Il s’agit du seizième volet de la série en ligne de la Peter Fetterman Gallery intitulée The Power of Photography mettant en évidence l’espoir, la paix et l’amour dans le monde. Nous vous invitons à apprécier et prendre le temps de la réflexion sur ces œuvres.
Thurston Hopkins (1913-2014)
Keeping Warm, Islington, London, 1950
© Estate of Thurston Hopkins/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Le rêve de Thurston Hopkin était de travailler pour Picture Post, l’équivalent britannique de Life Magazine. C’était comme un rite de passage pour rejoindre leurs rangs.
Comme Thurston me l’a dit une fois, alors qu’il marchait dans les rues de Londres pour faire du reportage pour d’autres missions, il a rencontré de nombreux chats sans abri suite aux bombardements de la guerre. Il a proposé à son rédacteur en chef de faire un article sur « Les Chats de Londres. » Le rédacteur a accepté et Thurston est parti les trouver. Beaucoup de ces animaux errants sont restés sur les sites des bombes, et ont survécu grâce aux restes donnés par les voisins amicaux. À cette époque, même les chats «domestiques» normaux qui avaient une maison aimante passaient beaucoup de temps dans la rue. les propriétaires allaient se coucher et les portes pour chats n’existaient pas à l’époque, donc même les chatons qui avaient des maisons étaient toujours des chats des rues d’abord et des chats domestiques ensuite.
Les rues ont changé, les voitures ont bien sûr changé, mais les chats sont les seules choses qui n’ont pas changé depuis 70 ans. Le titre alternatif de cette image est « Purr-Fect Parking ». N’aimez-vous pas ce trait d’esprit anglais?
Pentti Sammallahti (b. 1950)
Lake Numazawa, Fukushima, Japan, 2005
© Pentti Sammallahti/Courtesy Peter Fetterman Gallery
“Numakawa Lake, Japan” est l’une des photographies les plus éthérées, tranquilles et obsédantes de Sammallahti. Une grande majorité de l’image se compose du noir solide et brillant des arbres, mais derrière l’obscurité brille un lac argenté, parsemé de dizaines de petits oiseaux. Cette photographie m’a toujours rappelé la photographie emblématique d’Edward Steichen “The Pond – Moonlight, 1904.”
La photographie de Sammallahti du lac Numakawa, au Japon, mérite d’être considérée comme l’un de ses chefs-d’œuvre – une photographie qui incarne pleinement la vision artistique la plus exemplaire et la plus raffinée d’un photographe.
Herman Leonard (1923-2010)
Charlie « Bird » Parker with Metronome All Stars, New York City, 1949
© Estate of Herman Leonard/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Il n’y avait personne comme Charlie Parker dans l’histoire du jazz. À 11 ans, il commençait à jouer du saxophone. À 20 ans, il était l’un des grands pionniers de toutes les «règles» précédemment respectées et menait une révolution dans le jazz moderne. À 34 ans, il était mort d’années d’abus de drogue et d’alcool. C’était une sorte de personnage à la Jackson Pollock. Le saxophone de Bird était son pinceau. Ils ont tous deux innové et tous deux étaient émotionnellement inadaptés à une célébrité intense.
Herman était le chroniqueur clé de ce genre musical. Il a pris les photographies les plus emblématiques de tous les acteurs clés, Duke Ellington, Billie Holliday, Lester Young, Dizzy Gillespie, Ella Fitzgerald, Frank Sinatra, Tony Bennett. Il vivait à la Nouvelle-Orléans lorsque l’ouragan Katrina a frappé et a perdu ses archives complètes de 8000 tirages lors de la catastrophe. Heureusement, ses négatifs étaient entreposés au Ogden Museum of Southern Art et il a déménagé à Los Angeles pour être près de sa famille.
Nous avons commencé à travailler encore plus étroitement avec lui quand il était ici. C’était un homme grand, élégant et gracieux. Incroyablement humble malgré ses énormes réalisations.
Il n’a jamais opté pour le cliché évident, mais a abordé ses sujets avec empathie et intelligence. Personne n’a mieux capturé l’âme du jazz comme en témoigne ici son portrait subtil de Parker et de ses collègues musiciens lors d’une session d’enregistrement. Un chef d’oeuvre en création.
Avec Herman, vous avez toujours entendu avec vos yeux. Et comme Parker l’a dit une fois, « Si vous ne le vivez pas, il ne sortira pas de votre saxo. »
Steve Schapiro (b. 1934)
Rosa Parks, The Selma March, 1965
© Steve Schapiro/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Le 1er décembre 1955 à Montgomery, Alabama, Rosa Parks, une couturière qui après une longue journée de travail sur le chemin du retour dans son bus habituel, a rejeté l’ordre du chauffeur de bus James F. Blake de céder son siège dans la section “colored” à un passager blanc après que la section «White’s Only» ait été remplie, a été arrêtée et inculpée.
Ce seul acte de défi a changé le cours de l’histoire. Elle est devenue un modèle de courage face à l’injustice raciale et a lancé une révolution pour la liberté qui s’est répandue dans le monde entier.
