Il s’agit du quinzième volet de la série en ligne de la Peter Fetterman Gallery intitulée The Power of Photography mettant en évidence l’espoir, la paix et l’amour dans le monde. Nous vous invitons à apprécier et prendre le temps de la réflexion sur ces œuvres.
Ruth Bernhard (1905-2006)
Lifesavers, 1930
© Estate of Ruth Bernhard, Princeton University/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Ruth Bernhard a déménagé de Berlin à New York en 1927 à l’invitation de son père, Lucian Bernhard, qui était un graphiste connu. Le premier emploi de Ruth à New York a été assistante dans la chambre noire de Ralph Steiner. Elle n’aimait pas le travail et l’a bientôt abandonné. Avec 90 $ d’indemnité de départ, elle a acheté sa première caméra 8×10 en 1929.
La première photographie sérieuse de Bernhard fut Lifesavers en 1930. On peut clairement discerner sur cette photographie l’influence visuelle de New York à la fin des années 1920 et les mouvements art déco et surréalistes de cette époque. Bernhard s’est simplement rappelé être allé dans une boutique Woolworths et avoir acheté des choses à photographier à la maison. La photographie des pastilles Lifesavers, a-t-elle dit, a été inspirée par le trafic intense sur la Cinquième Avenue.
Lifesavers a rapidement suscité l’intérêt du directeur artistique de Vogue, le Dr M.F. Agha, et il a organisé sa publication en 1931, ce qui en a fait la première image publiée de Bernhard.
De sa toute première photographie à sa dernière, de ses natures mortes à ses nus féminins emblématiques, Ruth avait une vision très claire de chaque image qu’elle créait. Ruth ne «prendrait» jamais de photo, mais plutôt elle «ferait» une photographie. Elle était une créatrice et une artiste dans tous les sens du terme.
Arthur Leipzig (1918-2014)
Chalk Games, New York City, 1950
© Estate of Arthur Leipzig/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Arthur a pris cette image, l’une de ses plus importantes, à Prospect Place à Brooklyn. Il était un produit de la Photo League, un groupe de photographes idéalistes qui voulaient tous utiliser le médium de la photographie pour rendre le monde meilleur. Ils étaient tous concernés par la justice sociale. La plupart étaient les enfants d’immigrants de la classe ouvrière comme l’était Arthur.
Son travail est plein de chaleur et d’émotion et à l’époque, les rues étaient le seul endroit où les enfants pouvaient échapper à leur environnement exigu et restreint. Arthur savait que New York était tout le temps comme un théâtre. Il se passait toujours quelque chose et il voulait en faire partie.
Arnold Newman (1918-2006)
Otto Frank, father of Anne Frank, Anne Frank House, Amsterdam, The Netherland, 1960
© Estate of Arnold Newman/Courtesy Peter Fetterman Gallery
J’ai apprécié une relation étroite avec Arnold. Il aimait parler, «bavard» était peut-être le mot le plus approprié. Mais il avait de belles histoires à raconter et il m’a toujours donné un bon aperçu des nombreux artistes qu’il avait connus et que j’admirais, souvent lors d’un déjeuner au «Café des Artistes», son restaurant préféré à New York, idéalement situé dans l’immeuble où il vivait J’ai eu tellement de respect pour son travail.
