Ce mois-ci, j’ai eu le plaisir d’interviewer le collectionneur germano-américain Artur Walther, une véritable puissance dans les domaines de la photographie et de l’art.
Depuis un certain temps, je suis les activités et les expositions du lauréat du prix de la culture 2021 de la Société photographique allemande (DGPh Kulturpreis) et j’ai été ravie d’avoir cette opportunité de discuter avec lui et de demander “quoi de neuf”.
Nadine Dinter : Mr.Walther, vous venez de recevoir le Kulturpreis 2021 de la Société allemande de photographie (Deutsche Gesellschaft für Photographie). Toutes nos félicitations! Que représente ce prix pour vous ?
Artur Walther : Merci. J’ai ressenti une grande humilité d’être le récipiendaire du Prix Culture DGPh, qui dans le passé a été décerné à de nombreuses personnes que j’admire beaucoup. Après avoir vécu aux États-Unis pendant plus de 40 ans, ce fut un honneur particulier de recevoir ce prix dans le pays où je suis né et où j’ai grandi. C’est particulièrement émouvant de recevoir le prix à Düsseldorf, qui est étroitement lié à mon intérêt original pour la photographie et lien avec le duo d’artistes influents Bernd et Hilla Becher. Mais comme je l’ai dit dans mon discours d’acceptation, je sens que je ne suis que le destinataire physique du prix ; cet honneur est partagé avec tous les conservateurs, chercheurs et toute l’équipe qui travaille sans relâche avec moi aux activités de la Collection. Le prix est également pour tous les artistes dont nous avons collectionné et exposé le travail au fil des ans : c’est une reconnaissance des œuvres exceptionnelles créées dans différentes cultures qui ont été largement négligées jusqu’aux deux dernières décennies.
Faisons un saut dans le temps. Quand avez-vous acquis votre première photographie et par qui ? Quand avez-vous réalisé ou décidé que vous vouliez constituer une collection de photographies aussi impressionnante et consacrer votre temps à la développer ?
AW : J’ai passé une grande partie de ma carrière professionnelle à Wall Street dans une banque d’investissement internationale. Bien que j’ai trouvé le domaine très excitant et stimulant, il était aussi paroissial en même temps. J’ai donc décidé de mener une vie plus variée – voyager, étudier l’architecture et le design, et m’impliquer davantage dans les arts. Ce voyage a commencé au Centre international de la photographie (ICP) à New York, où j’ai suivi de nombreux cours en tant qu’étudiant adulte. J’ai suivi des ateliers avec de grands photographes tels que Joel Meyerowitz, Mary Ellen Mark, Bruce Davidson, Stephen Shore et j’ai noué des liens avec les Becher. Bien que je n’ai moi-même fait des photographies que pendant une période relativement courte, le médium a eu un fort impact sur moi. Je suis devenu administrateur de ICP et j’ai rejoint le comité de photographie du Whitney Museum. J’ai réalisé que je voulais m’engager de différentes manières et je me suis beaucoup intéressée à tous les aspects recherche, collection, conservation, exposition et publication. Au fil du temps, ce nouveau type d’engagement a conduit à un intérêt croissant pour la constitution d’une collection.
Mon premier achat était une typologie d’élévateurs à grains du Midwest américain, suivi d’une série de photographies emblématiques en noir et blanc de soutes à charbon, de réservoirs à gaz et de hauts fourneaux par Bernd et Hilla Becher. Ils m’ont beaucoup influencé; c’était le début d’une longue amitié. Leur enquête sur les typologies industrielles reflétait étroitement ma propre façon de voir et de regarder le monde… Le mois dernier, le Metropolitan Museum of Art de New York a ouvert l’exposition rétrospective magnifiquement exécutée Bernd & Hilla Becher qui présente une œuvre clé de la Collection.
Certaines des images les plus emblématiques d’Allemagne constituent l’épine dorsale de votre collection : des œuvres de la Nouvelle Objectivité (Neue Sachlichkeit) et des mouvements Bauhaus et des photographes comme August Sander et Karl Blossfeldt. Et vous avez récemment commencé à vous concentrer sur la photographie africaine et asiatique également. Qu’est-ce qui vous a poussé à développer la collection dans ce sens ?
AW : Il n’y avait pas de grand plan ou de direction thématique spécifique pour ma collection initiale. Elle s’est développée progressivement, en commençant par les Becher et le travail de leurs étudiants, puis s’est élargi avec les œuvres d’August Sander et de Karl Blossfeldt, entre autres photographes européens et américains. Au-delà de Neue Sachlichkeit, j’ai commencé à me concentrer sur les artistes qui apportaient de nouvelles perspectives et des récits qui défiaient les critères occidentaux Cela est devenu de plus en plus important pour moi au fur et à mesure que je continuais à développer la Collection pour élargir mes connaissances en apprenant davantage sur le travail d’artistes contemporains de différents horizons culturels et sur les environnements sociaux, personnels et politiques dans lesquels ils opéraient – et pour voir où il pourrait y avoir des similitudes entre eux et des œuvres existantes dans la Collection : thématiquement, conceptuellement, esthétiquement, etc.
