J’ai rencontré Michael Dressel pour la première fois il y a quelques années, alors que je travaillais avec Vera Mercer. Dressel, toujours reconnaissable à son chapeau noir distinctif, est passé la voir. Peu de temps après, j’ai découvert sa puissante photographie en noir et blanc. Ses images austères et sans faille mettent en lumière les individus « invisibles » du quotidien qui passent souvent inaperçus. Parler avec lui de son art et de sa perspective était vraiment fascinant, ce qui fait de l’entretien qui suit un réel plaisir à mener.
Nadine Dinter : Ce mois-ci, votre dernière exposition « La fin est proche, ici » ouvrira le 27 juillet 2024 au Kunsthaus sans titre de Potsdam. Êtes-vous impatient de dévoiler cette sélection d’œuvres très spéciale ?
Michael Dressel : J’ai des sentiments mitigés à propos de celle-ci. Évidemment, c’est toujours excitant de monter une exposition personnelle, surtout lorsqu’elle accompagne la sortie d’un livre du même corpus d’œuvre.
Dans ce cas, la joie est éclipsée par le thème car il n’est pas exactement joyeux.
J’ai ressenti le besoin d’exprimer mon point de vue sur la situation actuelle aux États-Unis, à quelques mois d’élections fatidiques. Le climat politique et social a atteint un point vraiment effrayant, et j’ai ressenti le besoin de présenter comment je le vois et le ressens. Dans la mesure où il traite du monde extérieur concret à ce moment précis, le choix est aussi profondément personnel.
Le titre de l’exposition (et du livre) sonne comme une prophétie. Après tout, sur Terre, vous n’avez jamais eu peur de visiter des lieux perdus et de capturer des personnes qui semblent tombées en disgrâce. Selon vous, quel rôle vous a été assigné en tant que photographe ?
MD : J’espère avoir tort dans ma sombre évaluation, mais je voulais souligner la possibilité évidente d’un chemin horrible vers le futur. Je ne pense pas qu’on m’ait donné une « mission ». C’est quelque chose pour les photo-journalistes envoyés par les médias pour documenter un événement ou une situation spécifique. Ce sont des professionnels rémunérés et leurs images sont utilisées par les éditeurs pour correspondre aux intentions de ces médias. Je m’auto-attribue et je suis également mon propre éditeur. J’apprécie la liberté et la difficulté de gérer mon travail sans interférence ni conseils extérieurs du début à la fin.
Dans vos images, nous voyons de nombreux sans-abri ou hommes et femmes qui mènent un style de vie différent, comme des prostituées, des strip-teaseuses et des âmes perdues. Quelle est votre façon de les approcher et comment parvenez-vous à les prendre en photo ?
MD : Je photographie principalement dans les espaces publics, et cela signifie souvent la rue. Je pense que l’une des raisons pour lesquelles tant de personnes vivant dans des conditions précaires apparaissent dans mes images est liée au fait qu’elles sont si nombreuses. Quand je suis arrivé aux États-Unis, cela ressemblait à un océan de prospérité interrompu par des îlots de pauvreté. Près de 40 ans plus tard, je vois un océan de pauvreté avec des îlots de prospérité. Probablement à cause de ma propre expérience de vie, je ressens une parenté avec des personnes qui ont enduré ou endurent des épreuves. Beaucoup de personnes que je rencontre semblent sentir ma compréhension et m’offrir une confiance fondamentale. Cette confiance instinctive, formée instantanément lors de rencontres occasionnelles extrêmement courtes, est la condition préalable à des images honnêtes, bonnes et, espérons-le, révélatrices. Être là-bas et faire ces rencontres est un contrôle constant de ma propre humanité. Pour moi, c’est aussi important que les résultats.
Vous avez dit un jour qu’il y avait suffisamment de portraits de célébrités réalisés par une grande variété de photographes, c’est pourquoi vous avez décidé de consacrer vos photographies et vos portraits aux « invisibles », à ceux qui passent inaperçus et sans papiers. Avez-vous toujours ressenti cela, ou est-ce que cette philosophie a grandi en vous après avoir vécu et travaillé à Los Angeles pendant de nombreuses années ?
MD : J’ai le plus grand respect pour les photographes qui prennent des photos de célébrités. Ce n’est pas une tâche facile, avec son lot de grandes difficultés. Je n’ai jamais eu d’intérêt pour ce domaine, même si j’ai rencontré de nombreuses personnes célèbres au cours de ma carrière cinématographique. Ce n’était tout simplement pas ce qui m’attirait. Peut-être parce que, dans une situation comme celle-ci, le photographe et son sujet se rencontrent rarement sur un pied d’égalité. Même si j’ai travaillé dans ce monde, je n’ai jamais eu l’impression que c’était mon domaine ou ma zone d’intérêt.
Avez-vous des zones particulières où vous aimez photographier, c’est-à-dire où vous retrouvez vos sujets, ou préférez-vous avoir votre appareil photo avec vous 24h/24 et 7j/7 et capturer les situations qui se présentent ?
MD : J’ai toujours un appareil photo à portée de main, peu importe où et quand.