Un jour, il m’a appelé et m’a dit qu’il devait donner une conférence à San Diego au Musée d’art qui montait une grande exposition sur lui. S’il venait d’abord me voir à Santa Monica, est-ce que je le conduirais là-bas et m’assurerais que tout se passe bien? Donc, pendant quelques jours, je suis devenu son chauffeur, roadie, garde du corps, «gardien» et protecteur de ses multiples fans. J’étais heureux de le faire car je savais que j’écouterai encore plus d’histoires sur ses illustres modèles et sur la vie …
Cela a toujours été l’un de ses portraits les plus marquants pour moi. Arnold était en vacances aux Pays-Bas en 1960. Le rédacteur en chef du magazine Look l’appelle et le supplie d’aller à l’inauguration de la Maison d’Anne Frank et d’obtenir un portrait d’Otto Frank, le père survivant d’Anne qui avait travaillé si dur pour rendre hommage à sa fille. Arnold accepte d’interrompre ses vacances mais Otto Frank refuse que son portrait soit pris, l’occasion étant si émouvante pour lui. Arnold persiste et finalement ses pouvoirs de persuasion et de charme et ses références l’emportent et Otto Frank accepte à contrecœur. Mais ça ne fonctionne pas. Arnold demande à Otto de l’accompagner seul au grenier où la famille s’est cachée en secret pendant la guerre jusqu’à ce qu’ils soient arrêtés et envoyés dans les camps. Otto était le seul survivant. Ils montent ensemble au grenier mais cela ne fonctionne toujours pas. Soudain, les cloches de l’église sur lesquelles Anne a écrit dans son journal commencent à sonner et Otto, encore plus ému, s’appuie contre les poutres de soutien perdues dans ses pensées et Arnold prend la photo.
Il m’a dit qu’après, les deux se sont juste étreints et ont pleuré ensemble pendant plusieurs minutes.
Brian Hamill (b. 1946)
John Lennon, The Dakota, NYC, 1975
© Brian Hamill/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Il est difficile d’imaginer que John Lennon aurait eu 80 ans le 8 décembre s’il n’avait pas été assassiné il y a quarante ans. La pensée qu’il n’avait que 40 ans quand il est mort est tellement décevante et triste.
Pour les gens de ma génération, il était tellement un symbole emblématique de notre propre idéalisme et de nos rêves. Sa présence et sa musique nous ont parlé. Sa vulnérabilité faisait écho à la nôtre.
La belle image de Brian prise sur le toit du Dakota le 25 février 1975 n’est pas seulement un poème d’amour pour cette âme spéciale, mais aussi un poème d’amour pour la ville de New York qui est devenue un refuge et une maison pour l’esprit agité de Lennon comme elle a abrité tant d’esprits créatifs qui, volontairement ou involontairement, ont fini par y vivre et y être nourris dans l’espoir de trouver une certaine stabilité dans leur vie mouvementée.
L’épingle Elvis que Lennon porte sur le revers de sa veste me donne l’image. John a toujours reconnu l’inspiration d’Elvis comme l’une des raisons pour lesquelles il voulait devenir un rockeur.
Je ne peux pas imaginer ne pas pouvoir écouter la musique de Lennon et ne jamais cesser de me demander ce qu’il aurait accompli d’autre s’il était encore en vie …
Comme le dit Brian,
«Il était authentique. Il était sincère. Il était équilibré. C’était un type debout.
Steve Schapiro (b. 1934)
Satchel Paige’s Hands, 1962
© Steve Schapiro/Courtesy Peter Fetterman Gallery
J’ai vu des adultes pleurer devant cette photographie.
J’adore les images calmes qui racontent des histoires complexes, c’est le cas de ce «portrait» de Steve Shapiro de Satchel Paige sauf que ce n’est pas un portrait au sens traditionnel du terme. Vous ne voyez pas son visage. Ce n’est pas seulement une photographie d’une paire de mains. Ce sont les mains de Satchel Paige, qui appartenaient probablement au plus grand lanceur de l’histoire du baseball. Mais c’est aussi une image clé des droits civiques car la vie de Paige est liée à l’histoire du mouvement des droits civiques. Et d’ailleurs l’histoire américaine dans son ensemble. Refusé dans les ligues majeures en raison de sa race, il a commencé sa carrière professionnelle dans les ligues nègres en 1926. Sa vie n’a pas été facile, né dans une famille pauvre de 12 enfants, il a réussi à gagner sa vie en jouant partout où il pouvait participer. Il est rapidement devenu le showman le plus célèbre de cette ligue en raison de son talent naturel, de son autodiscipline et de son dévouement. Il a été une énorme attraction pour les fans blancs et noirs. Mais après tous les éloges qui lui ont été accordés par ses fans blancs à la fin d’un match, il y avait encore des endroits où il ne pouvait pas manger ou des hôtels où il n’était pas autorisé à dormir. Il a finalement pénétré dans les ligues majeures en tant que rookie à 42 ans après l’ouverture de la voie par Jackie Robinson et il a finalement été intronisé au Temple de la renommée du baseball en 1971, mais cela a pris tant d’années. Son histoire est à la fois inspirante et déchirante et tout aussi importante à méditer aujourd’hui.