Je m’intéresse à la photographie et à l’art médiatique basé sur l’objectif en provenance de Chine et du Japon depuis le milieu des années 1990. L’histoire de la photographie chinoise est vaste et fascinante : la fin de la Révolution culturelle et l’ouverture économique de la Chine sous Deng Xiaoping ont marqué le début d’une nouvelle liberté de création, offrant à une génération d’artistes des opportunités d’exposition, de mobilité et d’engagement. au-delà des frontières géographiques du pays. La masse critique d’artistes contemporains actifs dans les années 1980 et 1990 a représenté un tournant important – c’est ce moment précis qui a marqué ma première rencontre avec la Chine, alors qu’un changement radical dans la production artistique s’opérait.
J’ai rencontré la photographie africaine pour la première fois en 1996, dans l’exposition In/sight : African Photographers, 1940 to the Present au Musée Guggenheim. Les images de David Goldblatt, Rotimi Fani-Kayode, Seydou Keïta et Malick Sidibé m’ont profondément marqué. Ils étaient si différents des représentations dominantes de l’Afrique – les images documentaires et photojournalistes de la guerre et de la famine, des déplacements et du génocide. Je me suis rapidement lié d’amitié avec le brillant conservateur Okwui Enwezor, responsable de l’exposition. En 2004, nous avons commencé à rechercher les situations contemporaines de l’Afrique, avec l’idée de consacrer une exposition à ce thème. Okwui et moi avons voyagé à travers le continent pendant quatre semaines : de Tanger à Cape Town via Dakar et retour au Caire via Nairobi et Addis Abeba. Le résultat a été l’exposition Snap Judgments: New Positions in Contemporary African Photography, qui a ouvert ses portes à ICP en 2006 et a ensuite été présentée en Europe. Ce voyage de recherche et les deux expositions ont attiré mon attention sur la photographie africaine qui, au cours des 15 années suivantes, allait devenir la pierre angulaire de la collection Walther.
Ces dernières années, la Collection s’est également concentrée sur la photographie vernaculaire dans une gamme de formes stylistiques, d’applications archivistiques et de formats physiques, en particulier une exploration approfondie de la nature sérielle et multiforme de la photographie vernaculaire. Certaines des grandes catégories représentées dans la collection comprennent la photographie de famille et les instantanés, les albums et les livres de photos, la photographie ethnographique et scientifique, les clichés et les photographies d’identité, les portraits de studio et de rue, ainsi que la photographie architecturale et industrielle. Nous réalisons également plusieurs travaux d’installation d’images animées, de vidéos et de médias mixtes.
Comment développez-vous votre collection ? Recherchez-vous vous-même de nouveaux artistes passionnants, ou avez-vous un consultant en art pour vous accompagner dans de nouvelles acquisitions, et avec quelles galeries préférez-vous travailler ?
AW : J’ai eu la chance d’être entourer d’une communauté brillante d’écrivains, de conservateurs, d’artistes et d’universitaires, qui continuent tous d’influencer profondément ma façon de penser la photographie tout en me faisant découvrir de nouveaux développements et artistes. Lorsque je collectionne le travail d’artistes, j’ai tendance à collecter en profondeur – je suis intéressé par l’acquisition d’images multiples plutôt que d’images uniques. Je ne regarde pas les photos individuelles; Je regarde toujours des corps de travail. Je suis très motivé par les séries, les tableaux, les typologies et les taxonomies. Lorsque j’accompagne des artistes par le biais d’acquisitions, j’aime conserver la possibilité de collaborer avec eux à l’avenir, sur des projets liés avec la Collection – publications, expositions, commandes ou événements.
Pourriez-vous nous donner un aperçu de votre « hot list » ? Quel travail a récemment attiré votre attention? Combien de temps faut-il généralement avant que vous décidiez d’acquérir une image ? Êtes-vous plutôt un collectionneur spontané qui acquiert de l’art en parcourant une foire comme Paris Photo, ou êtes-vous plus prudent, basant vos décisions sur une recherche approfondie de la valeur marchande des artistes et élaborant ensuite une stratégie pour investir dans leurs œuvres ?
