Le point culminant du programme public de Paris Photo cette année est une exposition des œuvres de l’un des photographes américains les plus importants et certainement les plus individuels de l’après-guerre, Larry Fink (1941 – 2023). Sensual Empathy, l’exposition est organisée par Lucy Sante et présenté par MUUS Collection.
MUUS Collection a acquis le domaine Larry Fink plus tôt dans l’année et l’équipe en est encore aux tout premiers stades de la maîtrise de tout son contenu, comme l’explique le fondateur et propriétaire Michael W. Sonnenfeldt : « Larry Fink a conservé ses vastes archives dans divers endroits. dans sa ferme de Martins Creek en Pennsylvanie. Nous avons affaire à une quantité énorme de matériel. Pour vous donner une idée de la taille, il a fallu trois camions de 9 metres pour ramasser tous les cartons.
MUUS Collection est désormais connue du public de Paris Photo. Elle a présenté sa première exposition à la foire en 2021, Deborah Turbeville : Passeport, avec des œuvres exhumées du domaine. Elle a été suivie en 2022 par une exposition des premiers travaux de Rosalind Fox Solomon, et l’année dernière, MUUS Collection a présenté une sélection d’images de Fred W. McDarrah sur la lutte pour les droits LBGTQ+, à commencer par le soulèvement de Stonewall Inn à New York en 1969. Ailleurs, Muus présente des expositions au salon de la photographie de l’AIPAD, ainsi que dans des musées et des galeries du monde entier.
L’histoire de la collection MUUS est fascinante, comme le révèle ma conversation avec Michael W. Sonnenfeldt. Plus tard, j’ai parlé à Richard Grosbard de sa contribution à la collection.
Sonnenfeldt décrit le modus operandi de MUUS Collection comme « vraiment unique ». Ces dernières années, la collection s’est exclusivement concentrée sur l’acquisition de domaines et d’archives entières, ce que la plupart des musées et des collections évitent précisément, car cela nécessite de l’espace, des investissements et surtout un réel engagement.
En dehors du monde de la photographie, Michael W. Sonnenfeldt mène une longue carrière d’entrepreneur, d’investisseur et de philanthrope. Au cours des 25 dernières années, il a été impliqué dans de nombreuses organisations à but non lucratif axées sur l’environnement et le changement climatique, la sécurité nationale, la paix au Moyen-Orient, le maintien de la paix internationale et les relations entre les États-Unis et l’ONU.
MUUS Collection a été officiellement fondée en 2013. Elle venait d’ouvrir sa propre installation à Tenafly. Mais l’histoire de l’implication de Sonnefeldt dans la photographie commence bien plus tôt. Alors qu’il était étudiant au MIT, il suit un cours avec la photographe Melissa Shook, une expérience qui aura une profonde influence sur sa façon de voir la photographie. Plus tard, lorsque son fils était à l’Université de Princeton, Sonnenfeldt a travaillé comme photographe pour son équipe sportive.
En 1989, il acquiert un important album d’images de Jérusalem, prises par le photographe écossais James Graham entre 1853 et 1857, dont il fait don au Musée d’Israël en 2005. Cela marque les débuts de Sonnenfeldt qui acquiert des moments charnières de l’histoire capturés par la photographie.
En 2008, il a commencé à acquérir de grands portfolios, bientôt suivis par des oeuvres complètes. J’ai demandé à Sonnenfeldt s’il avait, dans ces premières années, une idée claire de la manière dont il souhaitait que MUUS Collection reprenne les archives américaines.
Michael W. Sonnenfeldt : Absolument pas ! C’était une passion qui s’est transformée en une idée. Chaque fois que nous faisions une acquisition, nous avions l’impression de saisir une opportunité unique : de découvrir un filon d’or. À ce stade précoce, nous n’avions aucun moyen de savoir ce que signifiait même prendre en charge une succession. Il nous a fallu une décennie pour avoir une idée précise de la complexité du problème. Plus un domaine est complexe, plus il répond à notre mission. Nous avons le courage et, franchement, l’enthousiasme qu’il faut pour travailler avec ces domaines.
Avant de commencer à acquérir des domaines, vous acquériez des portfolios.
