Karen Stuke est une habituée de la scène photographique allemande et a créé une magnifique série d’œuvres à l’aide de son sténopé. Mais c’est seulement lorsque vous la rencontrez en personne que son charme se déploie vraiment et que vous avez accès à son univers photographique, à ses idées et à ses histoires. J’ai donc été très heureuse de l’avoir invitée à s’asseoir pour ce petit récapitulatif de sa présentation actuelle « Hotel Bogota » dans la salle de projet de la Fondation Helmut Newton. Bonne lecture !
Nadine Dinter : Vous travaillez avec une chambre noire, une façon de prendre des photos assez ancienne, mais en même temps élaborée et belle. Pourquoi avez-vous choisi cette façon de photographier ?
Karen Stuke : Je photographie avec un sténopé depuis 1994, lorsque j’étudiais la photographie à l’Université des Sciences Appliquées de Bielefeld sous la direction du Prof. Dr. Gottfried Jäger. À la même époque, j’étais stagiaire auprès du photographe du théâtre local et je me demandais depuis longtemps s’il existait vraiment une photo de théâtre parfaite, car chacun veut voir quelque chose de différent : le metteur en scène veut que son idée soit réalisée, le scénographe veut voir toute la scène, l’attaché de presse veut l’acteur principal et les acteurs préfèrent être beaux.
En 1993, lors d’un cours sur la chambre noire à l’université, j’ai presque inévitablement eu l’idée de combiner le tout en exposant le négatif pendant exactement la durée de la production entière. De cette façon, tout est représenté sur l’image. Que vous le voyiez ou non est une autre question. La chambre noire n’est pas seulement la solution techniquement parfaite pour cette série, le parallèle avec la scène du peep-box est également important pour moi. Je n’utilise pas la chambre noire pour des raisons romantiques, mais c’est le résultat d’une réflexion sur la façon de traiter les images et la photographie.
Il est écrit que vous voulez prendre l’image «l’autre », absolue ? Qu’est-ce que cela signifie pour vous, personnellement et professionnellement ?
KS : Cette phrase est tirée d’un texte de Gottfried Jäger sur mes photos de théâtre et s’applique exactement à ce que j’ai écrit ci-dessus. Tout est présent dans l’image, pensé et créé conceptuellement. J’accepte le fait que je n’ai aucune influence sur l’image et je lui laisse l’espace de se créer. Je pense que c’est assez proche de sa façon de penser et de travailler. J’ai une très haute opinion de lui et de son travail et je suis fière qu’il m’ait toujours encouragée et soutenue dans mon travail.
Vos photographies traitent du temps, d’un flux d’énergie, de mouvements et d’espace, souvent inspirées par la mythologie grecque. Où cherchez-vous l’inspiration ?
KS : Je pense que la meilleure inspiration pour moi vient de l’observation du monde et de ce qui se passe autour de moi. L’histoire, la société, les gens qui m’entourent. L’actualité, même la technologie.
Les éléments de réflexions se trouvent pratiquement dans la rue. Tout est si diversifié et passionnant.
Très souvent, le monde me semble être une pièce de théâtre. Avec moi au milieu de tout cela en tant que spectateur – car le théâtre est aussi une question de réalité. N’est-ce pas ce que font la plupart des œuvres d’art de toute façon ?
Comment préparez-vous une séance photo ? Comment travaillez-vous et avez-vous une routine particulière ?
KS : Je n’ai pas à réfléchir beaucoup à mes prises de vue nocturnes au théâtre ou au sténopé. Je vérifie la durée de la pièce et je décide du matériel photographique approprié. Il en va de même pour la série « Sleeping Sister » ou « Hotel Bogota », où le temps d’exposition correspond à la durée de la nuit de sommeil. Je sais si c’est l’hiver ou l’été, donc le lever du soleil tôt ou tard. C’est plus ou moins la seule information que je connais et à laquelle je peux me référer.
