Mary Ross (1950-2012) était une photographe d’art, une artiste visuelle et une enseignante. En 1975, elle a commencé à utiliser la vidéo et les ordinateurs pour produire des images fixes à partir de la pellicule de film, l’une des premières photographes d’art à le faire. Ses images fournissent certains des premiers exemples de la convergence de la photographie, de la vidéo et de la technologie informatique. Reconnue comme une pionnière de la photographie numérique, ses photographies et son art vidéo ont été présentés dans des centaines de performances multimédias qu’elle a produites en collaboration avec le compositeur / interprète Eric Ross. Elle a beaucoup exposé dans des galeries et des musées aux États-Unis, en Europe, en Israël et au Japon.
Ses photographies sont dans des collections privées et dans les collections permanentes du Kunsthaus de Zurich; Collection internationale polaroid; Herbert Johnson Museum of Art de l’Université Cornell; Bibliothèque du roi, Copenhague; Bibliothèque nationale, Paris; et la collection de danse de la bibliothèque du Lincoln Center. Ses archives se trouvent aux archives Rose Goldsen pour l’art des nouveaux médias à l’Université Cornell et au LIMA à Amsterdam, aux Pays-Bas. Un don supplémentaire d’œuvres de Ross et d’autres de feu Joe Buemi a été fait en 2005 au Musée Reattu. Les tirages originaux de Ross y sont entrés en 1984.
Grâce à une subvention du National Endowment for the Arts, Mary Ross a collaboré avec la chorégraphe Lois Welk de l’American Dance Asylum sur Parking Ramp Dance, une œuvre de danse moderne continue et spécifique au site intégrant de la danse, de la musique et des visuels projetés. Ses archives permanentes se trouvent, entre autres, au Rose Goldsen Center for Art de l’Université Cornell.
La première art vidéo de Ross utilisait des caméras en direct dans des installations en circuit fermé lors de performances musicales d’Eric Ross. Elle manipulait des images de caméras vidéo lors de ces concerts. C’était un des premiers exemples de musique et de vidéo conçus pour être vus ensemble. Depuis, elle s’est concentrée sur la production d’œuvres conçues, composées et éditées sur la musique. Celles-ci ont été exposées et projetées comme partie intégrante de nombreux spectacles en direct dans le monde entier, notamment les festivals de jazz du Kennedy Center, de Newport, de Berlin, de Montreux et de la mer du Nord, le Copenhagen New Music Festival, le Prague Alternativa Festival, le Festival Brussels Palais des Beaux Arts, le Guggenheim Museum Bilbao et le Los Angeles Redcat Center, parmi tant d’autres dans le monde.
Dans l’interview suivante avec son collaborateur, partenaire et mari, musicien et compositeur Eric Ross, Eric fournit des informations essentielles sur l’histoire de la photographie numérique.
Eric Ross a présenté des concerts de sa musique au Lincoln Center (NYC), au Kennedy Center (Washington, D.C.), au Disney Redcat Center (LA), au Newport Jazz et aux festivals de jazz de Berlin, Montreux et North Sea, entre autres dans le monde entier. Il joue à la guitare, aux claviers et est maître du Theremin, l’un des premiers instruments électroniques. Le New York Times appelle sa musique «un mélange unique de classique, de jazz, de série et d’avant-garde».
Il a commencé à jouer le Theremin en 1975 et s’est produit à la radio, au cinéma et à la télévision. Ensemble, les Ross ont présenté des performances multimédias avec vidéo, musique et danse. Les projets comprennent un programme Ultimedia Concept sur des sites du patrimoine mondial de l’UNESCO, notamment le musée Guggenheim-Bilbao, en Espagne; Residenz Palace, Wurzburg; Bauhaus-Dessau, Allemagne; et Casada Musica, Portugal. Il était un ami de la virtuose Theremin Clara Rockmore et du pionnier de l’électronique Robert Moog. En 1991, il rencontre et joue pour l’inventeur du thérémine, le professeur Lev Termen.
