J’ai rencontré Aino lors du vernissage de son exposition dans la salle de projet de la Fondation Helmut Newton et j’étais très curieuse d’en savoir plus sur son inspiration pour la série « Hotel Bogota », sa façon de préparer un projet à si long terme et sa façon de travailler en général. C’est donc avec d’autant plus de plaisir que nous partageons aujourd’hui avec vous notre conversation approfondie et minutieuse. Bonne lecture !
Nadine Dinter : Dans la plupart de vos séries photographiques, vous incarnez le personnage principal, même si les images que nous voyons de vous ne sont pas des autoportraits classiques ? Qu’en pensez-vous ?
Aino Kannisto : Mes photographies ne sont pas des autoportraits au sens traditionnel du terme, je ne me représente pas moi-même ni des situations réelles de ma vie. Au lieu de cela, je crée des personnages fictifs et les présente dans des scènes fictives. Cependant, mes photographies parlent bien sûr de moi, de mon monde intérieur et du paysage émotionnel qui s’y trouve.
Au début, avez-vous été inspiré par d’autres photographes ? Si oui, qui étaient vos idoles ?
AK : Au début des années 90, avant mes études de photographie, j’ai eu le privilège de voir certaines des œuvres de Francesca Woodman et aussi des photos de Sally Mann de ses enfants exposées en Finlande. C’était l’époque où Internet n’existait pas et où les billets d’avion n’étaient pas bon marché, et il n’était pas facile de voir des œuvres photographiques intéressantes et importantes. Les livres d’art étaient souvent le meilleur moyen d’avoir accès à l’art photographique.
La beauté sublime des portraits de ses enfants réalisés par Mann est depuis toujours ma principale source de référence pour restaurer ma foi en la photographie. La beauté spontanée et vaporeuse des photographies de Woodman, son intense productivité artistique, sa vie écourtée par la dépression – tout cela m’a profondément marqué en tant que jeune artiste faisant des premiers pas hésitants et prenant conscience de mes propres épisodes dépressifs persistants.
Au début de mes études, je suis tombée amoureuse de la beauté brutale des photographies de Nan Goldin, de sa manière d’utiliser la lumière et la couleur, de faire naître la beauté à partir de la vulnérabilité, des blessures et de la perte. Les premières œuvres de Cindy Sherman, ses photographies en noir et blanc d’elle-même jouant divers rôles, m’ont intriguée – son énorme succès commercial dans le monde de l’art m’a confortée dans l’idée qu’une approche aussi ludique et une imagerie féminine étaient acceptables, voire célébrées, dans un monde de l’art encore dominé par les hommes.
Les photographies voyeuristes et si belles de Diane Arbus, montrant les gens cachés de l’imagerie habituelle, et la manière dont Joel-Peter Witkin associe la beauté à des sujets extrêmement morbides m’ont fasciné. Ces deux œuvres ont prouvé qu’en art, il était possible de parler de n’importe quoi sans être rejeté tant qu’il y avait un certain niveau de perfection esthétique.
La beauté froide et composée des portraits d’Irving Penn et les photographies sauvages, imaginatives et même humoristiques d’Helmut Newton ont toutes deux prouvé qu’il y avait de la place pour des approches artistiquement ambitieuses et sans compromis en photographie dans un monde superficiel, capitaliste et commercial.
Dans la salle de projet de la Fondation Helmut Newton, nous voyons actuellement votre série « Hotel Bogota », photographiée en 2012/2013. Veuillez nous en dire plus sur la façon dont vous avez eu l’idée, comment vous avez planifié ce projet et quels rôles/personnages incarnez vous?
AK : L’idée de réaliser mon shooting à l’hôtel Bogota à Berlin m’est venue grâce à la longue amitié qui unit ma galeriste Susanne Breidenbach et Joachim Rissmann. Mme Breidenbach m’avait parlé de son magnifique hôtel avant de nous présenter l’un à l’autre à Paris Photo au début des années 2010. M. Rissmann m’a tout de suite invité à visiter son hôtel et à y séjourner gratuitement dans les chambres inoccupées afin de réaliser mon shooting dans les chambres de l’hôtel. C’était la proposition la plus généreuse et, artistiquement, la plus fructueuse de toute ma carrière.
Je suis immédiatement tombée amoureuse de l’atmosphère détendue, bohème et décadente de l’hôtel Bogota, du riche mélange de décennies et de styles superposés dans la décoration des chambres.
Comment vous préparez-vous pour une séance photo ? Comment travaillez-vous et avez-vous une routine particulière ?
AK : Le point de départ de la plupart de mes photographies est le lieu : soit je repère des lieux, soit je tombe par hasard sur des lieux ou des intérieurs qui correspondent à mon univers visuel intérieur.
Parfois, je trouve un morceau de tissu qui est le point de départ d’une image, puis il s’agit de trouver une place pour la robe ou le costume et de créer un personnage avec une coiffure qui convient au vêtement.
J’ai l’habitude de trimballer un énorme sac de vêtements et d’accessoires une sorte de garde-robe de théâtre du pauvre, lorsque je voyage ou que je me rends sur des lieux potentiels pour des séances photo. Après avoir décidé du lieu et de la scène, je commence à fouiller dans ma garde-robe.
Il est important pour moi de composer une scène visuellement intacte, où chaque détail et chaque nuance de couleur forment ensemble une entité où tout semble appartenir et être à sa place.
