Cet automne, le Pavillon Populaire consacre sa nouvelle exposition aux photographes de « L’École de New York ». Avec THE NEW YORK SCHOOL SHOW, il s’agit de présenter, pour la première fois en Europe, un projet spécifiquement consacré à ce mouvement considéré comme une véritable révolution visuelle.
S’il est une ville qui est associée consubstantiellement au développement de la photographie américaine, c’est bien New York. Entre les années 1930 et la fin des années 1960, vivent et travaillent dans la métropole américaine un groupe de photographes affiliés à ce que l’on a appelé l’École de New York, mouvement artistique pluridisciplinaire qui correspond au renouveau de la vie artistique américaine après la Seconde Guerre mondiale.
De Bruce Davidson à Louis Faurer, en passant par Robert Frank ou Saul Leiter, Don Donaghy, David Vestal et quelques autres, ces photographes impulsent une liberté de prise de vue nouvelle et une stylistique de la photographie de rue qui viendront radicalement changer l’approche documentaire des faits sociaux, tablant sur une nouvelle vision subjective du décor urbain, à mille lieues de l’École humaniste européenne.
Voici le texte d’intention de Howard Greenberg, Commissaire d’exposition et Directeur de la Galerie Howard Greenberg à New York.
« La New York School habite mon âme
J’ai grandi dans les rues de Brooklyn, dans l’abondance des années cinquante, et j’étais adolescent lorsque Kennedy a été assassiné. Ce qui comptait, ce n’était pas de quelle partie de New York on venait, que ce soit du Bronx, de Brooklyn ou de Manhattan. Ce qui comptait, c’était votre expérience, vécue à travers le prisme de vos origines, de votre quartier… Et tous les points communs que nous partagions si facilement à l’époque. C’était une époque plus simple et compréhensive que ce qui nous attendait dans les années soixante. Devenir photographe en 1970 m’a donné l’opportunité de revisiter ma jeunesse à bien des égards. Et je suis donc devenu photographe de rue, du moins dans la forme.
Il n’y avait pas de New York School, mais des photographes, Frank, Klein, Faurer, Levinstein, Grossman et Davidson pour ne nommer qu’eux, dont les images m’ont montré ce qu’on pouvait faire avec un appareil photo, de la pellicule et une chambre noire. Et, alors que je découvrais le formalisme impeccable des modernistes, chez Weston ou Adams par exemple, et les expérimentations avant-gardistes des Européens, Moholy et Man Ray notamment, j’intériorisais également le mordant, le musc, l’humanisme profond de ces jeunes immigrants qui surent s’adapter pour survivre, vivre et prospérer dans les rues de New York. C’était mon monde qu’ils habitaient. Je comprenais leurs préoccupations et leurs choix. Je comprenais le pourquoi de leurs images. Et puis j’ai compris comment une photographie pouvait donner du sens bien au- delà de son sujet, un sens à la fois émotionnel et visuel.
Ce qui nous amène à la série d’expositions conçues et préparées par Jane Livingston à la Corcoran School of Art de Washington. Je me souviens avoir pensé « Haha ! Quelqu’un comprend. » Voilà une personne qui se rend compte qu’il y a eu un lieu, une période et une communauté, qu’on ne pouvait qu’appeler la New York School. Et enfin une publication, une bible, en quelque sorte. L’ouvrage de Jane, qui explique les diverses influences à l’origine de ce type de photographie véridique, expressive et personnelle, fondamentalement humaine, et pratiquée par un groupe de photographes non alignés, aux préoccupations et aux origines étrangement similaires. Jane m’a contacté et m’a présenté Saul Leiter, m’a mené à Ted Croner, a partagé ma foi en Sid Grossman et m’a raconté mille anecdotes sur Donaghy, Faurer et les autres. Mes yeux découvraient soudain, comme pour la première fois, ce qui était en effet un mouvement. Rien de tout ça n’avait été conçu ou prévu comme tel. Comme tout mouvement, il est né de l’enchevêtrement complexe de différents facteurs : la Photo League, les cours d’Alexey Brodovitch, l’influence de Walker Evans et Ben Shahn, l’ouverture d’esprit d’Edward Steichen, prêt à afficher de jeunes photographes sur les murs du MoMA, les magazines et la liberté de créer dans un environnement sans guerre ou oppression.
L’impetus de la New York School découle aussi des progrès technologiques de Kodak et d’autres fabricants de pellicules et papiers photographiques. En photographie, l’esthétique et l’art ont toujours été le résultat du mariage de la technologie et de la créativité. Après la Seconde Guerre mondiale, les films Tri-X et ASA 400 arrivèrent sur le marché. Et concrètement, cela voulait dire qu’on pouvait prendre une photo dans la rue, de nuit ou dans une salle de cinéma sombre, même à la lumière d’une seule ampoule.
Il faudrait probablement pousser le développement et utiliser une vitesse d’obturation d’un quinzième de seconde. Ce qui signifiait également qu’il faudrait accepter et composer avec des images avec un certain grain et un manque de netteté. Ceux que nous rattachons à la New York School ont adopté ces nouvelles possibilités et les défauts qui les accompagnaient. Ils utilisaient simplement leurs outils afin de trouver de nouvelles façons de produire des images. Regardez ces photos. Vous y trouverez un langage particulièrement bien adapté à leurs explorations de la condition humaine. Vous pouvez voir comme ils ont repoussé les limites de la photographie pour mieux comprendre, mais aussi pour poser de nouvelles questions, chercher qui nous sommes et de quoi nous sommes faits.
Et je me suis donc rendu compte que ce que nous appelons la New York School, c’est quelque chose qui me fait me sentir chez moi. Cela fait partie de mon ADN, de mon âme. Et au fil des années, j’ai également réalisé que ce nouveau langage photographique, créé par ces photographes du milieu du siècle, est universel. C’est un langage que nous comprenons tous, lorsque nous trouvons et acceptons le sens de leur œuvre. Pourquoi et comment… ? Je crois que c’est l’élément humain. Les photographies et le style de leur réalisation expriment parfaitement une empathie et une compassion universelle pour ce qui se trouve devant l’objectif. Et cela sans verser dans le sentimentalisme ou le dogmatisme. Ils prenaient des risques, d’une façon très personnelle. Ils nous provoquent tout en nous accueillant. Ils posent des questions et offrent des réponses. Ils nous font ressentir leurs images et les personnes qui les habitent. Ils nous invitent à vivre le lieu, avec leur confrontation, leur réflexion, leurs exagérations et le poids de l’humanité. Ce sont de grandes âmes… »
Howard Greenberg
Commissaire d’exposition
Directeur de la Galerie Howard Greenberg à New York
« THE NEW YORK SCHOOL SHOW. Les photographes de l’École de New York, 1935-1965 »
Du 7 octobre 2020 au 10 janvier 2021
Pavillon Populaire
Espace d’art photographique de la Ville de Montpellier
Esplanade Charles-de-Gaulle, Montpellier
https://www.montpellier.fr/506-les-expos-du-pavillon-populaire-a-montpellier.htm