MWS : Parfois, un artiste se tourne vers un collectionneur pour l’aider et peut vendre 100 ou 1 000 tableaux pour une raison quelconque. Ce que nous avons réalisé en rassemblant ces portfolios, c’est qu’ils ne donnaient toujours pas une image d’une carrière complète. Il y a très peu de hasard dans un portfolio car un artiste prend des œuvres et en extrait ensuite. Vous obtenez une sélection. C’est très différent de l’acquisition d’un domaine entier, comme nous venons de le faire avec Larry Fink. Beaucoup de ces boîtes n’auront peut-être pas été ouvertes depuis 10, 20 ou 30 ans, et il nous faudra des années pour évaluer de quoi il s’agit.
Les musées et autres institutions trouvent problématiques des archives entières. Cela nécessitent beaucoup d’espace de stockage, de conservation et de recherche.
MWS : C’est une tâche ardue, et très peu de collections, privées ou institutionnelles, ont la capacité ou la volonté d’entreprendre de tels projets. Nous disposons d’un personnel important, d’une grande installation, des ressources et de la perspective à long terme dont nous avons besoin pour gérer une succession. Lorsque nous acquérons un domaine, il nous faut cinq à dix ans pour révéler, examiner, numériser, cataloguer, rechercher et présenter des œuvres que le public actuel ignore ou, dans de nombreux cas, qu’aucun public ne connaît. L’artiste a peut-être travaillé sur une œuvre mais n’a jamais eu l’occasion de la montrer au public. Avoir accès à l’ensemble d’un domaine donne aux chercheurs accès à un corpus d’œuvres qu’ils n’auraient pas autrement. L’héritage des photographes les plus célèbres, comme Richard Avedon, est assuré par des fondations, mais il y a tant d’autres grands photographes qui n’ont pas reçu leur dû. Lorsqu’ils commencent à réfléchir à leur héritage, ils découvrent qu’il n’y a pas d’abri pour toutes les archives. De nombreux domaines sont détruits ou malheureusement jetés. Si une institution les accepte, le matériel est souvent classé dans des boîtes, entreposé quelque part et oublié, peut-être pour ne plus jamais être revu.
S’approprier un domaine entier signale une volonté d’explorer en profondeur le travail d’un photographe.
MWS : L’une de nos images les plus célèbres est l’image d’Elvis Presley d’Alfred Wertheimer de 1956, The Kiss. Il y a beaucoup à apprendre de cette seule image, mais Wertheimer a pris environ 10 photographies de ce moment et la séquence montre les méthodes de travail de l’artiste et le processus de choix de l’image finale. Vous pourriez rédiger une thèse sur des photographies choisies, mais vous ne pouvez même pas commencer la recherche avant d’avoir vu l’intégralité de la série. Ce n’est que lorsque vous disposez d’un patrimoine que vous pouvez faire ce genre d’analyse critique que les universitaires aiment faire lorsqu’ils viennent dans nos locaux pour examiner le travail d’un artiste.
L’acquisition de domaines entiers est différente de l’achat d’un grand groupe de tirages.
MWS : Une acquisition typique peut prendre un à deux ans pour être négociée. Il y a une transition très difficile qui se produit avec les héritiers d’un photographe, quant à savoir quoi faire de l’héritage de leur mère, père, mari, épouse ou ami. Les vendeurs sont partagés entre vouloir faire ce qu’il y a de mieux pour l’héritage de leur proche et ne pas savoir quoi en faire. Pour eux, on peut avoir l’impression que chaque œuvre est une pièce d’or, mais ce n’est pas ainsi que cela fonctionne. Nous avons renoncé à négocier des successions à plusieurs reprises. Quelque chose ne vaut que ce qu’un acheteur peut se permettre de payer ou est prêt à payer et ce pour quoi un vendeur est prêt à vendre. Parfois, l’écart est tout simplement trop grand. Parce que nous sommes une collection, les gens font toutes sortes d’hypothèses sur nos ressources et sur ce que nous pouvons nous permettre. Nous devons acheter à un prix qui nous permet d’investir une somme d’argent importante dans l’étude, les ressources, la recherche, les émissions, les documentaires et les livres que nous réalisons. C’est très difficile de faire toutes ces choses, mais nous avons le privilège de disposer des ressources nécessaires pour tout garantir. La partie la plus importante de ce que nous faisons est que nous prenons aussi au sérieux que possible est la confiance qui nous est accordée en assumant l’œuvre de toute une vie d’artiste.
