Mon, oh mon, comment le monde a changé depuis que mes dernières expériences de la Miami Art Week ont été partagées en 2018. Le degré de changement et de lutte auquel on a été confronté pendant cette pandémie est bien sûr déterminé par son contexte et sa stabilité financière. Qui a été poussé vers le bas, et qui est sorti en haut ? Qu’est-ce qui a changé et pourquoi ? Comment survit le monde des créateurs ? Ce qui est sûr, c’est à quel point nos fondations peuvent être fragiles et à quel point une communauté n’est pas une communauté lorsque les systèmes de soutien échouent. L’œuf s’est fissuré et les fissures se sont élargies. « Les priorités fondées sur la classe, la race et le genre qui étaient invisibles sont désormais visibles. » Un endroit sans la diversité de ses habitants devient sans vie, comme un moteur qui a perdu son bourdonnement. Et que pouvons-nous faire pour y remédier ? Des vaccins ont été fabriqués en un temps record. De nouvelles plateformes commencent à émerger. De plus en plus de musées et d’institutions s’efforcent d’améliorer la diversification de leurs équipes afin de mieux représenter leur travail et leur contexte. Les plateformes en ligne ont vendu plus d’art que jamais. Et le bavardage des NFT est devenu l’acouphène dans mon oreille droite. Au fur et à mesure que les anciennes structures se brisent, de nouvelles sont construites. Cette pandémie a secoué tant d’entre nous, où nous avons examiné de plus près ce qui compte. Et pour beaucoup d’entre nous, cela incluait l’art.
Miami Beach Convention Center
Je suis monté à l’étage et j’ai fait la longue promenade qui faisait le tour du périmètre du bâtiment en anticipant que les méridiens seraient au 2ème étage comme la dernière fois, seulement pour découvrir que ce 2ème étage qui était autrefois rempli d’installations spacieuses avait maintenant Joe’s Stonecrab sur la droite et le forum Conversations sur la gauche. Les signaux au 2e étage m’ont conduit en bas dans un décor plus docile où des écrans numériques clignotant de l’art NFT illuminaient la première cabine sur ma gauche.
Ce fut une rencontre inévitable alors que de plus en plus d’artistes sautent dans le train NFT et intègrent l’art numérique pour vendre en ligne. Avoir la capacité de grandir et d’avoir un contact direct avec votre communauté de soutien, d’avoir un flux de revenus élargi et plus de transparence quant à la provenance de votre travail est une perspective passionnante. Mais la production de carbone, la sécurité globale et la maintenance de ces plates-formes numériques actuelles sur le long terme me font réfléchir.
Ensuite, j’ai rencontré Mark Soares qui dirige et a fondé la société Blokhaus. Ils sont l’une des nombreuses entités de l’écosystème blockchain de Tezos, différent d’Ethereum. Il a répondu à certaines de mes préoccupations et a mis en lumière le tunnel NFT et blockchain qui ressemble au début de nouvelles possibilités, qui, si elles sont utilisées de manière stratégique, peuvent profiter aux créateurs en tant que point de connexion.
CYJO: J’ai entendu parler de la preuve de travail NFT pour l’art sur des blockchains comme Ethereum qui consomment beaucoup d’énergie. Pour moi, c’est un peu décevant. Mais Tezos, une blockchain économe en énergie, semble être une alternative prometteuse. Pouvez-vous nous en dire plus ?
Mark : Il existe 2 types de blockchains – une blockchain de preuve de travail qui est la blockchain traditionnelle et standard comme Bitcoin et Ethereum et une blockchain de preuve d’enjeu comme Tezos. La preuve de travail est beaucoup plus énergivore que la preuve d’enjeu parce que la façon dont vous sécurisez le réseau se fait par ce calcul complexe, et faute d’un meilleur mot, vous forcez essentiellement la réponse à un problème mathématique très compliqué lorsque vous menez un TVN. Cela signifie que vous utilisez de la puissance de traitement sur de nombreuses machines coûteuses et que vous essayez de deviner la réponse à ce casse-tête mathématique pour créer ce NFT. Il consomme beaucoup d’énergie.
