Armin Zogbaum est célèbre pour ses natures mortes minimalistes mais voluptueuses pour le who’s who des marques de luxe internationales. De Louboutin à Navyboot, en passant par Hachez et Chopard, les créations de Zogbaum sont très demandées. Mais il y a bien plus dans son travail qu’une exposition merveilleuse. Le photographe berlinois d’origine suisse a franchi des étapes passionnantes dans sa carrière avant de devenir ce qu’il est aujourd’hui. Compte tenu de ses dernières campagnes commerciales, ainsi que de son autre «côté artistique», nous avons cherché à retracer sa biographie passionnante et découvrir les nouveautés.
Nadine Dinter: Tout au long de votre carrière exceptionnelle, vous avez traversé différentes étapes. De travailler en tant que chef professionnel, à parcourir le monde en tant que styliste, à devenir un photographe éditorial renommé. Veuillez partager certains de vos moments forts avec nous.
Armin Zogbaum: Ma vie professionnelle a été et est toujours une aventure passionnante pleine de sauts dans l’inconnu, car j’adore les aventures! Chaque mission, chaque éditorial, chaque image – pour moi, c’est toujours passionnant. C’est pourquoi je n’utilise pas vraiment le mot «travail». Lorsque la fascination s’estompe, je me jette immédiatement dans la prochaine grande chose. C’était aussi le cas quand j’étais jeune et passionnée par la cuisine.
Comment êtes-vous passé de la cuisine, au métier de styliste, puis à la photographie?
AZ: Toutes mes métamorphoses ont toujours été fluides. Après quelques années en tant que chef, je suis devenu chef de cuisine, puis j’ai pensé: désormais, la vie se répète. Alors j’ai arrêté – et à partir de là, j’ai écrit des livres de cuisine et des éditoriaux en tant que journaliste culinaire. Pendant ce temps, je suis entré en contact régulier avec la photographie professionnelle et j’ai rapidement stylisé tous les plans culinaires moi-même. D’innombrables articles de magazines et 15 livres de cuisine plus tard, je suis devenu obsédé par le design d’intérieur et j’ai continué à me faire un nom en concevant et en stylisant d’innombrables éditoriaux et campagnes publicitaires. Avec cette compétence, j’ai parcouru le monde – et découvert par hasard la magie des appareils photo grand format lors d’une mission à Bali. Imprégné d’enthousiasme, j’ai décidé de me concentrer professionnellement sur la photographie. J’ai acheté un SINAR – la «Rolls-Royce» de tous les appareils photo grand format. J’étais au paradis. Il y avait une quantité incroyable de choses à apprendre, ce qui est très difficile à imaginer aujourd’hui, à l’ère de l’iPhone, et j’ai vraiment adoré.
Être chef a jeté les bases de tout ce qui était à venir: discipline, créativité et sensualité – il n’y a probablement pas d’école plus dure que la gastronomie étoilée Michelin. D’ailleurs, l’artiste Julian Schnabel, dont j’adore les tableaux, était lui-même un très bon chef, avant de poursuivre une carrière de peintre.
Le stylisme a toujours été un ingrédient important de votre photographie. Combien de temps y consacrez-vous vous-même et à quelle fréquence travaillez-vous avec d’autres stylistes pour vous concentrer pleinement sur votre photographie?
AZ: Au début de ma carrière photographique, j’ai toujours fait moi-même les concepts et le style des images. Mais à un moment donné, j’ai commencé à manquer d’échange créatif. Aujourd’hui, j’aime développer de nouvelles idées grâce à la collaboration. Cela conduit à un sentiment d’unité qui inspire, que j’aime. En tant que photographe, mon travail en studio avec mon équipe est comparable à un musicien avec son groupe. La photographie est un mélange de vision, de sentiment et de technique – tout comme en musique. En tant que «chanteur principal» de mon «groupe», mon nom est par la suite également sur la «couverture», ou plutôt sous la photo, même si beaucoup ont contribué au projet.
En regardant votre portfolio, nous nous émerveillons des bijoux à couper le souffle de Chopard, Van Cleef & Arpels, des compositions de chocolat alléchantes pour Lindt et Barry Callebaut et des accessoires de luxe à tomber par terre de Louis Vuitton, Alexander McQueen et Bottega Veneta. Quelle a été votre campagne préférée jusqu’à présent?