Vous vous concentrez exclusivement sur les successions de photographes américains. Au fur et à mesure que la notoriété de MUUS Collection s’est développée, êtes-vous désormais de plus en plus contacté par des photographes ou leurs héritiers à la recherche d’un domicile permanent pour leur succession ?
MWS : Nous le sommes ! Je pense que la plus grande fierté de nos réalisations est peut-être que nous avons maintenant des enfants, des héritiers et des conjoints de certains grands photographes fantastiques qui viennent nous voir et nous disent : « Vous devez acquérir la succession de ma mère, de mon père, de ma sœur, de mon frère ! », parce qu’ils ont vu ce que nous avons fait avec Deborah Turbeville et les autres domaines. Cela dit, nous ne pouvons acquérir un domaine que tous les deux ou trois ans, car nous cherchons à créer un groupe d’artistes cohérent et nous avons des considérations d’espace et de personnel.
MUUS Collection ne dispose pas de son propre espace d’exposition. Au lieu de cela, vous avez choisi de collaborer avec des foires et des musées du monde entier. Cela semble avoir très bien fonctionné pour vous.
MWS : C’est effectivement le cas. Nous avons débuté à Paris Photo en 2021, puis nous avons établi une présence au salon The Photography Show de l’AIPAD et nous présentons des expositions dans des musées du monde entier. Cette année, ce sont 12 expositions itinérantes, dont l’exposition Deborah Turbeville : Photocollage qui a débuté à Photo Elysée à Lausanne, a voyagé à la Huis Marseille et vient d’ouvrir début octobre à The Photographers’ Gallery à Londres. La collection MUUS existe au sein d’un écosystème de grands musées et foires de photographie. Nous voulons travailler avec les musées, les soutenir et absorber leur expertise. Pour rendre l’œuvre accessible à un nouveau public, nous réalisons à quel point ces collaborations ont été importantes pour nous et nos partenaires.
Pouvez-vous me parler des installations de Tenafly et de la taille de la collection ?
MWS : La taille de l’installation est d’environ 500 m2 et nous disposons d’un espace de stockage supplémentaire. Cela répond aux mêmes normes que n’importe quelle archive institutionnelle de premier ordre dans le monde, avec contrôle de la température, suppression des incendies, stockage et récupération des données. Avant l’arrivée de la succession Larry Fink, nous avions un peu plus de 500 000 œuvres dans la collection. À l’heure actuelle, nous agrandissons les installations pour intégrer les archives de Larry et nous devons construire des rayonnages supplémentaires dotés de systèmes de contrôle de la température. Même si nous n’avons pas d’espace d’exposition public, nous disposons d’une belle salle d’exposition pouvant accueillir une douzaine de personnes à la fois, qu’il s’agisse de chercheurs, de conservateurs ou d’autres visiteurs. Nous avons une formidable équipe de 8 personnes, dont deux basées en Europe.
La première fois que vous avez exposé à Paris Photo, c’était en 2021 lorsque vous présentiez l’exposition Passeport de Deborah Turbeville. Les gens sont venus du monde entier juste pour la voir. Les expositions que vous avez montrées ailleurs sur son travail ont également été remplies. Avez-vous été surpris par les réactions ?
MWS : Le domaine Deborah Turbeville a été acquis après que Richard Grosbard nous a rejoint en 2020. Nous collectionnions des choses très intéressantes avant l’arrivée de Richard, mais je n’avais pas l’œil que Richard apportait à ma vision. Lorsqu’il est allé voir les archives de Deborah Turbeville, il en est revenu très enthousiasmé. Je ne l’avais peut-être pas entièrement compris à l’époque, car je pensais à une autre partie de notre processus. Richard avait absolument raison à propos des archives et cela a très bien fonctionné. Nous venons de publier un livre sur son travail mexicain en collaboration avec Louis Vuitton. Si vous possédez l’intégralité des archives, l’œuvre mexicaine peut sembler une note de bas de page, mais avec un nouvel objectif, vous obtenez tout d’un coup un livre fantastique. Turbeville occupe une place unique dans notre collection car elle a vécu à la fois dans le monde de la réalité et dans le monde fantastique, d’une manière différente de celle de tous nos autres artistes.