Comme elle l’a dit avec éloquence,
“J’aimerais que l’on se souvienne de moi comme d’une personne qui voulait être libre… pour que d’autres personnes soient également libres.”
Henry Gilpin (United States, B. 1922 – 2011)
Highway 1, Big Sur, CA, 1963
© Estate of Henry Gilpin/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Quand je pense à la légendaire Pacific Coast Highway 1, l’image mentale qui me vient à l’esprit est toujours celle de l’incroyable photographie de Henry Gilpin de la côte à Big Sur. J’ai vu des centaines de photographies exceptionnelles le long de la route 1, mais aucune n’est plus vivante et percutante que celle de Gilpin. Cette image est vraiment la meilleure photographie réalisée sur la Highway 1 à Big Sur. C’est la représentation parfaite de l’attachement de Gilpin à l’inimitable côte californienne.
La route serpentine argentée se faufile sur les crêtes brumeuses et ombragées de la côte de Big Sur, tandis que le soleil brille sur la mer agitée en contrebas. Il n’y a aucun personnage ni véhicule le long de la chaussée. En ce moment rare, la route est à vous.
La carrière photographique d’Henry Gilpin s’étend sur près de quatre décennies. Tout au long des années 1970, il a enseigné aux côtés d’Ansel Adams lors des ateliers Yosemite d’Adams, en plus d’avoir une carrière d’enseignant de photographie au Monterey Peninsula College pendant 37 ans. Surprenant pour beaucoup de gens, Gilpin a également passé 25 ans avec le département du Sherriff du comté de Monterey, prenant sa retraite en 1976 en tant que Capitaine. Il a consacré le reste de sa vie à sa famille, à l’enseignement et à la photographie.
Sarah Moon (b. 1941)
La Ralentie, 2011
© Sarah Moon/Courtesy Peter Fetterman Gallery
La hantise n’est pas un mot que j’utilise à la légère lorsque je pense ou que j’écris sur une photographie. Mais avec cette image, c’est le mot le plus approprié qui me vient à l’esprit. Depuis le jour où j’ai vu cette image pour la première fois, c’est ce qui s’est passé. Elle évoque un grand roman dont je ne peux m’empêcher de penser au personnage central. Son histoire m’enveloppe, son passé, son avenir. Je sens que je la connais, je me sens connecté avec elle. J’ai besoin d’avoir de ses nouvelles.
C’est le monde que Sarah crée. Un monde profondément ressenti et romantique sorti d’un roman de Thomas Hardy ou Tolstoï.
Arnold Newman (1918-2006)
Igor Stravinsky, New York City, 1946
© Estate of Arnold Newman/Courtesy Peter Fetterman Gallery
S’il y a jamais eu une photographie «parfaite», c’est peut-être bien celle-ci. C’est l’image la plus célèbre d’Arnold et il est facile de comprendre pourquoi. Il y capture l’essence de la personne qu’il photographie. Même si vous ne saviez pas qui était Igor Stravinsky, vous supposeriez qu’il était pianiste ou compositeur ou les deux. Il était dans son élément ou comme l’ont dit les historiens de la photo son « Environnement. » La façon dont le dessus du piano reflète une note de musique. Cet homme n’est pas un pilote de ligne faisant une petite pause sur un tabouret de piano. La musique est la vie de cet homme. Il imite même le couvercle du piano surélevé avec son coude plié et sa main à son visage. Le couvercle du piano reflète en effet toutes les notes qui coulent autour de la tête du compositeur. Newman, par son propre génie, compose la photo de la même manière que Stravinsky compose la musique.
Beaucoup de grands photographes portraitistes n’ont pour la plupart jamais quitté leurs studios. Mais Arnold avait une curiosité intense et voulait sortir dans le monde et découvrir comment vivaient ses sujets. Cela convenait à sa personnalité agitée. Il pouvait vous casser les oreilles à coup sûr comme il le faisait souvent mais cela faisait partie de son charme. Il était également plein d’autodérisions comme vous pouvez le glaner dans sa célèbre boutade, digne de George Bernard Shaw ou d’Oscar Wilde –
“La photographie, c’est 1% de talent et 99% bouger des meubles.”
Ansel Adams (United States, b. 1902-1984)
Still Life, San Francisco, 1932
© Ansel Adams Publishing Rights Trust/ Courtesy Peter Fetterman Gallery
Bien sûr, Ansel est surtout connu pour ses représentations épiques et majestueuses de l’Ouest américain immaculé. Mais un grand artiste est un grand artiste et il n’a pas fait exception à cela en ce sens qu’il pouvait aborder n’importe quel sujet et en faire quelque chose de spécial.
J’imagine que son talent était en partie dû à sa formation précoce et à son désir très tôt d’exceller en tant que pianiste de concert. Comment arriver à Carnegie Hall? Pratique, pratique, pratique. Ansel, lorsqu’il a décidé que la vie itinérante d’un interprète et la «politique» du monde de la musique n’étaient finalement pas pour lui, a réorienté ses intérêts vers la photographie. C’était un véritable autodidacte et un artiste photographique qui n’a jamais perdu la discipline de toujours améliorer son art.
