La baie de Biscayne scintillait alors que je traversais MacArthur Causeway pour pour aller voir Untitled à Miami Beach. Deux rameurs glissant sur l’eau dans la direction opposée. Ce sont ces journées fraîches et ensoleillées de décembre qui attirent les habitants du Nord à la recherche d’un répit contre le froid.
Après être entré dans la tente et être tombée sur une amie, Nuria Richardson (fondatrice de Clandestina), la conversation autour de l’histoire et des frontières a continué de résonner à travers le travail de trois artistes présentés sur le stand de la Catharine Clark Gallery de San Francisco.
Anton Stubner, le directeur de la galerie donne un aperçu précieux des œuvres photographiques.
CYJO : Pouvez-vous parler de la photographie de Borrando la Frontera (Effacer la frontière) d’Ana Teresa Fernández ?
Anton : Ana est née au Mexique et est maintenant basée à San Francisco. Ce projet a commencé en 2011 quand Ana s’est rendue au mur de la frontière séparant Tijuana et San Diego. C’était à un moment où l’administration Obama avait mis fin à un programme de visites dominicales pour les familles de l’autre côté de la frontière. Lorsque cela a été fermé, Ana est descendue à Tijuana et au mur frontalier. Et elle a essayé d’imaginer à quoi cela ressemblerait d’effacer le mur de frontière et d’en découper une partie, pour littéralement «faire tomber le ciel», comme elle l’a dit. Alors elle, dans sa robe de tango, est venue avec une échelle et a procédé à l’effacement d’une section de plusieurs pieds du mur de la frontière en la peignant en bleu poudré. C’est la 10e année du projet. Cela a donc été un point culminant important pour elle de réfléchir à la façon dont ces questions concernant l’immigration, la politique frontalière et, comme elle le dit, « tracer une ligne » sont plus répandues que jamais.
Images : 27, 28
CYJO : Et qu’en est-il du projet photo de Nina Katchadourian Sorted Books ?
Anton : Nina est née à Palo Alto mais partage son temps entre Brooklyn et Berlin. Depuis 1993, alors qu’elle sortait tout juste de ses études supérieures, elle a créé ce vaste corpus d’œuvres. Dans ce projet, elle est invitée dans les bibliothèques de collections spéciales et retire certains titres des étagères, les empile pour que vous puissiez lire les titres sur les dos dans l’ordre presque comme s’il s’agissait d’un poème découpé. Elle voit dans chacune de ces piles de livres un portrait des particularités de ces différentes bibliothèques.
Plus tôt ce printemps, elle a été invitée par le musée Noguchi à passer du temps avec la bibliothèque personnelle du sculpteur Isamu Noguchi. Ainsi, chacune des photos de livres provient de sa collection et sont des livres qui reflètent ses intérêts et ses valeurs. Chacune de ces photos qu’elle considère comme étant un portrait de Noguchi. C’est une artiste qui utilise souvent l’humour et l’esprit visuel pour poser des questions plus profondes sur les systèmes d’ordonnancement, sur les systèmes de connaissances.
Image : 29
CYJO : Il y a aussi des pièces captivantes basées sur des photos de Stephanie Syjuco.
Anton : Oui. Stephanie est membre titulaire du corps professoral de l’Université de Californie à Berkeley. Elle est née à Manille, mais vit dans la région de la baie depuis qu’elle est toute petite. Une grande partie de son travail a récemment porté sur les archives et leur lien avec la construction de l’identité des iles Philippines et des Philippins.
Le projet que nous montrons est issu d’un corpus d’œuvres appelé Native Resolution. Résolution native est un titre qui fait référence à la qualité native d’un fichier image. Ce travail va aussi à l’encontre de l’idée d’archives et de pour qui nos archives sont construites. Et à ce qui survivra?
Elle a été invitée aux archives du Smithsonian en tant que récipiendaire de la bourse de recherche pour artistes 2019. Et elle s’est occupée des archives du Musée national d’histoire américaine, du Musée national d’histoire naturelle et des galeries Freer et Sackler, qui possèdent les principales collections d’art asiatique et asiatique américain au sein du Smithsonian. Lorsqu’elle était dans chacune de ces collections, elle a utilisé les termes de recherche Philippines et Philippin pour essayer de voir quel type de matériel elle rencontrerait. Et beaucoup de ce qu’elle a vu était très raciste et avait des relations compliquées avec l’histoire du colonialisme.
Elle est venue avec la perspective que lorsqu’une archive est construite sans penser à votre corps, et lorsqu’une archive reflète certaines valeurs liées à l’histoire du colonialisme, comment prenez-vous ces matériaux, les recombinez-vous et trouvez-vous de nouveaux récits en leur sein ? Ainsi, elle a photographié tous ces objets et a décidé de les organiser dans des collages de photos complexes assemblés à la main, en les recombinant d’une manière qui vous demande de réfléchir non seulement aux limites d’une archive, mais aussi à la façon dont vous pouvez changer le matériel que vous trouvez. dans une archive.
Image : 30
CYJO : Les images émiettées de Stéphanie de l’autre côté du mur semblent très chargées de l’acte d’écrasement.