Après ma conversation avec Sonnenfeldt, j’ai parlé à Richard Grosbard, conseiller de la collection MUUS et directeur consultant des archives Deborah Turbeville. Grosbard est un collectionneur de chefs-d’œuvre de la photographie depuis 50 ans. Grâce à sa longue amitié avec Rosalind Fox Solomon, Grosbard a pu acquérir sa collection pour MUUS ; de même, c’est Grosbard qui a franchi les premières étapes importantes du processus qui a conduit à l’acquisition du domaine de Larry Fink. Je lui ai demandé comment tout cela était arrivé.
Richard Grosbard : La première fois que j’ai rencontré Larry Fink, c’était en novembre 2022. Je lui avais été présenté par le galeriste Julian Sander, basé à Cologne. Je suis allé voir Larry et sa femme Martha Posner dans leur ferme de Martins Creek. Larry a conservé ses étonnantes archives dans plusieurs endroits de la propriété, dans des studios et des granges. C’était absolument intimidant de voir la quantité de matériel et de voir à quel point tout cela était incroyable. Ensuite, j’ai parlé à Michael et lui ai dit que la collection était définitivement quelque chose que nous devrions acquérir. Nous avons entamé des négociations avec Larry et Martha, mais Larry est tombé très malade en 2023 et est malheureusement décédé le 25 novembre de la même année.
Nous étions très conscients du chagrin de Martha et voulions lui donner le temps de réfléchir à ce qu’elle voulait faire avec les archives. J’ai ensuite travaillé avec Martha pendant les six mois suivants pour essayer de trouver un moyen de collaborer avec MUUS Collection. Il y avait beaucoup de problèmes à résoudre, y compris certaines publications et expositions en préparation. Martha m’a dit que Larry avait voulu que ses archives soient transférées à MUUS Collection, alors elle voulait vraiment que cela se réalise. Grâce aux compétences de négociation de Michael, nous avons pu nous réunir en juin de cette année.
Quel est le thème de l’exposition à Paris Photo ?
RG : L’exposition s’intitule Sensual Empathy, les deux mots que Larry utilisait souvent pour décrire son propre travail. Il est organisé par Lucy Sante. Elle et Larry étaient de très bons amis. Ils ont tous deux enseigné au Bard College pendant de nombreuses années. Lucy était amoureuse du travail de Larry et ils ont développé une relation très solide. L’exposition fait suite au livre que Powerhouse publie, Larry Fink: Hands On/A Passionate Life of Looking. Lucy a décidé de se concentrer sur les thèmes dominants du travail de Larry. La pièce maîtresse de l’exposition est une carte postale représentant une image de Fink que Lucy aimait et a toujours gardée ; nous le montrons à côté de la photographie originale. Nous sommes fiers de travailler avec Yolanda Cuomo sur la conception de l’exposition car elle a également travaillé sur le livre de Powerhouse. Nous remercions également Peter Barberie, conservateur des photographies au Philadelphia Museum of Art, qui a conseillé notre équipe lors du développement de l’exposition.
L’exposition comprendra bien plus que des photographies, je comprends.
RG : Les images sont présentées en lien avec sa poésie. Les gens considèrent Larry comme un photographe, mais en plus d’être un poète, il était musicien et peintre, ce qui a contribué à son travail. Il a exploré les arts. Il jouait du piano et de l’harmonica. En fait, il jouait de l’harmonica et parlait tout au long de notre première rencontre. C’était tout simplement fantastique de voir le genre de personnage qu’il était.
Il a eu une éducation inhabituelle. Ses parents étaient de gauche, issus d’un milieu marxiste mais jouissaient également d’un style de vie glamour, avec de grandes fêtes et de belles voitures. Il se décrit souvent comme « un marxiste de Long Island ».
RG : Larry était socialiste et rebelle depuis le début, mais il n’était pas un marxiste pur et dur. Il était plutôt ce que j’appellerais dans le monde politique du type de Woody Guthrie. Il n’était certainement pas anti-américain.
Fink a pris ses premières photos à l’âge de 13 ans. Ses parents l’emmenaient dans des clubs de jazz et il a photographié de nombreux grands noms, dont Billie Holiday et Coleman Hawkins. Quand et comment la photographie est-elle devenue un métier pour lui ?