Mon travail sur « Austerlitz » de Sebald a changé la donne. « Austerlitz » était une commande du Wapping Project de Londres, qui est née de l’esthétique floue de mon travail précédent. Le roman de W.G. Sebald parle du temps et de la perte – un voyage pour découvrir et retrouver des souvenirs perdus. Le protagoniste Austerlitz est fictif, mais son histoire est basée sur trois histoires vraies d’enfants juifs sauvés par le Kindertransport de l’Allemagne nazie vers l’Angleterre en 1938-39.
La question du temps d’exposition était évidemment importante, car jusqu’alors je n’avais utilisé dans mes séries que des temps d’exposition conceptuels. Fidèle à ma devise « Just do it », j’ai commencé à photographier à Londres. Les premiers résultats étaient clairement trop nets pour moi et ne m’apprenaient rien. En continuant à lire le livre, je suis arrivé au passage où Austerlitz souffre de dépression, est admis dans un hôpital psychiatrique, ne peut pas dormir et commence à errer dans Londres. Ses « London Walks » m’ont donné l’idée : je ferai la même chose, je marcherai et prendrai des photos ! C’est ainsi que j’ai obtenu les résultats que je pensais appropriés directement liés au livre. Je trouve toujours passionnant de voir comment mon propre travail peut être influencé de l’extérieur. Je pense même que c’est important ! Même si on a trouvé son propre style, il ne doit pas être figé, mais être reconsidéré et révisé en fonction du sujet et de l’histoire, afin d’évoluer. On peut donc dire qu’il y a parfois une routine et parfois des essais et des erreurs.
En ce moment, vos œuvres sont exposées dans la salle de projet de la Fondation Helmut Newton. Nous y voyons des œuvres que vous avez prises en 2013 au célèbre Hôtel Bogota. Parlez-nous un peu de ce projet.
KS : Avant de photographier à l’Hôtel Bogota, je travaillais déjà depuis plusieurs années sur la série « Sleeping Sister ». Il s’agit d’une série sur l’inconscient et la proximité de la mort dans laquelle le temps d’exposition correspond à la durée du sommeil. Joachim Rissmann, l’hôtelier de l’Hôtel Bogota, connaissait ce travail et m’a invité à séjourner à l’Hôtel Bogota en novembre 2012 pour y prendre des photos également pendant la nuit. J’étais plus qu’heureuse de le faire !
À l’époque, l’hôtel Bogota était très connu, et pas seulement dans le milieu de la photographie berlinoise. Et pas seulement parce que les quatrième et cinquième étages abritaient le studio de la célèbre photographe de mode Yva, où Helmut Newton fit son apprentissage de 1936 à 1938 : c’était aussi le lieu d’expositions photographiques, de soirées swing et tango, de lectures et de concerts. Un endroit magnifique et très animé !
Comme le lieu joue un rôle important dans les photos, je montre les photos avec les plans de sauvetage d’origine et parfois avec quelques tapis des chambres de l’hôtel.
Combien de temps a duré le projet et avez-vous travaillé seule ou en équipe ?
KS : Au début, je dormais dans chaque chambre pendant deux nuits. Cependant, lorsqu’il a été annoncé que l’hôtel allait malheureusement devoir fermer, je n’ai dormi dans une chambre qu’une fois par nuit.
Au total, j’ai séjourné dans 44 chambres. J’ai pris la première photo dans la chambre 428 en novembre et la dernière dans la nuit du 22 au 23 décembre 2013. J’installe l’appareil photo et je l’ouvre quand je me couche et je le ferme quand je me lève. Je travaille donc sans équipe, il n’y a que moi et l’appareil photo.
C’était une période merveilleuse, j’aurais aimé y vivre pour toujours. C’était un endroit merveilleux, plein de gens merveilleux. J’étais très triste et bouleversée quand j’ai appris pour la première fois qu’il devait fermer. D’un autre côté, c’était une période très excitante, avec des ventes aux enchères et des expositions, et des dîners. Même le fait de faire ses valises et de ranger les choses était impressionnant.
