L’art et la personnalité de Boris Eldagsen ne peuvent pas être décrits en une seule phrase – c’est beaucoup trop complexe et multicouche. Percevoir la photographie et la lumière confère un sentiment de mystère : c’est devenu la marque caractéristique d’Eldagsen au fil des ans.
Il a vécu et parcouru le monde, fait partie du duo d’artistes Boris & Natascha depuis de nombreuses années et détient une importante collection privée de livres sur la psychanalyse, les fantômes et le paranormal.
Après avoir lentement appris à connaître ses œuvres et creusé au plus profond, j’ai récemment entendu parler de sa prochaine installation photo, lumière & musique, dont l’ouverture est prévue lors des Rencontres d’Arles de cette année.
Et nous avons commencé à parler… Voici le dernier « Quoi de neuf ? »
Nadine Dinter : Au cours de votre carrière artistique, vous avez traversé différentes phases et travaillé avec divers médias. Sur Facebook, j’ai vu récemment que vous peigniez et dessiniez beaucoup. Quand avez-vous commencé et quand avez-vous décidé de changer de camp – vers la photographie ?
Boris Eldagsen : J’ai commencé à dessiner et à photographier à 16 ans, c’était une évolution parallèle. Mais comme le dessin était une activité solitaire et que la photographie ne l’était pas (j’ai commencé par la photographie de mise en scène), j’ai décidé de me concentrer sur la photographie en école d’art. J’ai aussi aimé que la photographie ait l’air plus réelle que le dessin. Avec la photographie, on pouvait convaincre n’importe qui que quelque chose existait vraiment ; le dessin n’a jamais eu cet impact psychologique. Mais le dessin était une bonne base artistique, car il m’a appris à faire confiance au processus et à développer une composition.
Vos études de photographie, d’arts visuels et des beaux-arts vous ont emmené de Mayence à Prague en passant par l’Inde. Pourquoi l’Inde ? Comment votre séjour là-bas a-t-il influencé votre façon de travailler en tant qu’artiste ?
BE : Je voulais voir d’autres réalités et l’Inde pour moi était comme une autre planète. En grandissant dans les années 1970, mon idée de l’Inde a été influencée par la télévision et les livres. Dans mon imagination, le pays était plein de gourous, de tigres, de temples et de cadavres en feu. Je n’avais aucune idée de l’endroit où j’allais. Ce fut une grande expérience de découverte de soi. J’ai pris l’initiative et j’ai envoyé des lettres à 20 écoles d’art en Inde. L’une d’elle, le Collège Sarojini Naidu à Hyderabad, était prêt à m’accueillir comme étudiant invité. Jusqu’à présent, j’ai été le seul étudiant en art européen à fréquenter cette école d’art de troisième cycle. En arrivant en Inde en 1994, il n’y avait pas d’Internet mais le chaos dans les rues, des mendiants frappés par la lèpre sur des planches à roulettes et une pandémie de peste. À Hyderabad, hindous et musulmans se battaient pour le pouvoir politique, et j’ai vite réalisé que je n’avais aucune idée de leurs traditions. Même si je me suis préparé aussi bien que possible, en apprenant l’hindi à mon université avant de partir pour l’Inde, j’ai réalisé dès mon arrivée que les langues locales étaient en fait l’ourdou et le télougou.
Philosophiquement, j’ai développé un intérêt pour les archétypes à l’époque. Qu’est-ce qui relie les cultures et les religions ? Quelle est notre constitution psychologique en tant qu’êtres humains ?
Au niveau de l’expérience personnelle, j’ai alors eu mon premier confinement – avant même de savoir que le mot existait. Vivant avec une famille indienne que j’ai rencontrée dans un train, j’ai essayé de m’adapter à leur apparente gestion du temps inexistante, ce qui s’est avéré pour moi totalement frustrant, car il ne s’est jamais rien passé. Mais après avoir surmonté cette frustration et abandonné mes attentes, j’ai acquis un profond calme intérieur.