RG : Les parents de Larry l’ont envoyé dans une université de l’Iowa. Cela n’a pas duré longtemps et il a abandonné au bout de huit mois. Il s’est installé dans l’East Village à New York où il a rencontré et photographié tous les célèbres Beats. Ils ont eu une grande influence sur lui. Sa carrière de photographe professionnel s’est déroulée de manière détournée. Larry et quelques amis de l’East Village ont décidé d’aller au Mexique pour acheter de la drogue. Ils sont partis et, de retour aux États-Unis, ils se sont fait arrêter. Ce n’est pas surprenant puisque la personne qui leur avait vendu la drogue en avait informé la police. Larry a été mis en liberté conditionnelle et, de retour à New York, son agent de libération conditionnelle lui a dit qu’il était temps pour lui de se redresser. L’agent de probation s’est rendu compte que Larry était un photographe talentueux et lui a suggéré de se concentrer sur sa photographie. Larry a suivi ses conseils. La photographie l’a sauvé.
Il a enseigné pendant la majeure partie de sa carrière. À la fin des années 60, un de ses étudiants de la Parsons School of Design l’initie à la haute société new-yorkaise, lui permettant de photographier des bals et des soirées mondaines. Il n’est ni le premier ni le dernier à photographier ce monde, mais il l’a fait à sa manière.
RG : Sa technique était définitivement spéciale. Il a éloigné le flash de l’appareil photo pour que la lumière rebondisse de toutes sortes de manières étranges et crée ces ombres longues et incroyables. Les images étaient aussi un peu désorientantes, dans le sens où on ne sait pas d’où vient la lumière. Larry a passé beaucoup de temps à étudier l’art dans les livres et les musées. Il y avait des peintures partout dans sa maison. Lorsque je l’ai rencontré pour la première fois, il m’a dit que le Caravage était l’une de ses plus grandes influences. « Quand vous regardez mes photographies, vous pouvez voir les effets de clair-obscur, la lumière et les ombres profondes et longues, tout comme le Caravage. » Sa mise en valeur des sujets permet au spectateur de regarder ses sujets de manière à ce que vous les voyiez tels qu’ils sont.
En 1973, lui et sa première épouse, l’artiste Joan Snyder, ont déménagé dans une ferme à Martins Creek. Ayant besoin d’une tondeuse à gazon, il s’est rendu dans un magasin local appartenant à la famille Sabatine. Il se lie rapidement d’amitié avec eux et utilise la même technique du clair-obscur lorsqu’il les photographie.
RG : Il y avait une grande affection entre Larry et la famille Sabatine et ils sont devenus très proches. Il a photographié leur vie quotidienne, leurs mariages, leurs anniversaires, leurs baptêmes et leurs vacances. Certaines de ses images les plus importantes proviennent de cette série. Il était capable de se connecter avec tout le monde, qu’il s’agisse de ses voisins, des agriculteurs ou des membres de la haute société, car Larry avait une grande empathie pour l’humanité.
Ses photographies ont atteint un public plus large en 1979 lorsque le MoMA a présenté une exposition personnelle, Social Graces, qui a été transformée en livre en 1984. Elle montrait deux mondes très différents, la haute société et la famille Sabatine. La différence de modes de vie entre ces deux mondes est évidente. Y a-t-il des choses qui les unissent dans la façon dont il regardait l’humanité en général ?
RG : Je pense que cela revient aux propres mots de Larry : empathie sensuelle. Il savait qui étaient les gens, s’ils faisaient partie de la haute société ou s’ils travaillaient dans une ferme. Il était capable de couper à travers le vernis quotidien et de voir ce qui se passait devant lui. Comment les gens interagissaient, comment leurs yeux bougeaient. Il était conscient du drame qui se produisait dans ces situations. Il a créé un éclairage de scène qui capturait les gens de manière dramatique afin qu’ils paraissent plus grands que nature. En tant que spectateur, vous avez l’impression de les voir jouer sur scène. Il a fait tout cela avec empathie et sans déférence, et c’est ce qui différencie son travail des autres photographes. Il a enregistré ce qui se passait dans toutes les parties de notre société. Il a capturé des moments qui ont permis au spectateur d’apporter sa propre lecture des images devant lui.