Joe DiMaggio l’a appelé: «Le meilleur que j’ai jamais affronté et le plus rapide», et Paige a admis: «Je n’ai jamais eu de travail, j’ai juste toujours joué au baseball.»
Don Worth (1924-2009)
Coleus, San Francisco, CA, 1975 (Printed 1980
© Estate of Don Worth/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Comme tant de photographes au cours du siècle dernier, Don Worth a trouvé son chemin dans la photographie en découvrant le travail d’Ansel Adams. Au début des années 1950, sa rencontre avec Adams n’a fait que consolider davantage sa carrière de photographe. Worth est devenu l’assistant personnel d’Ansel en 1956 jusqu’en 1960. Les deux ont maintenu une amitié étroite jusqu’à la mort d’Adams en 1984. Comme beaucoup de disciples d’Adams, Don s’est mis à photographier le paysage naturel, mais il a trouvé sa vraie passion dans son travail quand il a tourné son appareil photo vers les détails les plus intimes des plantes.
Ayant grandi dans une petite ferme de l’Iowa, Worth cultivait des plantes exotiques à l’âge de dix ans. Ses expériences d’enfance ont façonné sa sensibilité artistique et son amour précoce pour l’horticulture exotique. Plus tard dans la vie, la maison de Don à Mill Valley, en Californie, deviendra une oasis botanique florissante d’un demi-acre. Ses jardins personnels lui ont servi de retraite privée et est au centre de centaines de ses photographies.
Les photographies de Don ont une clarté incisive et une ambiance calme et méditative. Ses photographies sont un départ au-delà du monde des apparences normales et nous transportent dans une harmonie réfléchie avec la nature que seul Worth pouvait révéler avec son appareil photo.
Andre Kertész (1894-1985)
Underwater Swimmer, 1917 (Printed 1970’s)
© Estate of Andre Kertész/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Il s’agit probablement du premier chef-d’œuvre de Kertesz et d’un exemple de la grandeur à venir.
Né en Hongrie, il a été enrôlé dans l’armée en 1914 et a été blessé en Pologne en 1916. La blessure par balle à son bras droit l’a laissé partiellement paralysé et a exigé qu’il subisse une thérapie physique quotidienne qui comprenait la natation. En regardant ses camarades, il remarqua les déformations de l’eau et le jeu de la lumière du soleil qui changeait constamment.
Je dois toujours me rappeler, à ma grande surprise, que cette image a été prise en 1917. On dirait qu’elle aurait pu être prise hier, elle est au-delà du modernisme et a la tension abstraite d’une figure apparemment immobile mais sur le point de bouger.
Il y a plusieurs années, le merveilleux David Hockney a visité la galerie. Comme nous le savons, il a également pris de nombreuses photos il connait bien la photographie et est imprégné d’histoire de l’art. Underwater Swimmer était accroché au mur et je n’ai pas pu résister à la tentation de dire poliment: «Je sais que vous connaissez cette image, n’est-ce pas?» Comme j’en suis sûr, consciemment ou inconsciemment, elle a dû influencer ses célèbres peintures de piscines californiennes. Il avait un sourire comme un chat d’Alice au Pays des Merveilles.
Cela me rappelle la célèbre citation qui a été attribuée à l’origine à Picasso,
«Les bons artistes empruntent. Les grands artistes volent.
Hannes Kilian (1909-1999)
Piccadilly Circus, London, 1955 (Printed 1950’s)
© Estate of Hannes Kilian/Peter Fetterman Gallery
Je n’étais pas tombé sur le travail de Hannes Kilian avant de découvrir cette extraordinaire gravure vintage de ma ville natale. J’ai découvert qu’il était un photojournaliste allemand indépendant qui avait travaillé pour de grandes publications comme Time, Picture Post, Stern et Vogue. C’est ce qui est si incroyable dans la collection de photographies, vous n’arrêtez jamais d’apprendre et de découvrir des choses.
