Je ne me souviens pas du moment exact où j’ai rencontré Rick Castro pour la première fois en ligne. Mais je me souviens très bien d’avoir vu ses images emblématiques de bondage de Tony Ward et de ses célèbres salons de thé à Tom House à Los Angeles. Nous nous sommes finalement rencontrés en personne à l’été 2023 lors de son exposition au Knast, où il a présenté ses photographies dans une cellule de prison de 1906. Après avoir pris contact avec lui là-bas, nous nous sommes retrouvés à Los Angeles, où Rick m’a fait visiter sa dernière exposition, Rick Castro Forever, installé dans le Columbarium historique du Hollywood Forever Cemetery. Ayant mieux compris son travail provocateur, j’ai senti qu’il était temps de faire un bon récapitulatif.
Nadine Dinter : Vous êtes surtout connu pour vos photographies emblématiques de bondage. Qu’est-ce qui a déclenché cette passion et cette orientation photographique ?
Rick Castro : Depuis que je me souviens bien, le bondage est mon fétiche. Il n’en a jamais été autrement. Lorsque j’ai décidé de créer des photographies, cela m’a semblé être l’exutoire idéal pour ma créativité. À l’époque, je travaillais à plein temps comme styliste/créateur de garde-robe, à un moment où l’on pouvait réellement gagner de l’argent dans ce domaine. J’ai choisi la photographie comme art pas pour en faire un business. Cela signifiait que je pouvais créer ce que je voulais, et c’était du fétichisme.
En tant que photographe débutant, regarder la vie à travers un objectif était une expérience exaltante. C’est comme voir le monde pour la deuxième fois. Dans les premières années, je photographiais tout ce qui bougeait et plus encore. Au début des années 90, j’étais obsédé par le BDSM et les arnaqueurs de rue ; c’était mon époque la plus prolifique. Lorsque le numérique est arrivé, j’ai d’abord été réticent, mais j’ai fini par céder. Maintenant que je suis enfin à l’aise avec les images numériques et celles des téléphones portables, tous les jeunes veulent des tirages à l’ancienne. Heureusement, j’ai conservé de bonnes archives, garantissant la valeur durable de mon art.
Au début de votre carrière en tant que créateur de vêtements et styliste de mode, vous avez travaillé avec des personnalités comme David Bowie, Bette Midler, le magazine Interview et bien d’autres. Y a-t-il des collaborations particulièrement mémorables qui ressortent de ces débuts ?
RC : J’ai travaillé comme styliste et designer de garde-robe de 1978 à 1995, passant une partie importante de ma vie de jeune adulte à travailler dans « l’industrie ». Cette époque était pleine d’action, avec des couches de personnes et d’histoires. Il serait impossible de répondre à cette question avec un seul exemple ; ils ont tous eu un impact sur ma vie de différentes manières.
Je me souviens avoir été tellement amoureux de Bowie que je me suis tout simplement ridiculisé. J’étais tellement fanboy et j’ai agi de manière non professionnelle.
Un souvenir improbable concerne la conception de la garde-robe de David Letterman (je lui ai apporté une veste Letterman ; le photographe était Greg Gorman) pour la couverture du magazine California, aujourd’hui disparu. Il était très gentil avec moi.
En tant que photographe, les moments forts incluent la photographie de Gore Vidal dans sa maison de Hollywood Hills, puis une conversation privée en tête-à-tête sur la guerre imminente en Irak, son mépris pour George W. Bush et la réalité de l’insularité du gouvernement américain.
Un autre moment mémorable a été une séance photo nue impromptue avec le mannequin suisse Carmilla Caliban Cock et Kenneth Anger dans le domaine en ruine d’Al Jolson à Palm Springs.
Comment votre expérience de travail en tant que styliste a-t-elle façonné votre processus créatif ? Cela a-t-il influencé votre approche conceptuelle et stylistique de la photographie, au-delà de la simple prise de vue ?
RC : Bien sûr, je suis une personne méthodique en ce qui concerne le placement et l’esthétique globale de mes images. Je vois clairement dans mon esprit ce que je veux réaliser dans une photo. Des années à adhérer à la perfection forcée des normes commerciales m’ont permis de laisser les choses rester à l’état brute et non trop stylées pour mon propre travail.
En 1986, le photographe Joel-Peter Witkin vous a aidé à acheter votre premier appareil photo. Comment vous êtes-vous rencontrés ? Quels ont été vos premiers sujets et concepts photographiques ?
RC : En 1985, Joel a publié une annonce sollicitant des modèles qui ressemblait à ceci :
Je recherche des têtes d’épingle, des nains, des géants, des bossus, des transsexuels pré-opératoires, des femmes barbus, des personnes avec des queues, des cornes, des ailes, des mains ou des pieds inversés, toute personne née sans bras, sans jambes, sans yeux, sans seins, sans organes génitaux, sans oreilles, sans nez, lèvres. Toutes les personnes ayant des organes génitaux inhabituellement grands. Toutes sortes de perversions visuelles extrêmes. Hermaphrodites et tératoïdes (vivants et morts). Toute personne portant les blessures du Christ, les femmes dont le visage est couvert de poils ou de larges lésions cutanées, prêtes à poser en robe du soir. Des gens qui vivent comme des héros de bandes dessinées, des fétichistes des bottes, des corsets et du bondage. Quiconque prétend être Dieu, Dieu.