Q) Comment vos morceaux multimédias se sont-ils développés?
A) Mary et moi avons commencé à travailler ensemble dans les années 1970. En 1976, nous avons utilisé pour la première fois des vidéos en direct et préenregistrées dans mes chansons pour soprano synthétisé (op. 19). Il y avait une énergie synergique immédiate dans notre travail combiné. Mary a écrit: «En 1977, j’ai commencé à utiliser la vidéo dans des performances multimédias en direct en collaboration avec mon mari, le compositeur / interprète Eric Ross. Au début, j’ai utilisé des caméras vidéo en direct dans des installations en circuit fermé lors des performances de ses compositions musicales électroniques et acoustiques originales. Deux ou trois caméras vidéo étaient montées sur des trépieds et se concentraient sur lui pendant qu’il jouait, à l’intérieur du piano, et je manipulais les images de la caméra vidéo avec un prisme en verre. Les résultats étaient affichés sur deux écrans de télévision couleur face au public. Depuis, j’ai produit des cassettes vidéo préenregistrées et maintenant des DVD qui sont conçus, composés et montés sur sa musique. Ces bandes, accompagnées de photos vidéo et d’images numériques, étaient affichées et projetées alors qu’il donnait des concerts de sa musique dans le monde entier. Je voulais créer un parallèle dans la musique avec la vidéo qui refléterait et commenterait l’action de manière différente, distante et souvent lointaine. J’aime créer des contrastes avec la musique et les images à l’écran – rapides quand ils sont lents, lumineux lorsqu’ils sont sombres, denses lorsqu’ils sont clairsemés – pour créer des relations et des significations inattendues. La musique d’Eric m’a conduit plus profondément dans cette forme non littérale et non narrative. Musicalement, il existe des thèmes spécifiques pour certaines parties et d’autres sections ouvertes à l’improvisation. Dans la performance, la musique et la relation émotionnelle avec la vidéo, qui est fixe, changent constamment en fonction de l’heure, du lieu et de l’humeur.
Dans les années 1980, nous jouions nos pièces dans de grandes salles aux États-Unis et en Europe. Nous travaillions avec les situations d’espace et d’équipement disponibles. Nous avons joué dans de grandes salles comme le Palais des Beaux Arts à Bruxelles, le Stedelijk Museum à Amsterdam, les festivals de jazz de Berlin, Montreux et Pori ainsi que des salles plus petites et plus intimes comme l’ICC en miroir en Belgique, le musée Munch à Oslo et le loft. espaces à New York.
Le travail de Mary a évolué régulièrement. Elle imprimait en chambre noire les films noir et blanc et couleur, et dans d’autres médias, notamment la gomme bichromate, la sérigraphie et le Polaroid. Elle voyait le traitement vidéo comme une extension des possibilités techniques de l’imprimé, ou une «chambre noire électronique». Elle a inclus la diapositive et la vidéo pendant cette période. Elle a dit: «Le synthétiseur vidéo fonctionnait comme un type de chambre noire électronique. Mes propres diapositives, négatifs, impressions, films cinématographiques et bandes vidéo ont fourni le matériel source. » À un certain moment, la technique et l’esthétique ont fusionné et sont devenues intuitives.
Lors des entretiens, on nous a demandé: «Qu’est-ce qui est venu en premier: la musique ou la vidéo?» Habituellement, nous travaillions simultanément et à un certain stade d’avancement, nous nous réunissions pour des sessions d’édition. À partir de là, nous restions en étroite collaboration. Mary préférait éditer ma musique – je lui donnais la piste pour éditer, puis j’orchestrais les versions finales pour le «mixage». D’autres fois, elle travaillait seule sur un morceau jusqu’à ce qu’il soit presque terminé, puis je composais de la musique dessus. Nous étions ouverts à différentes approches et chaque pièce se formait différemment. Nos œuvres n’ont jamais été expérimentales – Mary et moi savions exactement ce que nous recherchions dans chaque pièce et avons travaillé dur pour bien faire les choses.
