Louis Stettner était l’un des photographes de rue les plus appréciés du XXe siècle. J’ai découvert son travail au contact de Johanna Breede et de sa galerie il y a quelques années. Ses photographies calmes mais intenses m’ont marqué durablement.
Un jour, j’ai reçu un appel de sa fille Isobel Stettner, avec qui j’ai fini par discuter longuement. Nous sommes restés en contact, également à propos de la grande rétrospective Louis Stettner qui vient de s’ouvrir à la Fondation MAPFRE à Madrid. Naturellement, je voulais en savoir plus sur l’homme derrière ces images emblématiques. J’ai eu le plaisir d’interviewer sa veuve Janet Iffland-Stettner à propos de sa carrière et de ce qui rend ses photographies si spéciales.
Un grand merci à Janet et Isobel pour avoir partagé leur fantastique connaissance du travail de Louis Stettner !
Nadine Dinter : Vous préparez actuellement une grande rétrospective de l’œuvre de votre mari. Veuillez nous dire ce que les visiteurs peuvent s’attendre à voir.
Janet Iffland-Stettner (JI-S) : La Fundación MAPFRE de Madrid a organisé la rétrospective la plus complète à ce jour sur les 70 ans d’héritage photographique de Louis. L’exposition comprend 190 photographies soigneusement organisées par Sally Martin Katz.
Selon ses propres termes, « l’exposition est organisée chronologiquement et retrace le travail [de Stettner] depuis ses débuts à Paris, photographiant la ville vide d’après-guerre, et à New York, photographiant les voyageurs de banlieue dans le métro et à Penn Station, jusqu’à son utilisation ultérieure de la photographie couleur, et se termine par ses dernières méditations sur le paysage des Alpilles dans le sud de la France. L’exposition comprend également une vidéo de Louis abordant son travail et sa relation avec Paris.
J’ajouterai que les photographies en noir et blanc de l’exposition ont été tirées par Louis lui-même. Tout au long de sa vie, il a eu la conviction profonde que l’interprétation de ses négatifs en chambre noire était un acte de création indissociable de l’acte de prise de vue. C’était une facette intégrale de sa vision photographique et de sa vision de lui-même en tant que photographe.
Louis Stettner a fait partie de la Photo League, a travaillé aux côtés de Weegee, a appris de Brassaï et est devenu l’un des photographes de rue les plus estimés de son temps. Comment l’exposition réfléchit-elle à cela, et à quand remonte-t-elle ?
JI-S : L’exposition commence par deux premières séries importantes. Le premier est la série Subway de 1946, prise à New York pendant l’étroite association de Louis avec la Photo League, à la fois en tant que membre puis en tant que plus jeune enseignant de la Ligue. On ne peut pas vraiment dire que Louis « a travaillé aux côtés de Weegee ». Cependant, il est vrai qu’ayant d’abord rencontré Weegee à la Ligue et ensuite pris soin de lui après qu’il soit tombé malade à Paris, ils ont noué une amitié de 25 ans.
Cela dit, l’influence la plus marquante à la Ligue était en fait Sid Grossman, reconnu comme l’un des plus grands professeurs de photographie « documentaire ». C’est Grossman qui a écrit le premier commentaire sur les premières photographies publiées par Louis de la série Subway. Là, Grossman a noté le «bon sens» de Louis pour les significations d’un visage; sa sensibilité pour les relations révélatrices de l’angle d’une main, d’une chemise débraillée et d’un regard un peu curieux sur un visage fatigué », aboutissant « à des créations spécifiques qui nous donnent un nouvel aperçu du sens de la vie de ces personnes ». (New Iconograph, Fall, 1947).
L’exposition se poursuit ensuite avec une série de photographies de Paris après la Seconde Guerre mondiale, prises entre 1948 et 1949 avec un appareil photo de terrain de surplus de l’armée antédiluvienne un 20×25 cm, et se concentre sur un environnement austère sans personnes. C’est à cette époque que Louis a rencontré Brassaï, qu’il considère comme son maître. L’exposition continue de montrer des photographies prises pendant le séjour de cinq ans de Louis à Paris jusqu’en 1952.