C’est dans cet esprit que j’ai assisté à sa première exposition à Los Angeles, organisée dans une devanture vide du Sunset Strip qui allait éventuellement abriter Book Soup. En l’approchant avec une sélection de mes photographies représentant diverses personnes que j’avais photographiées, je lui ai demandé s’il envisagerait de les utiliser comme modèles. Il m’a appelé le lendemain matin, exprimant son intérêt pour mon sujet, la Déesse Lapin. Joel a passé un an à élaborer différents scénarios, m’appelant chaque semaine, obsédé par les idées de la Déesse Lapin – imaginant Bunny sur un cheval, sur un toboggan, et plus encore. Finalement, nous avons recréé Léda et le Cygne avec la Déesse. Elle est désormais exposée au Louvre. Depuis, nous avons créé plus de treize images ensemble.
Outre votre concentration exceptionnelle sur les motifs bondage et sadomasochistes, vos expositions se distinguent par leurs titres provocateurs, comme Furotica: It Ain’t Exactly Bambi, Mass Murder & A Cute Boy, et la récente au Columbarium du Hollywood Memorial Cemetery, intitulée Rick Castro Forever. Où trouvez-vous l’inspiration pour ces titres audacieux et distinctifs ?
RC : Je sais transformer une phrase et j’ai un esprit un peu sardonique. En ce qui concerne RICK CASTRO FOREVER, c’est un jeu de mots sur le nom du cimetière qui accueille mon exposition, bien nommée Hollywood Forever. À l’époque où je dirigeais la galerie Antebellum, j’ai organisé de nombreuses expositions avec des titres comme Erotic Pioneers, Modern Heretics, Fools for Feet et Clownie, Baby, Amputee. Actuellement, j’organise une exposition personnelle pour Mexico, CDMX, avec le titre provisoire, The Nine Lives of Rick Castro – date à déterminer.
Mon inspiration vient de toutes sortes de sources – des films et livres noirs à la fixation sur un mec lubrique, ou simplement une bonne tasse de thé.
Vous photographiez principalement en noir et blanc et vos images sont connues pour leur composition minimaliste saisissante, qui fait ressortir le sujet. Comment planifiez-vous votre travail et vos séances photo pour y parvenir ? Utilisez-vous des moodboards, des croquis ou d’autres outils de visualisation ?
RC : Cela revient à ma fixation sur le sujet. Quelle que soit l’étincelle qui jaillit de cette obsession, elle se traduit ensuite en image. Tout cela est dans ma tête jusqu’à ce que je le filme. Je fais des listes et je vérifie deux fois.
L’une de vos œuvres les plus célèbres est une série mettant en vedette la superstar Tony Ward en tenue de cuir. Où et quand avez-vous rencontré Tony et travaillez-vous toujours ensemble ?
RC : En 1985, je feuilletais un magazine blueboy appelé In Touch. Le modèle central avait une qualité au-delà de la pin-up typique. Il dégageait un désir rare même dans un forum de porno homoérotique. Je l’ai réservé comme modèle pour un photographe pour lequel je faisais du stylisme, Albert Sanchez. Pendant les pauses, je l’ai photographié contre le mur avec un harnais en cuir et une queue de cheval. C’était ma première photo en 1986.
Lorsque j’ai conçu ma première collection de vêtements pour hommes (Lamy Men, 1986-1988) pour Michele Lamy, j’ai fait appel à Tony comme modèle. Je l’ai utilisé comme modèle d’essayage, sur les podiums, et je l’ai photographié dans les éditoriaux de la collection. Puis, en 1995, j’ai choisi Tony pour tenir le rôle principal, Montgomery Ward, pour mon premier long métrage en tant que scénariste/co-réalisateur, Hustler White (avec Bruce LaBruce). Depuis, je le photographie régulièrement. La dernière fois, c’était avec sa fille, Ruby Sato Ward, en 2019 pour Another Man UK. Il s’agit d’une reconstitution d’une séance photo que j’ai réalisée avec le père et la fille en 2005, lorsque Ruby avait quatre ans.
Pourriez-vous nous parler davantage de votre réseau diversifié, qui comprend des personnalités notables comme George Hurrell, Rick Owens, Bruce LaBruce et Greg Gorman, et des organisations comme la Fondation Tom of Finland (TOFF) ?
RC : J’ai rencontré la plupart de ces personnes à titre professionnel. En ce qui concerne Hurrell, j’ai été engagé pour travailler avec lui par l’intermédiaire de mon agent, Chantal Cloutier, en 1985. À l’époque, j’étais surpris qu’il soit encore en vie et travaillait encore. Apparemment, il venait d’être redécouvert par le magazine Interview. Mon association avec Gorman découle de mon rôle de styliste de garde-robe, travaillant sur de nombreuses couvertures d’albums et publicités cinématographiques.