C’est aussi passionnant pour les photos, car sans la fermeture et l’évacuation de l’hôtel, beaucoup de photos n’auraient jamais été prises comme elles le sont – avec les sommiers à lattes visibles, les murs sans photos, moi dormant par terre, etc. Cela a été un travail considérable de vider l’hôtel avec ses 116 chambres, sa cuisine, son bureau, son salon, sa salle de petit-déjeuner, etc. J’avais et j’ai toujours un grand respect pour la famille Rissmann, qui a tout supporté et m’a donné l’opportunité de faire ce travail.
Votre collègue photographe Aino Kannisto a également réalisé sa série d’autoportraits à cette époque. L’avez-vous rencontrée sur place ?
KS : Si Aino et moi étions à l’hôtel en même temps, nous ne nous sommes pas connues.
Peut-être même que nous étions assise l’une à côté de l’autre dans la salle du petit-déjeuner sans le savoir.
C’est possible, l’hôtel était très grand et il se passait beaucoup de choses. Il y avait toujours beaucoup de monde autour.
Un jour, j’ai découvert que des amis de Londres y séjournaient également pendant que j’y étais, mais nous ne nous sommes pas rencontrés. Un matin, j’étais assise à côté de René Burri et je l’ai reconnu.
Très souvent, je ne sais pas à quoi ressemblent les photographes, même si je connais leurs noms ou leur travail.
Votre autre grande passion semble être Caruso… avez-vous une anecdote sympa sur la façon dont tout a commencé ?
KS :
- J’ai eu la chance de vivre le « miracle de l’opéra de Bielefeld » dans les années 1980. Une époque où les opéras dégénérés ont été redécouverts et portés sur scène par John Dew et Gottfried Pilz.
- J’ai appris à jouer du violon quand j’étais enfant et j’ai joué dans l’orchestre de l’université quand j’étais étudiante.
- La musique classique a toujours fait partie de ma vie.
- Depuis 2008, je dirige un espace de projet à Berlin Wedding, le « Kronenboden », un lieu où les arts visuels et les arts du spectacle se croisent avec un lien fort avec le théâtre.
- En 2010, j’ai passé quelques semaines à Naples pour créer et exposer mes photographies de chambre noire au festival de théâtre de cette ville. Pendant cette période, j’ai visité la tombe de Caruso pour la première fois.
- Lorsque j’ai organisé une fête avec un gramophone au Kronenboden le soir du Nouvel An 2015/16 et que j’ai vu les réactions des chanteurs et des musiciens présents, j’ai compris que je devais avoir un gramophone. Et je veux toujours me souvenir du premier disque en gomme-laque que j’ai acheté pour l’occasion. Je savais que ce devait être un disque de Caruso, car il était l’un des premiers chanteurs à enregistrer. Je n’avais pas réalisé à l’époque que ce serait la pierre angulaire de la « Collection Caruso Kronenboden » et le début du projet de recherche artistique « Caruso Sings Again ». Il s’est développé tout seul.
Avec ce projet, je ne veux pas dire que Caruso était le meilleur ténor de tous les temps, mais pourquoi est-il encore proverbial aujourd’hui ? Et : Où m’emmène-t-il ? C’est pourquoi la collection comprend non seulement des disques et des souvenirs d’avant 1921, date de sa mort, mais aussi des timbres et des livres qui sont encore produits et écrits aujourd’hui, des partitions, des films dans lesquels il apparaît, des extraits de films sur lui, l’odeur du savon qu’il utilisait, les plats portant son nom « Caruso Eats Again », d’autres chanteurs portant son nom, d’anciennes photos de presse, des négatifs sur verre et des photographies récentes.
Je voyage avec la camera obscura vers les lieux où il est né et où il est enterré, où il a chanté ou où il a vécu. Je ne suis pas une photographe documentaire – et de toute façon, comment peut-on documenter quelque chose qui s’est passé il y a plus de 100 ans ? C’est là que le premier disque shellac entre en jeu – le flou des images laisse de l’espace et donne peut-être une idée de ce qui s’est passé de son vivant.
Par exemple, je me suis longtemps demandée quelle était la dernière chose qu’il avait vue avant de mourir.