La preuve d’enjeu est très différente en termes d’utilisation du réseau. Il est essentiellement garanti par la participation que vous mettez. Tout le monde a une participation dans le réseau et cela signifie essentiellement que tout le monde participe en toute sécurité. Et si vous vous comportez mal en tant que jalonneur ou en tant que personne qui contribue à la sécurité, vous êtes en fait pénalisé. Les incitations sont en ligne pour sécuriser le réseau sans les besoins énergétiques. C’est pourquoi d’autres plates-formes comme Ethereum 2.0 essaient de passer à la preuve d’enjeu, car elles sont nettement plus écoénergétiques. Des millions de fois moins d’énergie est utilisée sur la preuve d’enjeu par rapport à la preuve de travail.
Avec Tezos, il y a quelque chose de plus spécial, cependant. Ils ont une gouvernance auto-évolutive. Cela signifie qu’en tant que participant, vous pouvez soumettre une proposition de mise à niveau. Vous pouvez dire : « Hé, je veux ajouter cette fonctionnalité ou cette fonctionnalité ou modifier ces exigences sur la blockchain. » Et si suffisamment de personnes sont d’accord avec votre proposition, elle est automatiquement déployée. Le niveau de transparence est encore plus grand car toutes les décisions concernant l’avenir ou le protocole de la blockchain arrivent à un consensus de toutes les entités qui valident le réseau.
CYJO : Ayant appris que vous avez travaillé auparavant pour une grande marque de photographie avant Blockhaus, les photographes que vous connaissez ont-ils adopté les NFT et les ont-ils ajoutés à leur portefeuille d’articles à vendre ?
Mark : Beaucoup de photographes de l’industrie que je connais sont habitués à vendre leur résultat final bien plus qu’un artiste qui, disons, fait une série de 10 peintures. En effet, les photographes peuvent obtenir des revenus grâce à des droits d’utilisation pour l’utilisation de l’œuvre dans un certain délai. Et donc, la compréhension des NFT ne s’intègre pas toujours facilement. La première question que je reçois souvent des photographes concerne les droits d’utilisation. Qu’est-ce que la personne achète ? Pour certains photographes, les droits d’utilisation sont une grande partie de leur modèle commercial, et il y a plus d’hésitation. Ainsi, pour les photographes, lorsque vous achetez un NFT, c’est comme acheter un tirage physique, mais le tirage est numérique. Si j’achète un Picasso, je n’ai pas le droit de commercialiser l’image. Je peux l’exposer ou le mettre dans une galerie, mais je ne peux pas imprimer de t-shirts avec l’image. Et c’est la même chose avec le NFT. Tu le possèdes. Vous pouvez l’afficher. Mais vous ne pouvez pas vendre l’image numérique à National Geographic pour l’utiliser dans son numéro de mars. L’artiste conserve toujours les droits sur l’image. Il se trouve simplement qu’il est enregistré sur la blockchain en tant que NFT. Et il y a des informations là-bas qui permettent au photographe de dire que ce photographe a vraiment capturé cette image. Cela fait partie de leur portefeuille. C’est vrai.
CYJO : On parle beaucoup de renforcement de la communauté avec les NFT. C’est plus qu’une simple image numérique sur une blockchain.
Mark : L’accent que je vois de la part des artistes est axé sur le renforcement de la communauté. Et beaucoup d’artistes changent d’état d’esprit – si je vends un NFT, je vends essentiellement dans le cadre de futurs engagements ou de futures activations avec ce groupe qui achète mes NFT. Essentiellement, les NFT sont un point de connexion. Pour chaque marque ou artiste, ils souhaitent utiliser les NFT pour activer leur base de fans où leurs NFT pourront offrir des expériences exclusives à leurs collectionneurs à l’avenir. C’est un moyen de revenir en arrière et de récompenser les gens parce que la preuve de propriété est une preuve de fandom. La preuve de fandom signifie que vous avez accès pour activer ces utilisateurs passionnés. C’est une tendance que je vois, mais cela nécessite un peu de prévoyance et de planification lorsque vous les créez, car vous devez penser à plus long terme. Si vous entrez sur cette plate-forme en pensant que vous allez gagner rapidement de l’argent, les collectionneurs ne vont pas tomber dans le piège. Ils veulent de l’engagement, de la passion et de l’authenticité.
De plus, le monde de la photographie, avec la blockchain et la photographie, va de pair pour moi car les appareils photo ont été utilisés comme gardiens de la vérité et la blockchain fait la même chose. Et dans un monde où les images deepfake sont si faciles à créer, il est plus difficile de dire ce qui est réel et ce qui ne l’est pas. Je trouve fascinant que les deux mondes ne se soient pas encore complètement combinés.
