“La photographie pour moi, c’est de l’improvisation, c’est créer quelque chose de nouveau dans l’instant, une créativité disciplinée, émergeant en temps réel. Une grande photographie respire, elle est vivante, elle a du corps, de l’émotion et elle est intemporelle.” – Herb Robinson
La musique, le jazz en particulier, a eu une influence importante sur le style de travail du légendaire photographe Herb Robinson. Je voulais mieux connaître Robinson en tant qu’artiste avant de me lancer dans ce voyage à travers sa nouvelle monographie, METRO / New York / London / Paris, publiée par Schiffer. Cependant, j’ai rapidement découvert qu’il n’aime pas parler de lui et fera tout son possible pour éviter de le faire. Heureusement, l’ami de longue date de Herb, le photographe Leslie Jean-Bart, est intervenu pour m’aider en dictant avec succès les réponses à mes questions. Dans ses propres mots…
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Ça a commencé tôt, quand j’avais 9 ans. Je regardais et j’écoutais le grand groupe de Duke Ellington. J’absorbais la musique même si je n’en étais pas conscient à l’époque. J’étais un bon ami de la famille Hodges qui vivait en face de chez mes parents au 555 Edgecombe Avenue. L’immeuble était célèbre, connu pour les grands musiciens et autres Afro-Américains éminents qui y vivaient, dont Thurgood Marshall( futur juge de la cour suprême), le musicien et compositeur Count Basie, le boxeur Joe Louis, le chanteur et acteur Paul Robeson, entre autres.
Mes amis et moi avons pu voir M. Hodges jouer, et l’entendre pratiquer chez lui. J’ai eu le privilège d’entendre le son de saxophone alto le plus pur, le plus riche et le plus beau de Johnny Hodges du Duke Ellington Band. L’expérience était comme avoir l’opportunité de voir Michel-Ange au travail. J’ai absorbé son son et son ton tout en l’entendant pratiquer et jouer. C’est la période qui va former ma vision photographique.
Mes pairs étaient aussi des musiciens de jazz. Mes amis Johnny Hodges Jr. et Michael Lambert, étaient tous deux batteurs de Jazz. J’allais chez eux et je m’asseyais jusqu’à ce qu’ils aient fini de s’entraîner avant de pouvoir sortir et jouer. Nous étions imprégnés de sons et collectionnions des disques de jazz, comme d’autres enfants collectionnaient des cartes de baseball.
Même si je n’étais pas musicien, j’avais accès, compris et étais connecté à l’âme des musiciens de jazz. Pour en revenir à Duke Ellington, il a eu un effet profond sur moi, même si je ne m’en suis rendu compte qu’au moment où j’ai ouvert mon premier studio commercial.
Ellington était le compositeur ultime où chacun des instruments est utilisé pour servir son objectif. Dans mon studio, j’avais jusqu’à 18 sources lumineuses différentes à ma disposition pour être utilisées au besoin pour atteindre l’objectif à atteindre. Cette approche est venue directement du style d’orchestration d’Ellington. Par exemple, quant à savoir s’il a utilisé le son doux d’un Johnny Hodges ou le son plus rugueux d’un Paul Gonsalves (saxophoniste ténor) ou un mixte des deux. L’influence d’Ellington s’étend également à mon travail de rue, où elle se retrouve dans mon utilisation et mon mélange de textures, de tons et de reflets qui sont utilisés pour servir mon objectif, comme une extension de ma voix.
Mon pianiste préféré, Bill Evans, et son utilisation de l’espace négatif est quelque chose que je canalise volontairement, et plus souvent involontairement, lorsque je photographie. Il y a beaucoup d’utilisation de l’espace négatif dans mes compositions et Bill Evans en est la principale source.
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Roy DeCarava, le directeur de Kamoinge aux débuts du collectif, était imprégné de tous les Arts. De lui, j’ai appris le sérieux, le dévouement et le respect des Arts l’intemporel des Maîtres anciens. Pas seulement la composition, mais tout.
Aucun photographe ne m’a influencé. L’influence sur mon travail vient davantage des peintres, plus précisément de Peter Paul Rubens, du Caravage et du Greco. Les influences Rubens et Caravaggio se retrouvent partout dans METRO dans l’énergie et le mouvement à l’intérieur du cadre. El Greco est dans la façon dont j’utilise la ligne dans METRO. Dans mes portraits, je dépasse la surface de ce que je vois. Je m’y connais un peu en peinture, mais en tant que photographe, pas en tant que peintre.
Le peintre abstrait Joe Overstreet (il est décédé en 2019) était une mine d’informations. Non seulement à cause du travail de Joe, mais aussi parce qu’il a pu se mêler aux artistes clés qui ont influencé l’histoire de la peinture moderne aux États-Unis. Il a côtoyé Willem de Kooning, Norman Lewis et tous les autres maîtres modernes à leur apogée, il est donc une mine d’informations. J’ai à nouveau vraiment le privilège, l’honneur d’apprendre vraiment de l’un des maîtres de la peinture.
En tant qu’artiste, j’ai été inspiré tout au long de ma carrière par Pablo Picasso et la personne que je considère comme son égal créatif, Miles Davis. Chacune de leurs carrières a été marquée par leur volonté incessante d’innover et de se réinventer continuellement, nécessitant un niveau de confiance et de créativité au plus haut niveau. Picasso et Miles ne connaissaient pas de frontières, ils défiaient les conventions et n’avaient pas peur d’embrasser de nouvelles idées, se déplaçant tout aussi rapidement vers de nouvelles directions. Ils n’étaient pas embarassés par les attentes du public pour que leur travail reste le même, possédés uniquement par leur art, s’élevant à un niveau insondable de génie créatif. Picasso et Miles étaient tous deux des maîtres de l’auto-promotion, n’hésitant jamais à croire en eux-mêmes et en la valeur de leur travail; ils avaient des décennies d’avance sur la montée en puissance de la «marque» dans la publicité. Prolifique au-delà de ce qui semble possible dans une vie, chaque œuvre d’art a été laissée au monde pour qu’il continue à essayer de la saisir et de la comprendre plus pleinement dans le futur.
