Jim McHugh est un photographe américain. Vivant à Los Angeles, son travail est largement centré sur la célébrité. La relation à long terme avec l’artiste né en Angleterre et basé à Los Angeles, David Hockey, a commencé il y a plus de quarante ans. Lors de cette première réunion et séance de photographie, le portrait le plus célèbre de David a été créé. Ceci est la couverture du livre autobiographique de Hockney, The Way I See It.
Pendant plus d’une décennie McHugh a continué à faire des portraits d’artistes, dont John Baldessari, Ed Moses et Edward Ruscha pour n’en nommer que quelques-uns. Le résultat a été plusieurs publications de livres: L’Art de la lumière et de l’espace par Abbeville Press, et California Painters: New Work par Chronicle Press.
McHugh a suivi le programme de maîtrise à la UCLA Film School. Son vaste travail éditorial, qui a produit des centaines de couvertures et des milliers d’histoires à travers le monde, a commencé comme photographe collaborateur pour le magazine People (pendant vingt-cinq ans) et Architectural Digest, ainsi que comme photographe officiel des Grammy Awards.
Il est réputé pour ses images Polaroid grand format de Los Angeles, des paysages urbains monumentalisant ce qui est maintenant invisible et abandonné. Ces photos ont été exposées pour la première fois à Timothy Yarger Fine Art en 2010 dans une exposition intitulée «Laissez-vous perdre: les polaroids de la côte». Ses expositions personnelles incluent le Santa Monica Museum of Art et la James Corcoran Gallery à Los Angeles.
Son travail est conservé dans les collections du Museum of Modern Art, du Walker Art Center, de la Polaroid Collection et de la National Portrait Gallery de Londres. Les prix nationaux et internationaux de McHugh comprennent; Le Prix des Nations Unies pour le leadership en photographie professionnelle IPC, The George Eastman House Best of Show for Architectural photography of Los Angeles.
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Close Up par Patricia Lanza – Avec Jim McHugh sur photographier David Hockney
Q : Comment vous êtes-vous rencontré pour la première fois et où, quelles années l’avez-vous photographié?
McHugh : Pour faire un peu d’histoire, j’ai principalement travaillé pour des magazines, ainsi que pour la publicité, un certain nombre de livres et d’autres projets spéciaux. J’étais à la tête du People Weekly et d’Architectural Digest depuis plus de 25 ans, donc mon vocabulaire photo est assez large. L’une des nombreuses raisons pour lesquelles j’admire mon ami Douglas Kirkland et son héritage de cette culture magazine, où vous pouvez avoir une spécialité, comme les célébrités, mais pour lesquels on vous demande régulièrement de photographier n’importe quoi ou n’importe qui, souvent dans des conditions très difficiles.et de revenir avec des images, magnifiques. Au début, le magazine People était comme ça, nous avons tout photographié, des célébrités aux médecins du sida et à l’épidémie. Architectural Digest est, bien sûr le magazine qui a la plus haute qualité des intérieurs et de l’architecture; mes spécialités étaient les arts et les antiquités, les designers, les architectes et les couvertures de célébrités. J’ai voyagé dans le monde entier pour les deux magazines, partout en Italie et en France, au Japon et en Chine, ainsi que dans des endroits comme Jackson Hole, le Wyoming et la mer de Béring, côtés russe et américain.
J’ai commencé à photographier des artistes au début des années 80 dans le cadre d’un projet personnel visant à contrebalancer le travail commercial. Les commandes, de par leur nature, ont tellement d’autres voix qui pèsent, je voulais avoir mon propre projet. Comme beaucoup de photographes, j’ai commencé à photographier vers l’âge de 10 ans. Adolescent de 13 ou 14 ans, j’ai vu une exposition itinérante de Yousuf Karsh qui reste à ce jour une de ces expériences de toute une vie. Inoubliable de voir une galerie remplie de ces grandes images dominantes de Hemmingway, Churchill et Pablo Casals. Depuis lors, j’ai toujours été influencé par des photographes comme Karsh, en particulier Arnold Newman et bien sûr, par les portraits d’artistes. Un jour, j’ai vu une caméra Sinar 4×5 d’occasion dans une vitrine et je l’ai achetée, et suis resté attaché depuis à des caméras grand format. C’est comme ça que ça a commencé; Je voulais réaliser moi-même une série de portraits avec un appareil photo 4×5. J’ai appelé la seule artiste que je connaissais, la céramiste Beatrice Wood, qui vivait à Ojai, où j’étais allé à l’école, et j’ai demandé à la prendre en photo. Beato, comme l’appelaient ses amis, avait 95 ans à l’époque; elle a dit oui.
Une liste d’artistes à photographier accumulée à partir des recommandations des artistes que j’ai photographiés ainsi que les galeristes et collectionneurs que je connaissais. L’artiste Billy Al Bengston a été un grand partisan après avoir photographié Billy dans son studio pour Architectural Digest. Le collectionneur Joan Quinn, avec des cheveux multicolores fous, des bijoux exotiques et la collection d’art la plus folle que j’aie jamais vue, était la clé pour rencontrer de nombreux artistes et leurs studios. J’étais tellement naïf de tout cela, je ne savais absolument rien du monde de l’art. J’ai toujours les listes dans des carnets de journaliste, grattées au crayon, les numéros de téléphone avec des noms comme Richard Diebenkorn mal orthographiés, ce genre de chose. D’une certaine manière, c’était plus facile, si j’avais su à quel point ces artistes étaient célèbres, je n’aurais peut-être jamais appelé. Sam Francis, Ed Ruscha, Lita Albuqueque, Bob Irwin, Mike Kelley etc.