CYJO : Les NFT sont-ils là pour rester ?
Mark : Les NFT responsabilisent les créateurs du monde entier, à la fois financièrement mais aussi sur le plan créatif. Je crois que l’œuvre d’art engendrée par cette nouvelle vague de créateurs mérite respect et crédit. Et c’est l’une des raisons pour lesquelles nous sommes ici, pour aider à faire la lumière sur cela. Il ne s’agit pas seulement d’un « art cryptographique ». Il y a un vrai mouvement, et je pense qu’il sera apprécié encore longtemps.
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Derrière le stand NFT, l’échelle expansive (plus de 9 mètres de long) de Sumptuous Memories of Plundering Kings, 2021 de Todd Gray m’a attiré. « Le concept de « colonialisme mental » constitue le fondement de la photographie conceptuelle de Todd Gray. Dès le départ, le terme sculpture photographique pourrait venir à l’esprit, mais une telle catégorisation dément le courant sous-jacent de la tromperie stratégique à l’œuvre ici : ce qui serait autrement le centre d’une image est le plus souvent masqué par la composition résolue d’images empilées de Gray. Cette œuvre rejoint le discours contemporain renouvelé, où les transgressions passées et présentes sont confrontées de front. Todd, né en 1954, vit et travaille à Los Angeles et Gana.
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Peu de temps après, j’ai découvert l’œuvre de June Clark, Harlem Quilt, 1997 à la Daniel Faria Gallery de Toronto. Madeleine est intervenue pour me parler de son travail.
Madeleine : June est née en 1941 à Harlem et a déménagé au Canada en 1968. Il y avait des troubles politiques aux États-Unis et son mari à l’époque évitait la conscription. Et alors elle a emménagé avec lui assez brutalement et a essayé de trouver sa place, sa communauté qui ressemblait à ce qu’elle avait à Harlem, qui était si importante pour elle. Elle a commencé à prendre des photos au Canada et a travaillé comme photographe documentaire. Elle a recherché des scènes de rue pour se situer dans son nouvel environnement. Et puis en 1997, elle fait une résidence d’un an au Studio Museum of Harlem. Et c’est à ce moment-là qu’elle a fait ce travail. Ce sont toutes des photographies qu’elle a réalisées dans les rues de Harlem. Elle tournait avec son appareil photo au niveau de la taille pour prendre des photos franches, mais elle s’est également rendu compte que cela ressemblait en quelque sorte à la perspective d’un enfant, une perspective de Harlem qu’elle a vécue en grandissant là-bas. Les plus de 200 morceaux de tissu provenaient d’un magasin Goodwill de la 125e rue. Et il y a cette idée nativiste que quelqu’un sur l’une de ces photos pourrait avoir déjà porté un de ces vêtements parce que c’est une communauté si proche. La dernière fois que ce travail a été montré, c’était en 1997. Nous sommes heureux de le montrer à nouveau cette semaine.
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J’ai regardé la série de photos punk de Bruce Conner prises dans les années 1970 et 1980. Vingt-six photos étaient joliment disposées sur le mur du stand de la Kohn Gallery. Cela a débloqué des souvenirs de mes années de lycée, portant du rouge à lèvres à carreaux, vert armée et rouge, marchant dans des bottes de combat, à une époque où Fugazi était à son apogée. J’étais trop naïf pour comprendre à l’époque à quel point ces bottes de combat ont traumatisé mon père, lui rappelant ses souvenirs de la guerre de Corée.
D’autres arrangements attrayants d’une série que j’ai vu provenaient des Variations 1 – XVIII, 2021 de Barbara Kasten avec son installation de cyanotype et Lovers: Ten Years On, 1984-1985 de Sunil Gupta à la Hales Gallery.
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En m’échauffant avec des photographes familiers comme Cindy Sherman chez Spruth Magers, Gordon Parks chez Rhona Hoffman Gallery et Thomas Struth chez Max Hetzler, j’avais l’impression de dire bonjour à un vieil ami.
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Et puis la princesse Leah a attiré mon attention ou était-ce une femme autochtone ? C’était les deux. Cela m’a attiré dans le stand de la Peter Blum Gallery où j’ai rencontré Kyle.