LaBruce, je l’ai rencontré grâce à la culture zine. Nous avons fait ensemble la première convention de zine à Los Angeles (SPEW 2 à LACE, 1992). J’ai ensuite tourné mes premières séquences pour son deuxième film, Super 8 1/2 (1994), et co-écrit/réalisé Hustler White (1996).
Ma collaboration avec le TOFF remonte à ses débuts, notamment à ma relation avec son président, Durk Dehner, qui fut mon premier collectionneur et l’éditeur de mon premier livre, Castro (1991, presse DPR).
Owens a été mon petit-ami pendant un moment. Plus tard, je l’ai engagé comme modéliste pour ma ligne de vêtements pour hommes pour Michele Lamy appelée Lamy Men. Lorsqu’il a lancé ses propres collections, Rick a utilisé ma photo – Mr. Bean Bag – comme invitation pour son premier défilé de mode femme à Los Angeles (2002). BTW- Owens m’a dit que tout le monde avait paniqué à cause de l’image. Il a dit : « Personne ne l’a compris. La seule personne qui a aimé ça était Kate Moss. J’ai répondu: « Eh bien, c’est tout ce qui compte. » J’ai photographié sa première collection de vêtements pour hommes à Pitti, Florence (2006). J’ai photographié son lookbook de vêtements pour hommes pour 2014, mettant en vedette mon père de 93 ans comme modèle, et je continue de photographier pour lui de temps en temps.
Quelle est la prochaine étape à votre agenda ?
RC : Le 21 février 2024, je présenterai un diaporama et une conférence au Los Angeles Central
Programme Library Photographers Eye. C’est une étape importante pour moi que d’être présenté dans un forum aussi grand public que la bibliothèque municipale. J’ai un traumatisme résiduel dû à la défense de mon travail depuis le début. Je ne suis pas encore habitué à cette nouvelle acceptation de ce qui a toujours été mon objectif : présenter au grand public un point de vue homoérotique/queer/fétichiste pour ce qu’il est exactement : de l’art.
Actuellement, mes photographies et mes écrits sont présentés dans l’exposition historique Copy Machine Manifestos: Artists That Create Zines au Brooklyn Museum de New York (jusqu’au 31 mars 2024). Je suis fier d’être représenté dans un média qui est enfin reconnu pour son impact sur l’art et la culture avant Internet. Dans le passé, si vous vouliez toucher des personnes partageant les mêmes idées, vous le faisiez vous-même. L’exposition, composée de 1 400 pièces, se rendra ensuite à Vancouver, Colombie britannique.
Je suis en train de reconfigurer RICK CASTRO FOREVER en un musée permanent dans le columbarium historique du cimetière Hollywood Forever. Ce sera une version plus petite de RCF qui comprendra un sanctuaire dédié à Oscar Wilde et ma propre niche personnelle avec mon masque mortuaire (même si je suis toujours parmi les vivants). Il s’agira d’une visite autoguidée pendant les heures d’ouverture habituelles du cimetière, avec des visites privées et des salons de thé programmés de temps en temps. Le nouveau titre est Columbarium Continuum by Rick Castro.
J’organise un salon de thé fétiche avec le céramiste français Frédéric Gautier courant mars à la maison Tom of Finland. Il créera tous les ustensiles de thé.
J’aime la France et j’espère être de retour en 2024. J’ai de bons souvenirs d’être l’un des artistes présentés dans AllTogether: Archives from the Tom of Finland Foundation, présenté en mai-juin 2022 au Centre Communautaire de Pantin, Paris.
Quel conseil donneriez-vous à la nouvelle génération de photographes ?
RC : Regardez profondément et voyez vraiment votre sujet. Si vous faites cela, vous obtiendrez toujours d’excellents résultats.
À moins que vous ne soyez un photographe commercial, ne faites pas de l’argent l’objectif de votre vision photographique.
Expositions et événements à venir :
Photographer’s Eye: Rick Castro S/M Blvd- Street Hustler Photographs- Los Angeles Central Library – 21 février – plus d’informations sur : http://photofriends.org/
Copy Machine Manifestos: Artists who makes Zines- Brooklyn Museum, NY – Brooklyn Museum, NY jusqu’au 31 mars. – https://www.brooklynmuseum.org/exhibitions/copy_machine_manifestos_artists_who_make_zines
Rick Castro S/M Blvd: Street Hustler Photographs and Remembrances-1986-1999-
https://www.allnight-menu.com/shop/rick-castro-sm-blvd
Columbarium Continuum by Rick Castro- Hollywood Forever Cemetery-
https://hollywoodforever.com/event/rick-castro-forever/
Rick Castro est un photographe, cinéaste, écrivain et Los Angeleno de troisième génération.
Plus d’informations sur : instagram.com/castrrick
