner des photographies contemporaines et vintage peut être compliqué et parfois déroutant, je recommande donc de travailler avec un bon guide qui connaît bien le domaine. Je travaille avec plusieurs de nos collectionneurs depuis 25 ans ou plus, et c’est toujours un plaisir de regarder des œuvres ensemble et de profiter de la chasse aux superbes pièces pour les aider à construire leur collection. J’apprends aussi beaucoup en travaillant avec des collectionneurs qui s’intéressent à des domaines jusqu’alors inexplorés par moi. J’ai toujours dit qu’il est important d’acheter ce que l’on aime, d’écouter son intuition et de poser les bonnes questions. Optez pour des images intemporelles et des éditions vintage ou de petites éditions de dix ou moins avec des œuvres contemporaines à moins qu’elles ne soient absolument irrésistibles et que le prix soit correct. Les images de photographes anonymes ne doivent pas être négligées, car il existe un grand cercle de collectionneurs pour ce matériel et « Anonyme » est souvent l’un de mes photographes préférés ! Il est très agréable de chasser de superbes photos sans aucun bagage. Et l’un des meilleurs aspects de la photographie est le livre de photographies. Il existe de merveilleux livres qui peuvent être instructifs et, de plus, de beaux objets en eux-mêmes, en particulier le livre photo japonais, qui a une base de collectionneurs dédiée.
Photographes sur votre liste de surveillance?
MH : Je suis très intéressé par le travail de Harley Weir, Yusuke Yamatani et Thato Toeba. Ce sont tous des artistes que je regarde et avec lesquels j’espère travailler.
Nouvelle adresse de la galerie :
Michael Hoppen | 10 Portland Rd, Londres, W11
Tél. : +44 (0) 20 7352 3649 | W : www.michaelhoppengallery.com
Exposition à venir :
Ori Gercht | The Unreality of Time
Vernissage : jeudi 19 octobre
Du vendredi 20 octobre au vendredi 1er décembre
Pour plus d’informations, consultez leur site Web et visitez également le compte IG de la galerie @michaelhoppengallery