Antonio Maiorino, galeriste et directeur de PrimaPianoNapoli, qui m’avait déjà donné l’occasion de prendre des photos au Festival de Théâtre de Naples, et qui avait également exposé dans son espace à Naples la série Hotel Bogota, m’a aidé à loger dans la suite de l’Hôtel Vesuvio, où Enrico Caruso est mort en 1921. J’y ai installé mon sténopé, comme je l’avais fait à l’Hôtel Bogota et dans de nombreux autres endroits, et je me suis photographiée en train de dormir avec une exposition longue.
Le lit dans lequel j’ai dormi n’était probablement pas celui dans lequel Caruso est mort en 1921. Mais un jour, j’ai lu une interview de Luciano Pavarotti dans laquelle il décrivait comment il avait dormi dans la chambre où Caruso est mort – je crois que j’ai dormi dans le lit où Pavarotti a dormi 🙂
Les anniversaires de sa mort et les anniversaires sont particulièrement importants et je fais toujours quelque chose. J’utilise tout ce que la société m’offre. Pour n’en citer que quelques-uns :
- Une étoile porte désormais son nom
- Un arbre a été planté à son nom
- Le jour de son dernier anniversaire, il a reçu le titre de « Lord »
- Un singe a été adopté symboliquement en son nom au zoo de New York (cela fait référence au premier scandale « Me Too », où il aurait attrapé les fesses d’une femme et dit : « C’était le singe »)
- Pour un autre anniversaire, j’ai symboliquement parrainé une tortue numérique, je l’ai appelée Enrico Caruso et elle va maintenant nager dans l’océan numérique pour une bonne cause. « Caruso nage à nouveau. »
- Je fais également des flash mobs ou des concerts avec le gramophone, je joue sa musique dans différents endroits. C’est tout simplement merveilleux de voir les réactions des gens.
Il est évident que j’aime l’analogique : comme le gramophone, l’appareil photo sténopé n’a pas d’électricité, est facile à réparer et même facile à fabriquer. Donc tout est très facile à suivre.
« Caruso » est un sujet tellement polyvalent, voyons où il me mène.
Le projet « Caruso » combine beaucoup de choses qui m’intéressent. Des amis m’ont déjà dit que c’était en fait une conséquence logique qu’il se retrouve avec moi.
Quel est votre prochain projet ?
KS : Puisque tout le monde parle d’IA et que j’utilise le projet Caruso pour tout ce que le monde a à offrir, je vais créer une image de l’ancien Caruso (ce qu’il n’est jamais devenu) dans un opéra où il n’a jamais chanté. Je vais aussi lui faire chanter un nouvel air qu’il n’a jamais entendu auparavant. On verra, mais l’idée est coincée dans ma tête.
Après ça, j’en ai fini avec l’IA pour l’instant, et je retourne au labo pour travailler sur d’autres photogrammes, à réaliser avec de la gomme laque et le gramophone. En partie en noir et blanc, en partie en couleur. J’aime la photographie et la matière en tant qu’objet, ce qui l’emporte sur tous les discours sur l’intelligence artificielle. Et elle me réserve autant de surprises, sinon plus.
C’est aussi un projet en cours pour trier les archives d’images et scanner des montagnes de négatifs. Je veux aussi continuer à travailler sur « Les Hommes tombés du ciel ».
Mais c’est trop long à aborder ici.
Quel conseil donneriez-vous à la jeune génération de photographes de théâtre ?
KS : J’ai toujours été étonnée de voir que de nombreux photographes de théâtre venaient au théâtre parce qu’ils étaient photographes de presse et qu’ils avaient découvert le théâtre par hasard. Pour moi, c’était l’inverse : je connaissais le théâtre et la photographie, et j’étais capable de combiner les deux. J’avais donc déjà un sens des situations et des ambiances du théâtre. Avant, je venais au travail habillée en noir et en chaussettes, pour ne pas être vue ou entendue. C’est un peu plus facile maintenant avec les appareils photo silencieux. On voit les images et non le photographe.
Pour plus d’informations, consultez le compte IG de l’artiste @karen_stuke
Exposition actuelle :
« Hotel Bogota » – Aino Kannisto + Karen Stuke
Jusqu’au 16 février 2025, à la Project Room de la Fondation Helmut Newton, Berlin