Esthétiquement, j’ai développé les bases de ce que je fais aujourd’hui. J’ai commencé par la photographie de nuit en Inde. Pendant la journée, j’étais toujours au centre de l’attention, les rues étaient trop encombrées pour que la composition soit correcte et j’étais trop timide pour travailler avec les gens. La nuit, je me fondais dans les ombres et pouvais me concentrer sur la lumière et la composition. Lorsque je suis retourné en Inde pour exposer à l’IPF d’Hyderabad et à la Biennale de Kochi en 2018, j’ai réalisé que mes photos ressemblaient à une nuit indienne typique : beaucoup de noir avec d’abondantes taches lumineuses colorées.
Vous avez également un diplôme en philosophie, et en regardant votre art, on peut clairement voir que la plupart de vos travaux traitent d’un monde au-delà de la réalité. Y a-t-il un philosophe ou une philosophie en particulier qui vous a particulièrement inspiré ?
BE : Mon premier intérêt philosophique a été pour l’esthétique, que j’ai commencé à étudier en parallèle, à l’obtention d’un diplôme d’art. Mais ensuite, l’épistémologie, l’anthropologie et l’éthique sont devenues beaucoup plus intéressantes pour moi, suivies par la psychologie. J’aime contredire les théories, antipodes comme Epicure et Platon, Nietzsche et Kant. Ils ont tous défini la réalité différemment. Nous ne sommes toujours pas en mesure de la définir ; son noyau reste un mystère. C’est une des raisons pour lesquelles je ne m’intéresse pas à la photographie documentaire. Je trouve plus intéressant de décrire le mystère de la réalité avec ma photographie.
Ce sont Nietzsche et Kierkegaard qui ont suscité mon intérêt pour la psychologie. Ils ont regardé à l’intérieur d’eux-mêmes et ont ouvert la voie à l’émergence d’une nouvelle discipline scientifique. Jaspers, un psychologue et philosophe existentialiste allemand du 20e siècle, a été ma prochaine étape. Il cherchait des chiffres, des symboles qui représentent l’ADN psychologique de l’homme. Carl Gustav Jung a poussé cette idée plus loin avec son idée que les archétypes façonnent notre inconscient collectif. Il les a vus à l’œuvre partout, aussi dans les traditions occultes et mystiques. Joseph Campbell s’en est inspiré et a développé le voyage du héros, un modèle de narration basé sur l’analyse de la structure des légendes anciennes. Son ami George Lucas a mis en pratique cette formule avec Star Wars.
Aujourd’hui, je flotte entre ces mondes et ces traditions. Je poursuis mes études par moi-même. Je me suis récemment acheté une encyclopédie des années 1960 intitulée Man, Myth & Magic, qui relie les points culturels d’un point de vue anthropologique et sociologique. J’ai également hérité de l’immense bibliothèque de mon ami le Dr Thomas Knoefel, qui était un grand spécialiste allemand de l’occultisme. Consultez mon compte Instagram – de temps en temps, j’y poste des extraits de sa bibliothèque occulte.
Vous vous décrivez comme un « artiste de la lumière ». Expliquez-nous la différence entre « photographe » et « artiste de la lumière » – car les deux sont des types d’art basés sur la lumière…
BE : Lorsque j’enseignais à l’académie des beaux-arts de Melbourne, en Australie, la plupart des conservateurs australiens considéraient en fait mon travail comme étant « lourd », pas « léger ».
Mais blague à part, je ne me décris pas comme un artiste de la lumière. Je m’appelle généralement « artiste travaillant avec la photographie ». Surtout parce que je travaille aussi avec la vidéo et l’installation. Je ne me dis pas photographe, pour montrer que je ne m’intéresse pas à la représentation du visible, comme le font la plupart des photographes. Mon intérêt est de représenter l’expérience invisible d’être humain, de déclencher des émotions et des souvenirs chez les spectateurs.
J’aime l’idée de « l’art basé sur la lumière » – la lumière est ce avec quoi je travaille en photographie et en vidéo. Physiquement, la lumière est partout, même dans l’univers « sombre ». Les objets et la lumière ne deviennent visibles que s’ils entrent en collision. C’est mon travail de faire qu’ils entrent en collision au bon moment et au bon endroit. Dans mon théâtre artistique, la lumière est l’un de mes acteurs principaux.