On se demande comment un simple agencement d’objets communs peut se transformer en quelque chose d’aussi beau et même majestueux que l’est cette impression physique. Il a abordé cette «scène» comme un exercice de composition et d’application des sources lumineuses disponibles. Sa maîtrise technique permanente était légendaire. Même nombre de ses grands contemporains comme Edward Weston, Paul Strand et Wynn Bullock lui ont demandé son avis sur des questions techniques.
Oui, il était dans une classe à part.
Paul Caponigro(b. 1932)
Galaxy Apple, New York City, 1964
© Paul Caponigro/Courtesy Peter Fetterman Gallery
J’ai toujours considéré cette photographie de “Apple, New York 1964” de Paul Caponigro comme son chef-d’œuvre de “Starry Night”. La photographie est un moyen d’enregistrement d’informations visuelles, mais parfois, l’appareil photo va au-delà de la simple vue de ce que l’œil humain peut voir et une photographie transcende le sujet, créant ainsi quelque chose d’étonnement nouveau. Caponigro a toujours eu un moyen d’accéder à cette «autre dimension» dans ses photographies. Ses images atteignent l’inconnu et l’invisible.
À la première vue de cette photographie, on ne peut s’empêcher de penser que c’est une vue d’une galaxie d’étoiles. Même après une inspection minutieuse, lorsque votre œil peut détecter visuellement les contours de la pomme, l’impression de la galaxie persiste. Le macrocosme et le microcosme sont considérés comme un.
“Mes années les plus difficiles ont été de vivre à New York. J’en ai eu une bonne dose, deux ans à lutter contre les cafards dans l’appartement et le chaos des camions de pompiers et des sirènes de police toute la nuit. C’était comme faire deux ans dans l’armée, une période de service, disons. Je photographiais à peine et si je le faisais, je ne pouvais pas sortir dans la rue. Je ne voulais pas être là, surtout avec un trépied. Alors, j’ai apporté des fruits et légumes dans l’appartement et j’ai fini par faire la pomme cosmique. The Galaxy Apple. “
– Paul Caponigro
Raymond Cauchetier (1920 – 2021)
Jean-Paul Belmondo and Jean Seberg off-set on the Champs Elysees « À Bout De Souffle », 1959
© Estate of Raymond Cauchetier/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Je pense que j’ai passé une grande partie de ma jeunesse dans une pièce sombre à regarder des films. C’était une évasion et un désir pour une vie différente comme celle de l’enfant dans «Cinema Paradiso». Mes deux salles de prédilection étaient l’Academy Cinema sur Oxford Street à Londres (disparu depuis longtemps) et le British Film Institute Cinema sur la rive sud près de Waterloo ( toujours là heureusement) .Elles sont devenues mes universités.Je me suis spécialisé en cinéma du monde!
La Nouvelle Vague française a été l’une de mes périodes préférées, Godard, Chabrol, Varda, Demy et surtout Truffaut étaient mes héros. Projection dans le temps. J’ai revisité cette image et je suis parti à la recherche de son créateur, Raymond Cauchetier. Pour une raison quelconque, il a fallu beaucoup de temps pour le trouver, pas de coordonnées, pas de courrier électronique. etc. Je l’ai finalement localisé grâce au célèbre directeur de la photographie John Bailey qui le connaissait et lors de mon voyage à Paris suivant, nous nous sommes arrangés pour nous rencontrer, aidés par sa merveilleuse épouse Kaoru. Raymond vivait toujours au 5e étage sans ascenseur où il est né. Pas d’ascenseur. Je suis arrivé à leur porte, pardonnez le jeu de mots «à bout de souffle».
C’était un merveilleux rendez-vous. Les trésors de Raymond étaient stockés dans des boîtes depuis plus de 40 ans, sans jamais vraiment voir la lumière du jour. Ce qui rendait ces images si spéciales, c’est qu’elles n’étaient pas les photos publicitaires habituelles des films. Il avait photographié la réalisation réelle des films et des acteurs sur et en dehors du plateau. Raymond avait réalisé sa propre «mise en scène» et nous a livré son regard neuf sur ce qui se dévoilait sous ses yeux pour être préservé par sa caméra, la période clé de l’histoire du médium.
Comme le dit Raymond,
«Je n’ai pas pu obtenir une photo précise de la scène que Goddard venait de tourner. J’ai donc demandé à Belmondo et Seberg de marcher jusqu’au bout des Champs-Elysées où le trottoir était encore désert et de rejouer la scène rien que pour moi. Ils ont très gentiment accepté. »
Et c’est devenu sa photographie la plus célèbre et l’image de ce film fondateur dont nous nous souvenons tous avec affection.
Peter Fetterman Gallery
2525 Michigan Ave, #A1
Santa Monica, CA 90404