AZ: Je ne peux absolument pas vous le dire. Mon projet préféré est toujours celui dans lequel je suis actuellement engagé. Je ne suis pas intéressé par le passé. Une photographie n’est pas seulement un moment figé, mais aussi liée à l’époque de sa création. Tout comme la mode et la musique, l’attrait de la photographie reflète l’air du temps et est en constante évolution. Ce qui inspire ou irrite aujourd’hui peut ne plus susciter d’émotion demain. Dans le meilleur des cas, la photographie appliquée devient des enregistrements d’une époque ou des jalons de perspectives artistiques. Avec la photographie numérique et l’essor des médias sociaux, la durée de vie des images a été considérablement raccourcie. Jamais auparavant dans l’histoire de l’humanité, les images n’ont été consommées plus rapidement et en plus grande masse qu’aujourd’hui.
Mes plus beaux souvenirs sont les rencontres personnelles que je fais lors de mes voyages et les histoires souvent aventureuses qui y sont associées. Ce que j’aime autant que la photographie, ce sont les voyages qui accompagnent les missions. En voyageant, je ne veux pas dire visiter un pays en tant qu’observateur et lire les attractions touristiques dans un guide. Créer quelque chose de nouveau, avec une équipe, dans un environnement culturel étranger – c’est ce qui m’intéresse et me passionne.
Un directeur artistique français a posté une photo sur Instagram où toute l’équipe, et nous étions assez sauvages, a sauté dans la piscine après le «wrap» – la fin de notre tournage. La piscine était située dans une villa parisienne très chic que nous avions réservée pour un client très conservateur et où, ironiquement, seul du porno est normalement filmé. C’était génial – avec beaucoup de champagne.
Ma première rencontre avec Christian Louboutin a également été assez drôle. J’étais en route pour une réunion pour sa marque de chaussures, mais je n’ai pas trouvé l’adresse. Par hasard, j’ai repéré Christian dans la rue, alors je suis allé lui parler en riant et il m’a montré le chemin. Après cela, il m’a donné une totale liberté de création pour le projet.
Je n’oublierai jamais non plus mes séances photo à Moscou, à l’époque où la Russie était encore considérée comme le Far East. J’ai été payé en espèces car il n’y avait aucun moyen de transférer l’argent à ma banque. Mon agent m’a donné beaucoup de conseils au cas où je serais arrêté pour contrebande de devises. Mais elle a dit que si je suivais ses conseils, ce ne serait pas du tout un problème.
Comment vous préparer pour une composition de nature morte, par opposition à une séance avec un modèle vivant?
AZ: En raison de mon histoire professionnelle, je me suis longtemps concentré sur la mise en scène d’objets design comme des natures mortes. J’ai par la suite photographié des gens de la même manière, par exemple pour le Vogue italien: non pas comme des portraits, mais dans le cadre d’un décor précisément arrangé, dans une pose particulière que j’ai définie. Ce style a été façonné, d’une part, par ma démarche et mes croquis, mais aussi par mon équipement préféré à un moment donné : la maniabilité de l’appareil photo influe sur la spontanéité des images.
Aujourd’hui, j’aime photographier les gens avec un appareil photo 35 mm. En particulier, la vitesse de l’autofocus me permet d’adopter une approche complètement différente, beaucoup plus impulsive avec des compositions d’images plus dynamiques. Donc aujourd’hui je photographie les gens très différemment et je me prépare aussi différemment, laissant beaucoup plus de place aux moments spontanés.
Quoi qu’il en soit, j’essaie toujours d’insuffler de la magie dans mes photos. Ce petit quelque chose de spécial, si difficile à capturer et à peine prévisible, qui permet à une photo de se démarquer dans un océan d’images.
Vos dernières photographies ont été mélangées à des aspects de la peinture, les transformant en plus qu’une simple photographie. D’où viennent cette inspiration et cette idée?
AZ: Il est difficile de dire d’où viennent les inspirations. Je suis comme un aspirateur qui aspire tout et miraculeusement quelque chose de complètement différent sort plus tard. Les idées créatives ne peuvent pas être planifiées, mais sont généralement le résultat d’une réflexion persistante, parfois même d’un dessin persistant. La condition de base, cependant, est toujours un mode de vie inspirant et observateur avec beaucoup d’expériences différentes. Souvent, les idées me viennent lorsque je dors à moitié, donc mon iPhone est toujours à côté de moi et je peux les noter rapidement. La peinture et la photographie ont toujours été intimement liées et souvent des éléments de l’un ont été incorporés dans l’autre. L’avantage de la photographie appliquée est qu’il n’ya pas besoin de soutien intellectuel, comme dans l’art. Les images doivent simplement capturer l’esprit de notre époque.