Sur une note personnelle à propos de Louis et de la Photo League, je voudrais ajouter que la Photo League a ensuite été mise sur liste noire et a finalement cessé d’exister après avoir été qualifiée d’organisation « subversive » par le gouvernement américain. Louis a perdu son emploi de photographe pour le plan Marshall parce qu’il refusait de donner les noms des communistes de la Ligue. Il a dit que non seulement ses collègues membres de la Photo League étaient ses amis, mais que quelle que soit leur affiliation politique, c’étaient a eux de la divulguer.
Il a poursuivi en écrivant: « Ce qui m’a intrigué était une question sans réponse: où était la liberté pour laquelle je me suis battu si dur en tant que photographe de combat pendant la Seconde Guerre mondiale? » Malgré cette expérience, Louis a continué à créer des images, dont beaucoup se trouvent dans cette exposition, qui révèlent sa foi inébranlable en ses semblables.
Brassaï a dit un jour à propos de votre mari : « Il voit le photographe non seulement conscient de la richesse et de la beauté du monde mais aussi répondant aux divers aspects de la société dans laquelle nous vivons. Êtes-vous d’accord, et quelle était, à vos yeux, la marque de fabrique stylistique de Stettner ?
JI-S : Tout au long de notre longue relation, j’ai appris à apprécier de plus en plus la prise en main sur la vie de Louis dans tous ses aspects : de la surface des choses aux énergies profondes qui se déplacent en dessous. Cet appétit de vivre lui-même a à la fois alimenté sa passion pour l’art de la photographie et rendu son œuvre difficile à catégoriser.
David Campany offre la description la plus articulée du génie particulier de Louis que j’aie jamais rencontrée, dans un essai qu’il a écrit pour le catalogue de l’exposition, intitulé « To Value What is in Front of Us »:
La variété de ses images n’est pas le résultat d’une imitation dispersée, consciente ou inconsciente… Elle n’a pas non plus à voir avec un manque de direction artistique. Non, je pense que la cause était la grande disposition de Stettner envers le monde, combinée à un sens large et généreux de la façon dont ce monde tel qu’il l’a vécu et compris pourrait devenir des images… Nous avons l’impression qu’il était une personne avec un large appétit visuel, avec une grande appréciation des humains et de leurs circonstances, et une profonde affection simplement pour l’apparence des choses – pour la façon dont elles apparaissaient à ses yeux ; pour leur apparence sur les photographies. Aucune vision singulière ne s’impose à lui comme manière unitaire de se représenter. Ses images sont toujours « fortes », comme ils avaient l’habitude de dire, formellement rigoureuses et résonnantes, mais elles résistent à un style de signature manifeste.
Il y a pas mal de « couples de pouvoir » dans le monde de l’art, comme Helmut et June Newton, Jackson Pollock et Lee Krasner, et Pierre et Gilles. Vous vous êtes vus comme ça ? Quel a été votre rôle dans la relation créative ?
JI-S : Je peux répondre à cette question par un « Non ! » retentissant. Nous ne nous voyions pas en ces termes. Cela dit, nous étions complémentaires et, en un sens, la nature de notre relation continue de se manifester à ce jour : par exemple, dans la planification et la réalisation des expositions de Louis. Je me suis souvent retrouvée à jouer le rôle de facilitatrice, voire de médiatrice, entre l’artiste et les personnes et institutions qui détenaient le pouvoir de faire connaître son travail à un public plus large.
Pour expliquer plus en détail, il ne faut pas s’étonner que des tensions générationnelles soient apparues entre l’évolution des forces du marché dans le monde de l’art et les expériences vécues par Louis pendant la période où bon nombre de ses photographies ont été conçues : en tant qu’enfant de la Dépression, photographe de combat dans la seconde Guerre Mondiale, témoin de la destruction d’Hiroshima et victime du maccarthysme en raison de son association avec la Photo League.
Gérer ces tensions s’est souvent avéré difficile pour Louis. Pour compliquer encore les choses, les relations nourrissantes avec Paul Strand, Brassaï, Weegee, Boubat, Faurer, Lisette Model et un groupe de photographes scandinaves dont Rune Hassner et Tore Johnson, pour n’en citer que quelques-uns. Il avait l’habitude d’expliquer que ce sont les critiques de ses collègues photographes sur son travail qui étaient les plus significatives pour lui.