Je ne suis pas particulièrement douée pour le maquillage, mais j’ai toujours aimé le processus créatif consistant à alterner la réalité, à rehausser ou à dissimuler les choses avec du maquillage, des vêtements ou de la peinture. Dans ma vie quotidienne, cependant, je m’oriente vers le confort corporel, je suis très paresseuse lorsqu’il s’agit de m’habiller ou d’utiliser du maquillage ou des accessoires.
En général, je pose l’appareil photo sur un trépied, je compose soigneusement le cadre, j’ajoute éventuellement de la lumière artificielle combinée à la lumière existante. C’est comme une scène de théâtre pour moi. L’appareil photo reste immobile, la personne sur la photo peut bouger ici ou là avant que l’image finale ne soit terminée.
Dans les photos où je joue moi-même le rôle de protagoniste, j’ai un assistant qui se tient derrière l’appareil et qui appuie sur le déclencheur, généralement mon mari très patient ou un ami généreux avec qui je voyage.
Combien de temps a duré le projet et avez-vous travaillé seule ou en équipe ?
AK : Les photos de l’Hôtel Bogota ont été prises entre 2012 et 2013. Le calendrier du projet a été dicté par le pur hasard. Après avoir été invitée à venir photographier l’Hôtel Bogota à Berlin en novembre 2012, j’y ai effectué plusieurs séjours d’une semaine ou de deux semaines jusqu’à fin 2013 – lorsque l’hôtel a malheureusement fermé ses portes en raison d’une grande manœuvre immobilière – après quoi le bâtiment, selon moi, a été transformé en bureaux. J’en ai encore le cœur brisé. L’endroit était une telle corne d’abondance esthétique, un grand pays des merveilles visuelles, que j’aurais facilement pu continuer à y travailler pendant des années.
Ma petite équipe de travail intime était composée soit de mon mari, soit d’un généreux ami et collègue finlandais, qui s’est rendu à Berlin deux fois avec moi afin de m’aider dans les séances photo.
Votre collègue photographe Karen Stuke a également réalisé sa série d’autoportraits à cette époque. L’avez-vous rencontrée sur place ?
AK : J’ai rencontré Karen Stuke lors de notre vernissage commun à la Fondation Helmut Newton. Comme les vernissages sont souvent des situations socialement agitées et que je suis facilement dépassé par la foule, je n’ai pas vraiment réussi à parler avec Karen. J’ai cependant pris le temps d’étudier attentivement son travail exposé là-bas. J’ai trouvé l’exposition des photographies intérieures combinées à des cartes des itinéraires de sortie de secours très élégante et touchante.
J’aime le fait que tant d’autres photographes aient, au fil des décennies, organisé des séances photo dans les locaux de l’hôtel Bogota. Le savoir me rend moins triste de la fermeture de l’endroit.
Après avoir travaillé dans le domaine de l’autoportrait pendant plus de 20 ans, vous avez réalisé une série intitulée « Children Pictures », mettant en scène un groupe d’enfants jouant dans les bois et au bord d’un lac. Quel a été le moment déclencheur de cette nouvelle série et de ce nouveau sujet ?
AK : J’étais à un tournant de ma vie, je suivais des traitements de fertilité et je réfléchissais au sens de ma vie. Un cycle infructueux de FIV m’avait jetée dans des eaux troubles, j’essayais d’affronter la perspective de ne jamais devenir mère et de comprendre comment gérer la douleur que cela implique.
En même temps, j’avais dans ma vie un groupe d’enfants merveilleux, mes neveux, mes nièces et les enfants du précédent mariage de mon mari. J’ai ressenti le besoin de me concentrer sur ces enfants qui existaient déjà, de passer du temps avec eux, au lieu de me perdre complètement dans le chagrin et le sentiment de perte.
Commencer à faire des photos avec ces enfants, c’était pour moi combiner deux choses qui avaient le plus de sens dans ma vie : l’art et le fait d’être là pour ceux que l’on aime, de se connecter avec les autres à un niveau le plus immédiat et le plus profond.
Quel est votre prochain projet ?
AK : Je collectionne des matériaux et je planifie de nouvelles œuvres en combinant de vieilles photographies des archives de ma famille avec des objets trouvés dans les marchés aux puces, le genre de travail d’assemblage qui était populaire parmi les dadaïstes dans les années 1920 et que l’on trouve aujourd’hui en masse sur Pinterest. J’ai été très inspiré par les boîtes de Joseph Cornell depuis que j’ai vu ses assemblages au MOMA il y a 15 ans.
Votre conseil pour la jeune génération de photographes ?
AK : Faire de l’art peut vous apporter un pur sentiment de bonheur et de sens à la vie. Faites de votre mieux pour nourrir cela. Et gardez à l’esprit que cela n’a que très peu ou rien à voir avec le reste de ce que cela implique d’être une artiste professionnelle. Gérer les aspects inévitables et indésirables du monde de l’art et les difficultés financières liées au fait d’être une artiste peut être très décourageant et déprimant. Encore une fois, cela n’a rien à voir avec la raison pour laquelle l’art est important et pourquoi il est logique d’utiliser votre vie pour faire de l’art. L’art peut sauver des vies, la vôtre y compris.
Pour plus d’informations, consultez le compte Instagram de l’artiste @iknowainokannisto
Exposition actuelle :
« Hotel Bogota » – Aino Kannisto + Karen Stuke
Jusqu’au 16 février 2025, à la Project Room de la Fondation Helmut Newton, Berlin