AW : L’approche de la Fondation en matière de photographie est éducative : assembler, rechercher, publier et exposer la photographie en tant qu’enregistrement crucial du changement social. Un aspect clé depuis l’ouverture du campus du musée à Neu-Ulm en 2010 a été de présenter les œuvres d’artistes d’Afrique et d’Asie en dialogue avec des artistes occidentaux. À cet égard, la Collection a publié plusieurs études visuelles sur la photographie récente d’Asie, ainsi que de nombreux ouvrages sur la photographie africaine historique et contemporaine. Un autre objectif de la Collection ces dernières années a été d’élargir la visibilité de la photographie vernaculaire afin de refondre les histoires existantes de la photographie, et d’insérer dans ces récits des objets et des questions qui ont souvent été ignorés ou effacés. Ce faisant, nous visons à explorer à quoi pourrait ressembler l’histoire de la photographie en insérant des images de tous les jours, mais aussi en considérant ce que ces photographies « ordinaires » pourraient nous dire sur les modèles sociaux et le comportement humain ? Collectionner la photographie vernaculaire mondiale était une progression logique de notre investissement dans la photographie africaine, asiatique et occidentale et un domaine que nous souhaitons toujours développer davantage.
Ainsi, mes stratégies de collecte sont toujours profondément liées à la conceptualisation d’expositions à venir et de publications en développement, en vue d’élargir et d’approfondir une exploration thématique, et aussi en relation avec des œuvres existantes dans la Collection. Dans la plupart des cas, le travail des artistes fait l’objet d’une recherche rigoureuse avant l’acquisition, mais il arrive parfois que des ventes aux enchères ou des foires d’art proposent des œuvres qui reflètent l’orientation de la collection et s’intègrent parfaitement – par exemple, j’ai acheté les premières œuvres d’autoportrait photographique performatif de Yinka Shonibare de 1996/7 aux enchères. en 2017. Ceux-ci seront exposés au public lors d’une grande exposition de musée pour la première fois l’année prochaine. Nous sommes actuellement en train d’examiner les lacunes de la Collection et recherchons activement des ajouts importants pour développer davantage la représentation des artistes contemporains d’Afrique et de sa diaspora.
L’une des expositions actuellement présentées est une immense rétrospective de l’artiste africain Samuel Fosso. Quand avez-vous commencé à collectionner son travail, et qu’est-ce qui le rend si spécial pour vous ?
AW : Au fil des ans, je suis souvent revenu sur le riche catalogue qui accompagnait l’exposition In/sight du Guggenheim, et j’ai longtemps été captivé par le travail de Fosso. J’ai été présenté pour la première fois à Okwui [Enwezor] en 2003, qui avait alors organisé à la fois la 2e Biennale de Johannesburg ainsi que la Documenta 11 à Kassel, et comme mentionné précédemment, ses avis et ses conseils ont eu une influence durable sur ma collection : il a non seulement encouragé mon intérêt pour la photographie africaine, mais a également nourri ma réflexion sur les approches non européennes du médium. Il a également joué un rôle déterminant dans ma décision de construire un campus de musée à Neu-Ulm, en Allemagne – dans la rue où j’ai grandi. Au moment où j’ai officiellement créé The Walther Collection en 2010, les photographies de Fosso étaient déjà représentées par plusieurs corpus d’œuvres – souvent à la suggestion d’Okwui – à commencer par ses autoportraits en studio en noir et blanc du début des années 1970 et sa série de couleurs performatives « Tati, ”. J’ai ensuite ajouté « African Spirits » et des sélections d’autres projets clés réalisés entre le début des années 2000 et aujourd’hui. Fosso était une figure centrale de la première exposition de la Collection Events of the Self: Portraiture and Social Identity organisée par Okwui en 2010. Ses œuvres ont été positionnées en dialogue avec d’autres célèbres photographes portraitistes d’Afrique de l’Ouest tels que Seydou Keïta et Malick Sidibé, ainsi que des artistes contemporains prenant en compte la performance, la représentation et l’identité, parmi lesquels Oladélé Ajiboyé Bamgboyé, Candice Breitz, Rotimi Fani-Kayode, Zanele Muholi, Grace Ndiritu et Nontsikelelo « Lolo » Veleko, pour n’en citer que quelques-uns.
Nous avons récemment publié – en partenariat avec Steidl – deux monographies majeures consacrées à l’œuvre de Samuel Fosso : Autoportrait, la première étude exhaustive de ses autoportraits ; et SIXSIXSIX, une série de 666 polaroïds grand format réalisés dans son atelier parisien entre octobre et novembre 2015. Aujourd’hui, nous travaillons souvent en collaboration avec d’autres institutions – l’exposition Samuel Fosso: The Man with a Thousand Faces (Samuel Fosso : L’homme aux mille visages), actuellement présentée à notre campus du musée à Neu-Ulm jusqu’au 20 novembre 2022, est une exposition itinérante collaborative organisée par la Maison Européenne de la Photographie, The Walther Collection et Huis Marseille, avec le soutien de Art Mentor Foundation Lucerne.