Enfin, l’étude précoce et continue de Louis sur l’histoire de la photographie et ses nombreux écrits sur le sujet ont aidé à clarifier et à solidifier son approche de ses propres efforts créatifs. Avec de l’empathie et de l’affection pour le génie particulier de Louis et pour ceux dont la passion est de nourrir le monde plus large de l’art des photographes, je me suis trouvée parfaitement adaptée au rôle que je continue à jouer.
Parlons des rôles : la gestion du domaine Louis Stettner semble être devenue une entreprise familiale. Souhaitez-vous partager plus d’informations sur votre travail avec le domaine ?
JI-S : J’aimerais y voir autre chose qu’une « entreprise familiale » puisque ce terme désigne une entreprise avant tout commerciale. Néanmoins, c’est définitivement une affaire de famille! Pour compliquer les choses, certains membres de la famille vivent en Europe et d’autres aux États-Unis. Les archives elles-mêmes trouvent refuge près de Paris. Ainsi, le fonctionnement de la succession a une dimension internationale qui ne se trouve pas dans la plupart des archives.
Comme vous le savez sans doute, le maintien et la promotion de l’héritage d’un artiste nécessitent le travail de plusieurs mains. Une division naturelle du travail se crée, qui comprend le travail avec les institutions et les galeries, le maintien d’une présence sur les réseaux sociaux, la préservation des archives et leur organisation dans un état accessible. Comme il y a cinq membres de la famille avec des demandes variables sur notre temps et nos efforts, les responsabilités dans chacun de ces domaines peuvent être fluides.
En tant que chef de succession, mon rôle est avant tout de travailler avec les institutions, de sensibiliser le public et de conserver les archives. Isobel Stettner-Hoevers gère l’intérêt pour le travail de Louis aux États-Unis, où elle vit, ainsi que le maintien du compte Instagram de la succession.
Le but de tous ces efforts peut être résumé dans un énoncé de mission que j’ai écrit pour présenter un nouveau site Web que nous avons récemment lancé :
Le domaine Louis Stettner est dédié à la préservation et à l’avancement de l’héritage créatif de soixante-dix ans de Louis Stettner. Le domaine conserve les archives photographiques, les œuvres de peinture et de sculpture, les écrits et les papiers personnels concernant sa vie dans la photographie. La succession s’efforce également de servir de ressource complète concernant l’artiste et l’œuvre de sa vie, tout en restant toujours conscient de son credo :
Mon mode de vie, mon être même, est basé sur des images capables de se graver de manière indélébile dans l’œil de notre âme.
Aussi, à travers ma vision personnelle, révéler ce qui ne se voit pas facilement, capturer ce qui a le plus de sens, enrichir notre appréciation de la vie.
C’est explorer et célébrer la condition humaine et le monde qui nous entoure, la nature et l’homme ensemble, pour trouver un sens à la souffrance et à tout ce qui est profond, beau et nourrit l’âme.
Par-dessus tout, je crois au travail créatif par la lutte pour accroître la sagesse et le bonheur humains.
Retour sur le prochain salon MAPFRE : Y aura-t-il des œuvres inconnues ou inédites à l’affiche ? Combien de temps a été consacré à la préparation de cette rétrospective ?
JI-S : Oui, il y a un certain nombre d’images inédites exposées. Elles comprennent des photographies de New York d’avant la Seconde Guerre mondiale des premières années de Louis et un groupe d’images de protestation du mouvement de boycott soutenant le travail de Cesar Chavez et la syndicalisation de la main-d’œuvre agricole dans les années 1970. Les dernières sections de l’exposition dévoilent pour la première fois aussi bien les rares photographies couleur prises entre 2004 et 2011 dans une série intitulée Manhattan Pastorale et la série méconnue des Alpilles, les photographies grand format en noir et blanc prises dans les Alpilles de Provence, France, entre 2013 et 2016. J’ai été particulièrement satisfaite de l’inclusion de ces deux séries peu connues car cela permet à cette exposition d’être l’exploration la plus approfondie de l’œuvre de Louis à ce jour.
La genèse de l’exposition remonte à 2018 lors du vernissage de l’exposition de Louis au SFMoMA, Travelling Light, où Clément Chéroux m’a présenté Carlos Gollonet Carnicero de la Fundación MAPFRE. Il y a environ deux ans, après des retards causés par la pandémie de Covid, Sally Martin Katz, avec qui j’avais précédemment collaboré en tant que conservatrice adjointe de la photographie au SFMoMA, a été choisie comme commissaire de l’exposition. Cela a été extrêmement utile, car Sally avait déjà acquis une profonde appréciation et compréhension du travail de Louis.