Kyle : Nous regardons Native’s Looking Whiter, 2012 de Nicholas Galanin. Sur le côté gauche de l’image se trouve une femme Hopi d’Edward Curtis. Et sur le côté droit se trouve Carrie Fischer de Star Wars. Ainsi, Galanin prend ces deux images différentes et les assemble. Du côté droit, vous pouvez voir l’emprunt à la culture autochtone qui est entré dans ce personnage blanc et futuriste. Et maintenant, il dit également que cet emprunt de culture fonctionne également à l’envers, que beaucoup d’autochtones prennent également les caractéristiques des Blancs en ce qui concerne leur apparence. Cet ouvrage représente le va-et-vient de ces messages. Et beaucoup de ses œuvres traitent de ces problèmes.
Nous nous sommes dirigés vers une photo de l’autre travail de Nicholas.
Kyle : C’est une installation que Nicholas a faite pour Desert X qui était cet été. C’était à l’extérieur de Palm Springs pour la Biennale. Il s’intitule en fait Never Forget, mais il est écrit « Indian Land ». Et il est exécuté en référence au signe Hollywood qui était très exclusif pour les blancs principalement. En plaçant ce signe ici, il réclamait et rappelait aux gens son histoire. C’est aussi en référence au mouvement Land Back qui collecte des fonds pour les communautés autochtones afin de récupérer cette terre.
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Plus bas, l’installation accrocheuse de Frida Orupabo utilisant des images d’archives s’est ajoutée aux œuvres croissantes que j’ai vues en utilisant des images d’archives manipulées comme un outil pour confronter, engager et présenter nos histoires afin d’apporter une meilleure compréhension de nous-mêmes et de notre présent. La Stevenson Gallery a parlé de son travail.
Stevenson : Frida est une artiste norvégienne d’origine nigériane. Et son expérience est ce qui a réuni tout ce travail. En 2013, elle a créé une page instagram pour partager des images d’archives de l’histoire coloniale en tant que projet personnel. Il était également ouvert à certains téléspectateurs qui l’ont rencontré. Et puis, Arthur Jafa l’a vu, et c’est devenu vraiment grand. Frida a commencé à faire ces gros collages, et ça a explosé l’année dernière. Cela ne fait qu’un an qu’elle pratique à plein temps. Elle était assistante sociale. C’est aussi là que réside son cœur. Ainsi, elle a combiné ces deux pratiques en faisant du travail social et en créant de l’art pendant un certain temps avant de se lancer dans la pratique artistique à temps plein. Son travail explore les questions liées à la race, aux relations familiales, au genre, à la sexualité, à la violence et à l’identité.
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De plus beaux travaux de photographes familiers ont été trouvés à la galerie Edwynn Houk qui exposait des œuvres de Sally Mann, Lewis Hine, Walker Evans et Dorothea Lange. Cette photo prise par Dorothea s’intitule Waterfront Protest, San Francisco, 1934. J’ai toujours aimé Dorothea et sa dévotion à capturer les problèmes sociaux de son époque, mais j’ai fini par l’aimer encore plus après avoir vu son exposition à Paris – « Dorothea Lange : Politique du voir » au Jeu de Paume. Sa vaste exposition personnelle présentait son travail de la Farm Security Administration, de l’ère de la dépression et de l’internement des Japonais américains pendant la Seconde Guerre mondiale. C’est lors de cette exposition que j’ai eu ma première rencontre avec son travail documentant les camps d’internement. J’ai appris comment elle avait été embauchée par la U.S. War Location Authority pour documenter le processus de réinstallation des Japonais-Américains dans la région de la côte du Pacifique. Elle a mis sa carrière en jeu en publiant certaines de ces photos pour aider à partager ce qui se passait.
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Texte par CYJO
CYJO est une artiste coréenne américaine basée à Miami qui travaille principalement avec la photographie. Depuis 2004, elle explore l’évolution de l’identité, remet en question les notions de catégorisation et approfondit l’examen de nos constructions humaines dans son travail. Le travail de CYJO a été exposé à l’échelle nationale et internationale dans des lieux tels que la National Portrait Gallery (Smithsonian Institution), l’Asia Society Texas Center, la Biennale d’architecture de Venise et le Three Shadows Photography Art Centre. Sa dernière exposition solo a eu lieu au Kimmel Windows de NYU | Art dans les lieux publics (2019-2020). Elle est co-fondatrice de Creative Destruction, une collaboration d’art contemporain fondée avec Timothy Archambault en 2016. www.cyjostudio.com @cyjostudio