Des situations intéressantes peuvent se produire et se produiront à tout moment et en tout lieu. Il faut être prêt à tout moment. Lorsque je sors avec une intention, j’aime me trouver dans des endroits qui comptent une masse critique de personnes, c’est-à-dire suffisamment de personnes pour me fondre dans la masse et ne pas attirer immédiatement l’attention sur moi.
Votre « autre moi » fait partie de la célèbre machinerie hollywoodienne depuis de nombreuses années. Travailler avec Clint Eastwood sur seize films, avoir été récompensé pour votre travail dans « Titanic », « Lettres d’Iwo Jima » et « American Sniper » et être un éditeur de son très performant pendant de nombreuses années semble tout à fait contraster avec votre travail comme photographe. Comment équilibrez-vous ces deux côtés de votre créativité ?
MD : Cela a été facile car ma carrière à Hollywood s’est déroulée dans le domaine du son pour les films et ne présentait pas vraiment les problèmes que j’aurais pu rencontrer si j’avais été employé comme photographe commercial. La carrière sonore s’est faite un peu par hasard et a été véritablement enrichissante car elle m’a ouvert le monde du son. En même temps, cela m’a donné la liberté de développer ma photographie sans considération financière car je gagnais ma vie dans un autre métier sans rapport avec cela.
Quel matériel photo utilisez-vous pour vos portraits, et quel appareil photo pour vos projets de voyage à l’étranger ?
MD : J’utilise toutes sortes de marques d’appareils photo. À l’heure actuelle, l’équipement accessible à presque tout le monde à un prix raisonnable est généralement de haute qualité. Cela signifie que c’est la capacité du photographe, et non l’équipement, qui compte pour prendre de bonnes photos. Je préfère les objectifs à focale fixe de 28 ou 35 mm. Je n’aime pas utiliser des téléobjectifs car, pour moi, la proximité avec le sujet est essentielle.
Vous avez travaillé en Europe, en Afrique et en Asie. Quelles différences avez-vous rencontrées et souhaitez-vous partager quelques anecdotes avec nous ?
MD : Chaque endroit est différent. Cela fait partie de la beauté de faire cela. On a une impression précise des gens et de leurs attitudes personnelles et générales. Je photographie beaucoup à Berlin, où beaucoup de gens semblent tendus, en colère et quelque peu paranoïaques. Les lois européennes sur le droit à l’image, même dans les lieux publics, ne facilitent pas les choses. Si vous prenez en photo un enfant qui joue quelque part dans la rue, vous avez l’impression d’avoir un pied en prison et vous risquez d’être confronté à des parents en colère. En Argentine, les gens sont fiers que vous souhaitiez prendre une photo d’eux et de leurs enfants et considèrent cela comme un signe d’appréciation. Au Japon, les gens n’aiment peut-être pas que vous les photographiiez dans la rue, mais ils sont trop polis et ont une aversion pour les conflits pour s’exprimer à ce sujet. Ils vous ignorent et vous considèrent comme un touriste stupide qui ne comprend pas comment se comporter correctement. Ce ne sont là que quelques exemples de la façon dont différentes personnes réagissent dans différents endroits lorsqu’elles sont photographiées.
Y a-t-il une image que vous auriez aimé ne pas prendre et pour laquelle vous êtes reconnaissant ?
MD : Pas vraiment. Je préfère prendre une photo et décider plus tard que ce n’est pas assez bien que de ne pas l’avoir prise. Je me souviens cependant d’avoir pris une fois une photo à Chicago qui s’est avérée mettre ma vie en danger car elle montrait deux trafiquants de drogue en train d’échanger de l’argent. Je n’avais pas réalisé ce qui se passait et je me suis retrouvé dans une situation dans laquelle l’un des gars m’a proposé de manière tout a fait crédible de me trancher la gorge. Il m’a fallu toutes mes compétences relationnelles pour m’en sortir indemne. J’ai en tête pas mal d’images que j’aurais aimé prendre, mais je nétais pas assez rapide. Une expérience commune à la plupart des photographes, j’en suis sûr.
Votre conseil à tous les photographes émergents ?
MD : Elliott Erwitt a déclaré : « Vos 10 000 premières photographies sont les pires. » Alors sortez et photographiez les choses qui vous intéressent, les choses que vous remarquez. N’attendez pas que « l’inspiration » frappe. Ayez toujours un appareil photo avec vous, pas seulement un téléphone. Ne vous inquiétez pas du « pourquoi » et de savoir si ce sera « à la hauteur » de ce que vous admirez. Avec le temps, vous trouverez votre propre façon de voir votre monde.
Pour plus d’informations, consultez https://michaeldressel.com/ et le compte IG de l’artiste @michael_dressel_la
RÉSERVEZ CETTE DATE:
Ouverture de “The End is Near, here”:
Samedi 27 juillet 2024, à 18h
Introduction de Michael Biedowicz
Du 27 juillet 2024 au 8 septembre 2024
Kunsthaus sans titre
Französische Strasse 18
14467 Postdam
Du mercredi au samedi de 14 à 18 heures
Dim 13 – 17 heures
www.sans-titre.de