Votre dernier projet, que l’on pourra découvrir le 5 juillet aux Bisous à Arles, s’intitule The Rabbit Hole. Est-ce une référence à Alice au pays des merveilles et au lapin blanc, ou à quoi le titre fait-il référence ?
BE : L’emplacement m’a en fait conduit au titre et à l’ensemble de l’œuvre. Il s’agit d’une installation unique sur mesure, conçue pour créer la plus grande synergie entre le lieu et le travail.
L’espace d’exposition est un lieu fascinant. Un immense escalier mène à un sous-sol sans fenêtre, divisé en une grande et une petite pièce ; à côté de la petite pièce se trouve un petit escalier menant à une impasse. Visiter les lieux pour la première fois m’a immédiatement donné une idée de ce qu’Alice avait dû ressentir en tombant dans le terrier du lapin. Alice a été conduite dans les profondeurs de la terre et au-delà de la réalité. De même, Tanvir et moi voulons amener les spectateurs dans une réalité différente, intérieure et intemporelle. « Descendre dans le terrier du lapin » est un idiome qui décrit très bien cela.
L’exposition est un projet commun avec l’artiste bangladais Tanvir Taolad, avec qui vous avez collaboré pour la première fois en 2018/2019 lors de la Biennale de Kochi-Muziris. Où vous êtes-vous rencontré pour la première fois et à quoi cela ressemble-t-il de créer une installation artistique aussi monumentale à travers le monde pendant une pandémie ?
BE : En 2014, je me suis lié d’amitié avec l’artiste bangladais Sarker Protick lors d’un festival de photographie à Dortmund. Il a présenté mon travail au Pathshala South Asian Media Institute, où il enseignait. Tanvir y étudiait à l’époque. En 2015, Tanvir a organisé mon travail pour une exposition collective au Pathshala, et j’ai été profondément impressionné par l’originalité de la commissaire et sa profonde compréhension de mon travail. Nous avons commencé à collaborer sur Internet en mai 2017. Depuis, je ne l’ai vu que deux fois en personne : en 2018, lorsque j’ai participé au festival Chobi Mela à Dhaka, au Bangladesh ; et quand nous avons installé l’œuvre à la Biennale de Kochi-Muziris. Mais nous sommes en 2021 et Internet existe depuis trois décennies. Collaborer en ligne, sur une grande distance, est une part importante de notre travail.
Notre co-commissaire et productrice Carine Dolek a également été d’une grande aide. Elle a repéré l’emplacement et pris toutes les mesures et les photos dont j’avais besoin pour adapter les papiers peints, les drapeaux et les tirages à l’emplacement. Elle est notre coup de main sur place.
Dites-nous en un peu plus sur cette prochain exposition.
BE : Ce travail ne traite pas d’un problème social, religieux ou politique spécifique, mais aborde plutôt l’origine de tous les problèmes et questionnements : la condition humaine. Il s’agit de nos aspects intemporels et des conditions sous-jacentes de la souffrance et de l’espoir, et de leurs réverbérations dans le temps et l’espace.
Vous pouvez également voir notre installation comme une représentation en 3D du soufisme, un memento mori trippant ou comme un gothique tropical. Bien sûr, nous voyageons jusqu’aux limites extérieures : à l’intérieur & à l’extérieur, ici & au-delà, conscient & inconscient, paradis & enfer. Nous rassemblons les approches occidentales et orientales de la définition du cercle de la vie.
Roger Ballen décrit notre travail comme « vraiment unique, inoubliable et surtout puissant. […] Les photographies de Boris Eldagsen et Tanvir Taolad nous emmènent de l’autre côté de l’esprit, aux périphéries de l’univers. Nous ne savons pas si nous voyons les rêves de l’artiste ou un miroir de notre état de conscience plus profond.
Nous avons une façon très particulière de créer nos images. Notre processus commence par des images tirées de nos archives, auxquelles nous appliquons ensuite expérimentalement nos compétences analogiques et numériques pour fusionner et condenser des photographies. Comme les alchimistes, nous détruisons les photos pour créer des images qui approfondissent la condition humaine. Nous utilisons de l’acide, des couteaux, des réservoirs d’eau, des projections et des applications. Une photo subit plusieurs boucles de production jusqu’à ce qu’elle soit terminée. Comme ni Tanvir ni moi ne partageons ce que nous faisons exactement avec une photo, personne ne sait comment une seule image a été faite.