Depuis bientôt cinq ans, vous créez également des photographies d’art sous le nom d’Armin Dietrich. Comment est-ce arrivé et comment les «deux Armins» s’entendent-ils?
AZ: Cela a commencé lorsque j’ai développé l’envie de faire quelque chose de nouveau, en dehors de la photographie appliquée. L’envie d’explorer la photographie en combinaison avec la peinture. Je ne m’imaginais pas dans une chambre noire, mais dans un studio lumineux et blanc. Je me suis initialement inspiré de Julian Schnabel, Andy Warhol et Robert Rauschenberg.
Afin de pouvoir me lancer dans ce défi créatif sans être dérangé, j’ai décidé d’utiliser mon deuxième prénom comme nom de famille: 100% moi et en même temps une nouvelle page vierge sans historique.
Mes premiers travaux ont utilisé des toiles transparentes en fibre de verre enduites de résines époxy. L’impression numérique photo et les collages de films colorés créent la sensation de diapositives géantes faites à la main. Cela ressemble à de l’alchimie. Les œuvres ont été présentées sur des châssis en bois. J’ai combiné la peinture avec la photographie de manière haptique; c’était quelque chose qui n’avait jamais été vu auparavant.
Aujourd’hui, je traite de manière plus transparente de mes deux directions créatives, avec les deux Armins. Ils s’inspirent mutuellement. La séparation a fonctionné pour moi et me donne la liberté dont j’ai besoin pour évoluer dans les deux cas.
En tant qu’Armin Dietrich, vous avez déjà créé et exposé trois séries passionnantes. Ils fusionnent la photographie et la peinture et incluent des éléments translucides, qui résultent ensemble d’un mélange toxique d’abstractionisme, d’objets figuratifs et d’art contemporain. De quoi parle la prochaine série?
AZ: Outre le thème particulier de mes œuvres, la transparence et la réflexion ont joué un rôle majeur dans mes précédentes séries. Cette fois, je mets la réflexion à l’honneur. De plus, les nouvelles œuvres ne seront plus transparentes. Le spectateur, qui a toujours fait partie de mes œuvres, attirera plus d’attention. Le reflet clair dans les œuvres permet au spectateur de devenir une partie intégrante de l’œuvre, ce qui confirme en même temps l’existence du spectateur. Les réflexions permettent aux spectateurs d’expérimenter leur être intérieur le plus profond et de s’immerger dans le monde que j’ai créé. Le thème principal de la série à venir est ce que la nature signifie pour nous, comment nous nous y comportons, ce que nous en faisons et ce qu’elle nous donne. Et, bien sûr, les œuvres portent également sur des parties de la nature qui n’existeront bientôt plus.
J’ai capturé les images de cette nouvelle série au Groenland. Ce fut un voyage incroyable et solitaire avec de longues randonnées et des promenades nocturnes en bateau au milieu des icebergs dans la mer. Pendant l’immobilité, interrompue par les bruits d’orage d’icebergs qui s’effondrent, d’eau ruisselante et de baleines remontant à la surface pour une bouffée d’air, de nombreuses photographies ont été prises; certains d’entre elles forment la base de mes nouveaux travaux.
Pour 2021, vous prévoyez d’ouvrir une superbe exposition personnelle dans votre nouvelle galerie à Singapour. Dites-nous en un peu plus.
AZ: Je dois avouer que Covid-19 signifie qu’il a fallu un certain temps pour la faire décoller, et que les dates d’exposition n’ont pas encore été fixées. Mais nous sommes en dialogue permanent à ce sujet.
Que conseillez-vous aux autres artistes qui souhaitent travailler à la fois dans la photographie commerciale et artistique?
AZ: Rétrospectivement, je pense qu’il était particulièrement important pour moi personnellement de me créer un nouvel espace détaché de mon travail commercial: un nouvel espace mental, ainsi qu’un nouvel emplacement physique. Au départ, j’utilisais mon atelier (que je n’appelle délibérément pas «studio») exclusivement pour mes projets artistiques. Aujourd’hui, je suis plus détendu à propos de tout cela. En fin de compte, il ne s’agit pas seulement d’expression de soi, mais aussi d’affaires. Et dans les deux cas, je suis d’accord avec Andy Warhol: «Être bon en affaires est le genre d’art le plus fascinant. Gagner de l’argent est un art et travailler est un art et les bonnes affaires sont le meilleur art. »
Plus d’informations sur Armin Zogbaum sur: https://arminzogbaum.com/
Suivez-le sur Instagram @arminzogbaum & @armindietrich