Plus tard, il s’est spécialisé dans la photographie de danse et ses images spéciales du Ballet de Stuttgart ont rendu cette compagnie de ballet célèbre dans le monde entier. Mais cette image de Piccadilly Circus dans les années 50 m’a bouleversé. Bien sûr, ce jeune homme au centre de l’image aurait pu être moi car c’était un endroit que je fréquentais souvent et sa position de rêver et de regarder les lumières brillantes était celle que j’ai souvent eu … eh bien disons juste pour discuter c’est moi.
C’est l’une des plus belles photos de Londres que j’aie jamais vues. J’étais heureux d’en voir une copie lors d’une exposition à la Tate Britain il y a quelques années intitulée «Another London» où elle figurait également sur la dernière de couverture du catalogue.
Cecil Beaton (1904-1980)
Charles James Dresses, 1948
© Estate of Cecil Beaton, Southeby’s Archives/Courtesy Peter Fetterman Gallery
Cecil Beaton était un véritable homme de la Renaissance – écrivain, chroniqueur, dramaturge, peintre, illustrateur, scénographe, costumier, dandy et pas des moindres un des grands photographes du XXe siècle.
C’est l’une de ses plus belles photographies. Le 1er juin 1948, neuf mannequins, dont la grande Carmen Dell’Orefice (toujours en activité à 89 ans!) Et Dorian Leigh, se sont réunis chez French and Co., le célèbre antiquaire de Park Avenue pour avoir leur photographie prise parée dans les robes exquises de Charles James. James était peut-être le créateur le plus vénéré de sa génération, qui avait impressionné ses homologues européens comme Dior et Balenciaga. Chaque vêtement qu’il produisait était considéré comme une œuvre d’art. James et Beaton s’étaient rencontrés pour la première fois à l’école de Harrow en Angleterre.
Imaginez à quel point il était difficile de chorégraphier et d’éclairer neuf modèles et d’en tirer neuf «performances» distinctes pour créer un récit cohérent. Très peu de photographes avaient l’expérience et le génie pour y parvenir, mais en est sortie l’une des images les plus importantes de l’histoire de la photographie de mode.
L’esprit vif de Beaton était parfois comparable à celui d’Oscar Wilde. Comme Cecil l’a dit un jour,
«Ce qui est vraiment à la mode est au-delà de la mode.»
Bruce Davidson (b. 1933)
Brooklyn Gang (Cathy by cigarette machine), 1959
© Bruce Davidson/Courtesy Peter Fetterman Gallery
J’ai un grand respect pour les photojournalistes comme Henri Cartier-Bresson, W.Eugene Smith, Sebastião Salgado et Bruce Davidson qui consacrent une grande partie de leur vie à raconter une histoire en vivant avec leurs sujets pendant une longue période avant de prendre une seule photo. , afin de comprendre vraiment en profondeur l’histoire qu’ils nous racontent.
Tel est le cas de la série «Brooklyn Gang» de Bruce. Il n’avait que 25 ans à l’époque, un gamin maigre qui s’est mêlé à eux et a été accepté comme l’un de leurs pairs. Il a capturé leur mode de vie, leurs problèmes, leurs insécurités, leur douleur. Toute angoisse chez les adolescents est universelle. Ne nous souvenons-nous pas tous de la nôtre lorsque nous essayions de savoir qui nous étions et où nous allions?
J’adore la «fraîcheur» de cette image. Cathy, un clone de Brigitte Bardot, se peignant les cheveux. Le garçon qui ressemble à James Dean, retrousse la manche de son T-shirt en cherchant un paquet de cigarettes, ils trainent à Coney Island, leur refuge temporaire …
Comme Bruce l’a souligné, ces jeunes venaient d’environnements difficiles avec très peu de soutien social ou de compréhension et il s’en est rendu compte au début de sa carrière avec ce puissant reportage photo qui semble aussi frais aujourd’hui que le jour où il a été fait,
«Tout le monde a besoin d’être vu. Rien ne les a accueillais sauf mon appareil photo.
Peter Fetterman Gallery
2525 Michigan Ave, #A1
Santa Monica, CA 90404