Anton : Oui. Ce projet s’appelle Afterimages. En 2019, Stéphanie travaillait également sur une grande exposition personnelle au Musée d’art contemporain de Saint-Louis. À cette époque, elle faisait des recherches pour la Missouri Historical Society et est tombée sur des cartes de visite de l’Exposition universelle de St. Louis de 1904. Pour donner un peu de contexte, 1902 marque la fin de la guerre américano-philippine lorsque les Philippines tentaient d’affirmer leur indépendance. Le département américain de la Guerre réprima l’indépendance et plusieurs milliers de Philippins furent anéantis. Deux ans plus tard, le département de la guerre amenèrent 1 000 personnes des Philippines à St. Louis pour peupler une étendue de 100 acres qui devint la pièce maîtresse de l’Exposition universelle de St. Louis de 1904. C’était censé être une exposition vivante sur la vie « authentique » des Philippins.
Stéphanie a travaillé avec un maître imprimeur à San Francisco pour traduire ces images en photogravures sur cuivre. Elle les a imprimés sur du papier de mûrier japonais qui est très résistant mais a une qualité de tissu. Et à ce moment-là, elle réfléchissait à comment intervenir avec ces images racistes très chargées. C’était à peu près à l’époque où les meurtres à Atlanta ont eu lieu, lorsque les crimes haineux contre les asiatiques ont eu lieu cette année. Et elle essayait de comprendre comment canaliser cette profonde tristesse et cette colère face à ce qui se passait. Elle a commencé à froisser, plier et déchirer ces empreintes. Bien qu’une qualité textuelle captivante se dégage, elle veut dénier à ces images racistes leur pouvoir. Elle veut amener les spectateurs à se poser des questions sur la façon dont nous sommes impliqués dans le regard d’un autre et comment pouvons-nous arrêter cela ? Une grande partie de ce qu’elle pose dans ce travail sont ces questions fondamentales sur la façon dont nous traitons les ambiguïtés, les complexités de notre histoire commune ? Et comment trouver une nouvelle voie à suivre ?
Image : 31, 32, 33
En sortant, je suis passée devant un stand qui était soigneusement organisé. Et après avoir jeté un coup d’œil, je n’ai pas été surpris de voir Frances Trombly à l’intérieur avec Dimensions Variable (DV). Le travail qu’ils exposent est pertinent et fait partie de la conversation de notre époque. Dimensions Variable est une galerie d’artistes basée à Miami, fondée en 2009 par Leyden Rodriguez-Casanova et elle-même. Ils continuent d’exposer et de soutenir les œuvres fascinantes de plusieurs artistes et ont contribué à amplifier les voix artistiques de cette ville. Nous avons discuté de ce qui rend les galeries gérées par des artistes uniques et pourquoi elles sont importantes.
Frances : Lorsque nous avons lancé Dimensions Variable, c’était principalement pour défendre les artistes. Donc, nous sommes dirigés par des artistes. Nous regardons beaucoup de petites galeries, et beaucoup sont en difficulté. Nous parlons avec eux, travaillons avec eux et leur demandons : « Comment allez vous ? » Et notre modèle, qui est différent, nous donne la possibilité d’obtenir du financement et du soutien d’organisations à but non lucratif afin que les artistes puissent avoir le soutien financier dont ils ont besoin. Nous pouvons leur offrir une allocation pour leur travail grâce à des subventions. Nous sommes très conscients de qui nous soutenons parce que certaines des personnes que nous avons soutenues ont été choisies par de grandes galeries et institutions, parce qu’elles regardent.
Nous nous représentons nous-mêmes avec nos propres projets au milieu de tout cela. (Ses mains se dirigent vers le reste de la tente.) En présentant ici, nous sommes le changement. Car qui mieux que nous-mêmes pour parler de notre propre travail ? Être une galerie gérée par des artistes qui ne suit pas les modèles de vente conventionnels signifie que tout notre travail n’est pas nécessairement soutenu par le marché de l’art, mais est une vrai reflection de notre travail. Beaucoup de ces espaces coûtent une somme d’argent substantielle à louer. Pour supporter ce coût, vous avez besoin d’argent et donc vendre. Ce qui est montré ne va pas nécessairement être quelque chose qui va permettre aux spectateurs de repenser ou de changer de perspective sur certaines choses. Cela arrive parfois mais pas globalement.
Images : 34, 35, 36
Texte par CYJO
CYJO est une artiste coréenne américaine basée à Miami qui travaille principalement avec la photographie. Depuis 2004, elle explore l’évolution de l’identité, remet en question les notions de catégorisation et approfondit l’examen de nos constructions humaines dans son travail. Le travail de CYJO a été exposé à l’échelle nationale et internationale dans des lieux tels que la National Portrait Gallery (Smithsonian Institution), l’Asia Society Texas Center, la Biennale d’architecture de Venise et le Three Shadows Photography Art Centre. Sa dernière exposition solo a eu lieu au Kimmel Windows de NYU | Art dans les lieux publics (2019-2020). Elle est co-fondatrice de Creative Destruction, une collaboration d’art contemporain fondée avec Timothy Archambault en 2016. www.cyjostudio.com @cyjostudio