Depuis lors, le catalogue le plus complet jamais réalisé sur les photographies de Louis a été produit et comprend toutes les images de l’exposition, accompagnées de quatre essais perspicaces de grande envergure. Au cours de la dernière année, l’intensité du travail s’est accélérée grâce à l’extraordinaire équipe professionnelle de la Fundación MAPFRE, que je tiens honnêtement en la plus haute estime. Leur dévouement indéfectible à l’exposition est un témoignage vivant de l’héritage du travail de Louis et des principes selon lesquels il a choisi de vivre, ainsi que du remarquable engagement éthique de la Fundación MAPFRE envers la société.
Quelle ville a le plus influencé le travail de Stettner : New York ou Paris ?
JI-S : Peut-être que la réponse la plus claire à votre question se trouve dans les propres mots de Louis :
« New York et Paris ont été pour moi deux mères spirituelles. La première fait planer l’esprit humain à travers l’adversité, la seconde à travers l’amour. Peut-être que les deux sont nécessaires dans la vie.
New York est l’endroit où j’ai vécu la plus grande partie de ma vie, au milieu de la fumée, des émanations, de l’agitation et des moments immobiles ou des coins perdus qui ont parfois touché l’éternité. La ville m’a façonné et formé et j’ai constamment cherché à comprendre sa signification en tant que lieu et surtout comprendre les gens qui l’habitent. Mes photographies sont des actes d’hommage éloquent et de remords profonds envers la ville. Je suis profondément ému par sa beauté lyrique et horrifié par sa cruauté et sa souffrance.
Paris est aussi une ville qui, à bien des égards, est un musée en plein air où l’on ne regarde pas tant que l’on vit l’art. Parcourir mille ans de styles architecturaux a influencé et inspiré mon travail photographique. Sa riche diversité est le fruit d’une expérimentation incessante qui m’a encouragé à chercher dans mon propre art.
Oui, New York et Paris ont été les deux grandes villes qui ont façonné le travail de ma vie. Brassai l’a dit poétiquement, « Stettner est irrémédiablement un citadin. Il trouve son véritable élément dans le Capharnaüm de la grande ville, où tout est art, artifice et intelligence, sueur et sécrétion de l’homme.
Quelle est votre photo préférée de tous les temps de votre mari, et pourquoi ?
JI-S : Ma préférée de tous les temps est la photographie Les Alpilles n°27, que Louis a prise en Provence pendant trois ans de créativité intensive et pendant laquelle nous avons étroitement collaboré. Le spectateur retrouvera cette photographie dans le dernier volet de l’exposition MAPFRE, ou comme dernière image parmi les photographies accompagnant cet entretien.
Pourquoi cette photographie ? Parce que pour moi, très personnellement, ça parle de tout ce qu’était Louis et de notre vie ensemble. Lui, tout simplement, était une force de la nature. L’immobilité même des herbes capturée dans des détails exquis par une caméra de terrain 8×10, tandis qu’en arrière-plan lointain, le mouvement mélancolique du mistral soufflant dans les arbres, prend une résonance presque spirituelle. Essentiellement, cela me parle de qui il était : un observateur perspicace des moments de la vie délicieusement calmes qui ne sont pas perçu par la plupart d’entre nous, ceux qui « touchent l’éternité », comme il avait l’habitude de dire… tout en embrassant la nature très transitoire. de cette vie. Il y a un vers du poète Walt Whitman qui exprime le plus intimement mes sentiments à propos de cette photographie et particulièrement de cette dernière série photographiée par Louis : “ Nous étions ensemble. J’oublie le reste.”
Quel conseil donneriez-vous à la nouvelle génération de photographes documentaires ?
JI-S : Ici, je m’appuierai une fois de plus sur les mots de Louis, prononcés dans un extrait de film intitulé Message to Young Artists :
« C’est vraiment très simple. Soit vous suivez le dieu bourgeois, que l’argent est tout, ou la vie est tout. »
La rétrospective « Louis Stettner » est présentée à la Fundación MAPFRE Recoletos Hall, Madrid/Espagne.
Durée : 30 mai – 27 août 2023
Pour plus d’informations, consultez www.louisstettner.com et le compte IG du domaine @louisstettnerestate