Pourquoi Arles ? Et pensez-vous que nous devons tous traverser une sorte de «terrier de lapin» pour réintégrer un monde normal après COVID-19?
BE : Je m’intéresse aux aspects intemporels de la psyché humaine. Mon travail n’est pas lié à l’actualité mais en même temps il est lié à tous les événements. J’ai aussi toujours remis en question ce que les gens appellent « normal ». Je ne peux donc pas donner une réponse qui aurait du sens pour moi. Mais Arles le fait, et montrer le travail à Arles aussi.
Depuis que j’ai remporté le Prix Voies Off en 2013 avec mon œuvre THE POEMS, je reviens chaque année en juillet aux festivals Rencontres et Voies Off. C’est un rassemblement magique de passionnés de photo et d’experts, de hors-la-loi et de flirts. C’est une rencontre annuelle avec des amis artistes du monde entier. Tant que le festival et moi existons, vous me trouverez là-bas.
Cela dit, je souhaite également afficher RABBIT HOLE dans d’autres versions spécifiques au site ; si vous êtes intéressé, envoyez-moi un email. Peu importe où vous êtes, j’aime voyager. Je participe également à un festival coréen cet été, et c’est dommage qu’en raison des restrictions liées aux coronavirus, je ne puisse pas y voyager.
D’où vient votre inspiration? Rêves? Vie? Psyché?
BE : Tout cela et plus encore. Tout peut être une inspiration. Une chanson, un film, un geste. L’un de mes derniers moments d’inspiration a été un concert de l’artiste brésilienne Kupalua. Elle avait trois seins et ressemblait à un mélange entre une ancienne déesse et une extraterrestre, chantant dans la lumière brillante d’un laser. Elle portait un plug anal avec un miroir et l’a utilisé pour renvoyer un laser vert dans le public. Un an plus tard, j’ai tourné une vidéo avec elle : Le Mariage de Yan & Ying. Deux de ses amies artistes post-humaines, Aun Helden et Ectocorp, ont alors voulu travailler avec moi : une œuvre entraînait la suivante. Ce genre de chose arrive souvent.
Mais comme le voyage d’un artiste est un voyage intérieur, celui de devenir de plus en plus conscient de vos forces intérieures, ces inspirations extérieures ne sont valables à poursuivre que lorsqu’elles réfléchissent votre voyage intérieur. Le mouvement post-humain est à coup sûr lié à ma quête existentielle.
Quel conseil donneriez-vous à la nouvelle génération d’artistes désireuse d’entrer sur la scène de l’art et de la photographie ?
BE : « Connais-toi toi-même », comme il était écrit au-dessus de l’entrée du temple de l’oracle de Delphes. Dessinez une carte mentale de toutes les choses créatives et culturelles que vous avez poursuivies – pourquoi avez-vous commencé, pourquoi avez-vous arrêté ?
Quels sont les chansons, les livres, les films et les œuvres d’art qui vous ont touché et pourquoi ? Quels sont vos intérêts et compétences? Une fois que vous aurez mis tout cela sur une grande table, vous verrez les connexions. Ces connexions sont ce qui vous motive. Ensuite, allez plus loin, faites-en vos nouveaux thèmes et sujets.
Développez la résilience – vous en aurez besoin.
Connectez-vous à d’autres personnes – vous êtes plus fort dans une équipe.
Équilibrez votre vie. Vous avez besoin de choses qui vous donnent de l’énergie – nourrissez-les.
Rire.
Trouvez votre propre chemin.
Assurez-vous de suivre Boris sur @boriseldagsen
THE RABBIT HOLE
Boris Eldagsen & Tanvir Taolad
Du 4 juillet au 29 août 2021
Commissariat : Boris Eldagsen & Tanvir Taolad & Carine Dolek
Vernissage : lundi 5 juillet 2021, à 18h
Lieu : Bisous, 33 Rue de la République, 13200 Arles
Horaires d’ouverture : tous les jours de 10h à 19h