Inspiré par la vie de Picasso et de Miles, je m’efforce d’avancer avec audace dans ma photographie en constante évolution, en prenant des risques et en rejetant la nécessité d’un filet de sécurité. Je suis intensément concentré sur la création libre d’art de l’intérieur vers l’extérieur, me surprenant souvent par ce qui émerge. Je suis profondément chanceux d’apprendre continuellement de ces maîtres, dont le génie illumine mon chemin.
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Ce fut un régal pour moi d’écouter Leslie Jean-Bart discuter de l’interview d’Herb Robinson à mes questions. Prendre une tangente est vraiment une seconde nature pour le personnage de Herb, et chaque histoire qu’il raconte est une petite facette de sa propre vie qui se traduit par les images qu’il crée. Leslie a décrit un après-midi comme exemple; « Si Herb parle d’Art Blakey, il ne peut pas simplement parler de Blakey. Il doit se référer au style de jeu de Philly Joe Jones par rapport à Blakey par rapport à la façon dont Tony Williams était vraiment un batteur de rock qui jouait du jazz, à Jack DeJohnette. Des batteurs, il dérive et compare le style de jeu de saxophone de Jackie McLean à un autre saxophoniste de jazz particulier. De là, il passe peut-être au style de jeu de trompette de Miles Davis, menant au style de jeu de piano de Bill Evans, puis revenant à Art Blakey et aux autres grands batteurs de jazz. Dans son empressement à présenter et à expliquer clairement les nuances les plus fines de certains aspects du jazz, on peut souvent se retrouver en surcharge sensorielle. Je dois souvent l’arrêter « gentiment-brusquement » et le rediriger là où je veux aller. Bien que son empressement soit honnête, je me suis rendu compte que ces longues explications détaillées ont tendance à se produire souvent lorsqu’il essaie désespérément d’éviter de parler directement de lui-même.
« Une question qui lui est directement adressée peut facilement lancer un discours sur la vie de Roy DeCarava. Non, Herb, je veux parler de toi. « Eh bien, eh bien, Leslie », disait-il, « je dois d’abord préparer le terrain, c’est comme ça que je suis ». Il commencera alors par des demi-réponses énigmatiques qu’il faut tenter de décoder pendant qu’il se glisse dans le jazz ou dans l’histoire de la vie d’une autre personne.
Clarifier son « Tony Williams était vraiment un batteur de rock qui jouait du jazz », exactement ce que Herb voulait dire, c’est que Tony Williams est arrivé à une époque où sa génération explorait la nouvelle phase de la musique à l’époque, et c’était le rock. L’influence de Williams était donc plus rock. Williams et ceux de sa génération étaient à l’époque en train de quitter la plate-forme fixée par l’ancienne génération Jazz, une plate-forme plus métronome et rythmique, pour la plate-forme Rock plus dure. La même évolution générationnelle a eu lieu avec Charlie Parker et Dizzy Gillespie qui jouaient dans le même groupe et étaient les inventeurs du Bebop 3. Ils sont tous les deux sortis du Big Band, qui était doux et sont passés au Bebop qui était plus dur et plus comme le Rock. Le seul qui ne correspondait pas à ce modèle évolutif était Miles Davis. C’était un homme visionnaire. Il n’est pas resté dans un idiome comme le faisaient la plupart de ses contemporains. Miles a traversé différentes périodes – Cool, Fusion, etc.
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Pour compléter ce regard derrière les images de METRO / New York / Londres / Paris, j’ai demandé à Herb ce qui l’attirait dans les métros de New York, le métro parisien et le métro londonien (Tube). Sa réponse était essentiellement que les trois villes couvertes par METRO ont joué, et continuent de jouer, un rôle énorme dans l’histoire du jazz.
De plus, des idées comme le mondialisme, les immigrants, l’immigration et la migration qui me trottaient dans la tête étaient toutes présentes et contenues dans une voiture de métro. Le wagon de métro est devenu un égalisateur, un terrain d’entente autonome pour tous, quels que soient leurs antécédents ou leur lieu d’origine. C’est devenu des portraits dans le train.
Je me sens complètement libre d’emmener le spectateur dans un voyage avec la caméra comme instrument tout en utilisant l’idiome jazz d’improvisation. L’histoire m’a appelé et m’a emmené en voyage.
METRO / New York / London / Paris. Photographies de Herb Robinson. Organisé et édité par Eve Sandler. Éditions Schiffer, 2022
Herb Robinson est un membre original de Kamoinge Workshop, le collectif photographique pionnier de photographes afro-américains basé à New York, fondé en 1963 à l’apogée du mouvement américain des droits civiques. Le nom signifie littéralement « un groupe de personnes travaillant ensemble » en kikuyu. Le travail de Robinson faisait également partie de l’exposition itinérante Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power, originaire de la Tate Modern. Il est représenté par la Bruce Silverstein Gallery, NY.
Eve Sandler est une artiste interdisciplinaire, designer, écrivaine et militante dont le travail commémore la culture, la mémoire et la transformation des Noirs.
Leslie Jean-Bart, a parcouru le littoral de Coney Island au cours des 12 dernières années, à la recherche de la magie de la lumière, de l’eau et de la réflexion, dans son travail photographique série Réalité & Imaginaire.
Elizabeth Avedon est une collaboratrice de longue date de L’Oeil de la Photographie.