Comment jonglez-vous entre la planification d’expositions, voyager à travers le monde et la recherche de nouvelles œuvres pour votre collection ? Avez-vous un programme particulier que vous suivez?
AW : Au cours de la dernière décennie, nous avons investi des efforts considérables pour équilibrer un programme ambitieux et rotatif d’expositions présentées dans nos propres espaces d’exposition, tout en organisant des expositions itinérantes qui présentent la Collection dans d’autres espaces à l’échelle internationale. Depuis onze ans, nous organisons trois expositions par an dans notre ancien Project Space à New York – aujourd’hui définitivement fermé – et une exposition annuelle de grande envergure sur le campus de notre musée à Neu-Ulm. L’équipe de la Collection est petite et actuellement basée entre Neu-Ulm, New York et Londres et, en collaboration avec des conservateurs invités, nous continuons à développer activement nos programmes d’exposition en Europe et en Amérique, ainsi que dans d’autres endroits du monde. Parfois, ces programmes sont difficiles – par exemple, en 2018, nous avons conclu trois expositions à New York ; un à Neu Ulm; et six expositions itinérantes au Mexique, aux Pays-Bas, en Espagne et au Mali. Le programme de chaque année est souvent influencé par les foires et festivals d’art tels que Paris Photo, Photo London, Art Basel et l’AIPAD à New York, ainsi que les Rencontres d’Arles, la Biennale de Venise ou la Documenta. Et comme mentionné précédemment, les nouvelles acquisitions pour la Collection sont toujours motivées par la planification d’expositions futures. Il y a eu de nombreux voyages au fil des ans, pour visiter des artistes dans leurs ateliers et découvrir leur pratique, ce qui est l’un des plus grands plaisirs de mon travail de collectionneur. La concentration sur l’Asie et l’Afrique présente des défis uniques pour les expositions itinérantes, mais au fil des années, elle a créé un certain rythme et une orientation unique que nous tenons à développer davantage.
Quelle est la prochaine étape pour vous et votre collection ?
AW : Nous continuerons d’étendre notre programme d’expositions itinérantes à l’échelle mondiale afin de présenter les œuvres d’artistes importants qui peuvent ne pas être familiers dans certains contextes culturels à un public plus large, parallèlement au développement de nos plateformes d’édition. Nous avons actuellement plus de 500 œuvres photographiques d’Afrique, de sa diaspora et d’Europe exposées dans l’exposition Shifting Dialogues: Photography from The Walther Collection au Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen à Düsseldorf, en Allemagne. L’exposition, entièrement organisée à partir des fonds de la Collection, retrace le développement de la photographie en tant qu’histoire de parallèles transnationaux, des débuts de l’imagerie ethnographique du XIXe siècle à la photographie de studio des années 1940 à l’activisme visuel contemporain, au portrait et à la pratique documentaire. 2023 sera une année passionnante pour nous – une institution prestigieuse en Allemagne présentera une exposition majeure qui, pour la première fois, s’appuiera sur tous les aspects de la Collection dans ce qui sera notre présentation publique la plus ambitieuse à ce jour.
Quel conseil donneriez-vous à la nouvelle génération de collectionneurs de photographies ?
AW : Suivez votre intuition : collectionnez des œuvres qui vous attirent, qui vous parlent, vous inspirent, vous font réfléchir profondément, vous font rire ou vous font plaisir. Réfléchissez bien à ce que vous souhaitez acquérir et essayez d’analyser, de conceptualiser et d’articuler pourquoi cela vous attire, puis poursuivez votre projet. C’est aussi général et aussi spécifique que cela. Essayez de regarder des images partout où vous le pouvez, dans des galeries, des musées, des studios et lisez des informations sur la pratique des artistes dans des publications. Pour moi, il s’agit de voir : en regardant des images et des livres, qui, à mon avis, sont toujours le meilleur moyen de recherche, on forme et aiguise son œil, et développons un sentiment pour nos propres points d’intérêt et de recherche.
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Pour plus d’informations, veuillez visiter: www.walthercollection.com et consultez son compte IG @walthercollect
Les expositions :
« Dialogues changeants : photographies de la collection Walther / Dialoge im Wandel. Fotografien aus The Walther Collection » est visible jusqu’au 25 septembre 2022 au Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen
« Samuel Fosso : L’homme aux mille visages / Samuel Fosso : Der Mann mit tausend Gesichtern » est à l’affiche jusqu’au 20 novembre 2022 au Museum Campus de la Walther Collection, Neu-Ulm.