Q) Y a-t-il des artistes qui l’ont influencée?
A) Mary connaissait les grands peintres européens et américains, les photographes classiques en noir et blanc et toutes sortes de références visuelles. Elle a été chargée par des universités de photographier des galeries d’art et des musées aux États-Unis et dans l’UE. Ainsi, elle connaissait les œuvres des grands artistes ainsi que de nombreux autres peintres, graphistes et plasticiens, photographes, sculpteurs, etc. Elle avait une «mémoire photographique» de l’image. Elle n’a jamais oublié une photo et pouvait se souvenir des noms, des lieux et des détails des photos ou des impressions qu’elle avait vues des décennies auparavant. Joseph Buemi, un photographe classique en noir et blanc, lui a donné de l’aide occasionnelle et quelques conseils sur la chambre noire et les deux sont restés de bons amis malgré leur travail très différent. Elle est restée en contact avec un réseau de vidéastes et de cinéastes et était au courant des évolutions professionnelles et technologiques dans son domaine. Elle était une lectrice avide, une écrivaine et une rédactrice en prose. Toutes ces choses ont formé l’arrière-plan de son propre travail. Elle n’a jamais voulu être copiste, clone ou artiste de style «scuola de». Elle a toujours cherché sa propre identité et sa propre vision de l’art.
Q) Quels étaient les thèmes de son travail?
A) Les principaux thèmes sur lesquels Mary a travaillé toute sa vie comprenaient: Les personnes réelles et abstraites; Danse; Autoportraits; et paysages imaginaires. Elle a reçu une subvention nationale pour les arts pour son travail avec des danseurs. Elle était très consciente de «l’espace négatif», les espaces entre les choses. La plupart de ses images entrent dans ces catégories, même si elle prenait une photo de n’importe quel sujet si cela lui plaisait.
Q) A-t-elle storyboardé ses vidéos?
A) Presque jamais. Elle improvisait à la caméra, en studio, dans son montage, son mixage et son travail finit. Elle savait ce qu’elle cherchait, a reconnu ce qu’elle avait réellement et est allée avec le travail là où il l’a menée. En raison de sa grande mémoire visuelle, elle pouvait trouver et combiner des modifications à partir de matériaux séparés peut-être à des années ou à des kilomètres. Elle pouvait travailler sur différentes sections, ou de l’intérieur vers l’extérieur, pour façonner les matériaux. C’était un processus aussi bien qu’un produit. Mary savait ce qu’elle voulait dans l’impression finale. Je ne pense pas que quiconque aurait pu prédire à partir du matériel source, ou même à mi-parcours, à quoi ressembleraient les images finales.
Q) Quelle a été sa méthode de travail?
A) Mary tournait, montait, évaluait, classait, réévaluait et ré-éditait constamment. Elle a tourné beaucoup de films et plus tard d’images numériques, mais elle était souvent une photographe unique. Même ses prises de vue vidéo étaient pour la plupart des prises uniques. Le montage était son fort. Elle a édité elle-même – toujours en sélectionnant, en affinant et en mélangeant. Parfois, elle aimait laisser l’ordinateur faire des mixages aléatoires, assembler des images comme des musiciens «brouillent», puis remixer ça. Ses modifications finales ont toujours été soigneusement choisies. Mary a rarement pris la première version d’un cliché. Si elle aimait quelque chose, elle continuerait à travailler, parfois au fil des années, en changeant les choses minutieusement ou entièrement – en ajoutant, en soustrayant, en changeant dans différents médias, etc. Elle aimait travailler sur de nombreux projets en même temps et cela a aidé à «Polliniser» ses idées.
Q) Quelles ont été vos dernières collaborations?
