Le rendez-vous photographique de Deauville fait la part belle au tiraillement de notre monde, à la fois hanté par les traces du passé et l’incertitude d’un avenir de plus en plus mêlé aux nouvelles technologies et à notre consommation insatiable.
Pour la première fois, le « tremplin » réservé aux jeunes photographes émergents n’avait pas lieu dans l’espace très ouvert sur la mer qu’est le « Point de vue », situé tout près des plages et baigné d’une douce lumière naturelle, mais dans le tout nouvel endroit porté par un très important investissement de la mairie : les Franciscaines. Conçu dans un bâtiment historique – autrefois un orphelinat de jeunes filles, puis une clinique tenue par des religieuses – ce centre culturel flambant neuf offre un nouvel écrin au festival et donne une tonalité plus muséale à l’accrochage, avec une certaine pénombre entretenue auprès des œuvres exposées.
C’est néanmoins la lumière qui a guidé la photographe Céline Croze au cours de ses virées dans la nuit où elle a tenté d’attraper l’humeur très particulière de Deauville et sa région, où elle a comme voulu dialoguer avec les ombres qu’elle a rencontrées, cherchant toujours un fragment de clarté dans de sombres paysages. Cela donne une profonde et sensible déambulation teintée d’un clair-obscur moins conventionnel que nous pourrions le penser et surtout une forme d’attention à la désintégration d’un monde toujours tendu entre plusieurs pôles.
La mort de l’imagier
Comme ceux présents dans les mots qui n’en finissent pas de courir sur un large panneau réalisé par Antoine d’Agata, citant de nombreuses fois La Nausée de Jean-Paul Sartre et des fragments de textes philosophiques et littéraires qui font état d’une pensée révolutionnaire et constrastant nettement avec la rigidité des maisons bourgeoises de Deauville captées dans de multiples prises de vues et mises à côté, comme la saturation d’un modèle capitaliste dénoncé dans ce qu’il a de plus cruel et brutal, cette sauvagerie où seul l’argent compte.
Paraissent surprenantes et comme en décalage ces vues tendres offertes par Anne-Lise Broyer et FLORE, célébrant toutes les deux des figures littéraires d’hier qu’elles affectionnent particulièrement, notamment Françoise Sagan et Marguerite Duras. Un écrit de cette dernière a inspiré à FLORE un film réalisé avec une caméra d’antan, aux images douces et comme effilochées par l’empreinte de l’Histoire, tournant autour de la mélancolie inévitable que suppose le rêve de la rencontre amoureuse, en une flânerie des sentiments où le style photographique souffle sur une certaine évanescence des choses de la vie.
Non loin de là, l’artiste espagnol Joan Fontcuberta, connu pour ces facéties photographiques, est soucieux de questionner, presque de façon opposée, l’imagerie contemporaine, fabriquée aujourd’hui par Instagram et l’Intelligence artificielle, avec cette vision d’un futur hypothétique : un logiciel qui permettrait de faire des tableaux lui-même à partir d’une base préexistante, annonçant comme la mort du peintre et de l’imagier.
Voyage sur Mars
Fontcuberta, avec son associée Pilar Rosado, expose ainsi ces œuvres issues de l’Intelligence artificielle, aux accents surréalistes comme un tableau de Roberto Matta, mais non dénués d’une certaine profondeur esthétique qui interroge doublement. À la question de savoir si cela est une perspective réjouissante ou regrettable pour l’humanité, l’artiste botte en touche, avouant qu’il n’arrive pas à prendre position, mais qu’il est de tendance optimiste et que cette tendance est souvent loin de la réalité…
Son travail continue dehors, sur le chemin de la plage, où d’immenses affiches qu’il a conçues vantent un improbable parc d’attraction en Espagne pour lequel il dit avoir été mandaté, expliquant qu’il s’agit de créer l’expérience d’un voyage sur Mars, avec des investisseurs pas du tout gênés de surfer sur la vague du tourisme de masse, critiquant allègrement les écologistes du coin qui veulent empêcher le projet et annonçant que bientôt des vols directs seront créés depuis Pékin. À côté de lui, la directrice du festival, Laura Serani, s’empresse de nous rassurer en disant qu’il s’agit bel et bien d’une blague.
An 2666
Si la fiction est aussi le ressort créatif de SMITH, elle s’inscrit dans une vision très poétique, avec une invitation à interroger le regard que nous portons vers les astres. Tout le travail de l’artiste, exposé cet été aux Rencontres d’Arles, et qu’il réalise avec une équipe complètement convaincue par l’enjeu, est de donner l’idée d’une nouvelle relation au cosmos alors que ce dernier s’est peu à peu absenté de notre perception du monde, de nos politiques et nos pensées, ou alors toujours vu comme une entité très lointaine et comme s’il était en-dehors de nous, avec un aspect inquiétant, sinon horrifique. SMITH, qui s’est fait implanter un morceau de météorite dans le corps, revendique ce lien avec les étoiles. Dans ce travail fait à Deauville, il imagine un basculement vers l’an 2666 – année horribilis ou miraculeuse ? – où notre relation aux éléments naturels pourrait complètement changer, où nous pourrions redécouvrir, peut-être de façon tragique, notre lien avec l’espace céleste.
Il a ainsi conçu une installation avec les designers Diplomates, partenaires depuis trois ans sur ce projet, sur laquelle nous pouvons nous allonger dans la même position qu’un cosmonaute dans une navette spatiale, et a développé une série de photographies réalisées avec une caméra thermique qui sont exposées près de la mer sous forme de panneaux en plein air. Les halos lumineux de couleur orange présente sur les images proviennent de la chaleur qui se dégage des corps, et qui permet, explique SMITH, de ne pas faire de distinction entre les êtres vivants visibles sur la capture photographique. Vient alors ce sentiment que nous pouvons voir les âmes, douées du même spectre lumineux que celui de la lune et du soleil, dans des tableaux d’un esthétisme renversant.
Jean-Baptiste Gauvin