Larry Fink a produit de nombreuses autres séries, comme la série sur la boxe et les images des gens qui fréquentaient la Factory d’Andy Warhol.
RG : La série sur la boxe contient son travail fondateur qui est très énergique. Cela est dû à l’amour de Larry pour le sport de la boxe. Cela montrait la dureté, la difficulté, la souffrance et la vie punitive des boxeurs d’une manière que personne avant lui n’avait fait. Ses photographies d’Andy Warhol Factory sont un autre exemple montrant la capacité de Larry à accéder à toutes les différentes parties de la société. Il est intéressant de comparer les images de Larry avec les portraits d’Avedon de la Factory. Larry a fait quelque chose de différent. Il a exploré leurs âmes, contrairement à Avedon qui alignait les individus dans une formation statique. C’était Larry ! Depuis l’acquisition du domaine, de nombreuses personnes sont venues nous voir pour partager des histoires sur la façon dont Larry a fait quelque chose pour eux, les a aidés ou a dit ceci ou cela. Il était excentrique et très drôle et il aimait jouer sur scène. Quand vous étiez devant lui, vous étiez son public. Une fois qu’il avait trouvé ce qui vous intéressait, il devenait très sérieux et entamait une discussion approfondie avec vous.
Parallèlement à son travail personnel et commercial, pour le New York Times, Vanity Fair et d’autres publications, il fut également un éducateur important. Nous avons mentionné la Parsons School of Design mais il a également enseigné à l’Université de Yale, à Cooper Union, à l’Université de New York et au Bard College. Avez-vous découvert l’un de ses supports pédagogiques ?
RG : Nous savons que Larry a bien sûr donné des conférences et a probablement pris de nombreuses notes, mais pour l’instant, en raison de l’énormité des archives, nous essayons toujours de retrouver toutes les pièces de cet énorme puzzle. Ce que le public connaît de Larry, ce sont ses images célèbres, mais MUUS Collection s’efforce de montrer les nombreuses autres facettes de cette personne étonnante. En ce moment, nous travaillons à mettre de l’ordre dans ces archives, afin de pouvoir raconter une histoire plus vaste sur Larry, sa vie et son travail.
Qu’avez-vous prévu d’autre pour MUUS Collection à ce stade ?
RG : Notre mission principale est de représenter, préserver et mettre en valeur les domaines qui nous ont été confiés. Parallèlement, MUUS Collection recherche davantage d’opportunités pour présenter ces archives à travers des musées et des galeries. Nous envisageons également d’acquérir davantage d’archives qui parlent de notre merveilleuse équipe d’artistes. Nous réfléchissons constamment à des façons nouvelles et créatives d’organiser ces superbes collections. Un bon exemple en serait notre collaboration avec Paulina Olowska, une artiste polonaise représentée par Pace Gallery. Comme moi, elle croit fermement que la photographie est une forme d’art qui peut interagir avec d’autres médiums. Elle considère Deborah Turbeville comme sa muse. Quand j’ai rencontré Paulina il y a deux ans à Mexico, à la galerie Kurimanzutto. Elle avait créé une série de peintures murales inspirées de Turbeville et son exposition a fait sensation dans le monde de l’art mexicain. MUUS était fier de fournir certaines des photographies de Turbeville et des documents éphémères associés qui ont été présentés en conjonction avec le travail de Paulina. Notre nouvel objectif chez MUUS Collection est de créer davantage de publications et de lancer un programme documentaire. Nous sommes fiers qu’un certain nombre de doctorants aient commencé des thèses sur nos artistes. Notre collaboration avec eux leur a permis de publier leurs travaux. Tous ces efforts n’auraient pas été possibles sans la générosité et l’engagement de Michael Sonnenfeldt. Michael et moi partageons la conviction que la photographie est une pierre de touche universelle. Nous sommes ravis chez MUUS Collection de partager ces collections extraordinaires avec de nouveaux publics.
Michael Diemar
Cet article a été publié pour la première fois dans le numéro 12 de The Classic, un magazine imprimé et numérique sur la photographie classique. Vous pouvez télécharger tous les numéros gratuitement ici, https://theclassicphotomag.com