A) Mary et moi avons créé une douzaine d’œuvres pour la vidéo et la musique. Par nos dernières pièces, Blvd Reconstructie (Op. 54) et Rimn Vornl (Op. 37, Édition 2011), elle avait un réel sens de l’architecture de son art temporel aux niveaux micro, moyen et macro. Elle a utilisé ses propres matériaux autobiographiques en tant que fille, femme, épouse, mère, malade du cancer et artiste, avec des séquences de concert, des voyages, de la danse, des abstractions humaines, de la famille, des amis, des images fixes en noir et blanc, couleur Cibachrome. impressions, films super 8 mm, impressions à la gomme bichromatée, sérigraphies, polaroids, aquarelles, images en détresse, images avec texte, impressions dessinées à la main et coloriées à la main – tout ce qui concerne sa vie – le tout dans un mélange. Les idées sur lesquelles elle avait travaillé tout au long de sa carrière se sont réunies et se sont imbriquées dans ces dernières pièces.
Q) Comment voyez-vous le développement artistique de Mary?
A) Je pense que tous les éléments de sa vision étaient présents dès le début. Elle a affiné sa vision en se concentrant sur les idées qu’elle aimait et qui véhiculeraient ses objectifs artistiques. Elle a également acquis une maîtrise technique de ses outils,(ordinateurs domestiques, caméras vidéo, etc.) sont devenus plus simples et plus facilement accessibles au fil du temps. Dans les premières années, ce n’était pas toujours le cas, mais elle avait toujours «travaillé avec ce qu’elle avait» ou, comme elle pouvait le dire, «combattu avec ce qu’elle avait». Mary a eu des périodes de temps qui étaient de véritables poussées de croissance et d’autres qui semblaient en jachère où elle a fait beaucoup de choses différentes mais qui étaient en fait des étapes «en développement» prêtes pour la prochaine entreprise artistique. Elle est restée fidèle à son art et ses dernières œuvres étaient une combinaison de ses idées avec de nombreuses couches d’énergie en cours, à la fois simplifiant et gagnant en complexité.
Q) Pourquoi pensez-vous que son travail est important?
A) Mary avait une aptitude à obtenir une superbe photo ou une séquence de plans qui parlaient au spectateur à différents niveaux d’interprétation. Elle a dit: «Les images créent un récit qui peut être fourni par l’imagination du spectateur.» Son mélange d’images était précis, mais libre, fort et beau. Sa vision était unique du point de vue d’une femme sans l’être inconsciemment. Son sens de la composition et du drame dans un plan était renforcé par une palette expressionniste, ce qui rend ses images encore plus frappantes. Il y a une qualité intemporelle dans son travail. Certaines figures de ses plans semblent flottantes ou en animation suspendue. Son travail n’a jamais été totalement «abstrait». Elle a dit: «La forme humaine est un motif récurrent… avec de nombreuses images de danse. Bien que souvent abstraites, mes photographies et vidéos contiennent généralement des éléments reconnaissables. Dans des travaux récents, je continue d’explorer des interprétations abstraites de la forme humaine dans des paysages imaginaires.
Dans certaines de ses pièces, il y a un calme et une tranquillité d’espaces infinis, où le temps semble suspendu et il y a un air de tranquillité. Dans d’autres, elle a délibérément introduit le chaos, le bruit et d’autres éléments aléatoires pour créer un sentiment de réel et d’irréel; il y a du mouvement, l’action est en mouvement, et elle est allée chercher l’énergie vitale significative du moment. Elle aimait capturer l’énergie, l’humeur, le décor, les personnages, le temps et le lieu. Elle n’était pas fascinée par la technologie pour elle-même – elle s’intéressait aux aspects humains de l’art et de la création artistique.
Michael Foldes (né en 1946) est un poète, éditeur, auteur et homme d’affaires américain. De 2005 à 2019, il a publié Ragazine.cc, le magazine mondial gratuit en ligne sur l’art, l’information et le divertissement. Il vit dans le nord de l’État de New York.