J’ai rencontré David Hockney pour la première fois en 1984. Le portrait qui est sorti de la séance ce jour-là a maintenant été publié à plusieurs reprises, «David in His Studio, Los Angeles – 1984» et, mieux encore, nous sommes restés amis depuis. C’est ainsi que nous nous sommes rencontrés.
Bacardy est l’un des portraitistes les plus célèbres au monde, particulièrement connu pour ses peintures d’artistes. Un après-midi, quand heureusement ça allait très bien, je photographiais Don dans son studio de Santa Monica Canyon. J’ai dit nonchalamment dans la conversation que j’espérais photographier David Hockney. « Oh, David », a déclaré Don « nous sommes de si bons amis. Je vais appeler David tout de suite pour faire une présentation, vous devez absolument le photographier! » J’étais complètement d’accord. Fidèle à sa parole, un jour plus tard, Don est au téléphone: «J’ai parlé à David, il s’attend à avoir de tes nouvelles, oh, et il a dit que tu pouvais le prendre en photo, et sous peine de mort, ne donne pas ce numéro à n’importe qui! » Et Don a raccroché. Ce fut un «grand jour à Blackrock» pour ce jeune photographe.
L’une des choses que j’ai apprises sur David au fil des ans, c’est que si vous lui demandez quelque chose vous feriez mieux d’être prêt à ce qu’il dise oui et qu’il veuille le faire immédiatement. Pour un, quand j’ai appelé ce matin-là, je ne m’attendais pas à ce qu’il réponde à son propre téléphone, deux, il a dit oui, et trois, le plus inattendu, que diriez-vous d’aujourd’hui? Le photographierais-je aujourd’hui? Je photographie mes portraits d’artiste avec un grand appareil photo 4×5, le genre où le photographe met un tissu sombre sur sa tête et focalise une image à l’envers et en arrière sur un verre dépoli sombre. J’éclaire aussi avec des lampes stroboscopiques qui nécessitent toutes beaucoup d’équipement et l’aide d’un assistant. Comme rien de tout cela n’avait été organisé ce matin-là, j’ai expliqué à David que je n’étais pas prêt à le photographier aujourd’hui, mais pourrais-je m’organiser et le rappeler pour arranger une autre fois? Il a accepté. J’ai dit merci et j’ai raccroché.
Immédiatement, j’ai été submergé de regrets. « Es-tu fou? » L’un des artistes les plus renommés et le plus collectionné au monde, celui que tu suis avidement, a accepté avec plaisir de te laisser le photographier aujourd’hui et ta réponse était: « Je vous rappellerai? » Quelle main a jamais bougé aussi vite? J’ai instantanément atteint le téléphone; quand David a répondu, j’ai dit: «M. Hockney, si tout va bien avec vous, je suis en route, merci! » En quelques coups de fil, j’ai trouvé un assistant, mes tremblements se sont calmés, l’équipement était chargé et j’étais en train de monter la colline. Ce fut le début de 4 décennies d’amitié.
Q: Racontez votre histoire préférée à propos de David Hockney?
McHugh : Il y en a tant; Ils avaient une exposition de ses dessins par fax dans un musée au Brésil. Certains dessins étaient assez volumineux et ont été envoyés sous forme de grille, en plusieurs morceaux pour créer l’unique dessin. Certains dessins étaient des feuilles simples plus petites. Ce fut une exposition énorme et très réussie. À la fin de l’exposition et il était temps de démonter l’installation le conservateur a appelé pour demander à David comment il aimerait que tous les dessins soient renvoyés à LA. David, avec beaucoup d’humour, a répondu: « Envoyez-les par fax! » Il a été très rapide à prévoir comment l’imagerie numérique allait tout changer. Bien sûr, les dessins ne pouvaient pas vraiment être retournés par télécopie, ils ne pourraient que se reproduire à l’infini.
Il y a une merveilleuse histoire sur David et sa maison sur la plage de Malibu. Il voulait une maison sur la plage, un endroit pour s’évader. Ainsi, après beaucoup de recherches, il a trouvé cette très charmante maison carte postale des années 30 un chalet directement sur la plage de Malibu. Il ne changerait rien. Très peu de remodelage a été effectué; au contraire; il a gardé les couleurs d’origine de la pièce, souvent la peinture d’origine; ainsi que les anciens lambris et étagères en bois et a dupliqué de nombreux éléments qui, au fil du temps, ont dû être remplacés. David est plus à l’aise dans des environnements chauds et confortables, beaucoup de patine .. C’était un vrai chalet de plage Malibu, une cachette de l’ère dorée.
Je devrais ajouter qu’à ce même moment, beaucoup de ces petites maisons de plage vintage disparaissaient, démolies, remplacées par d’énormes nouvelles constructions, des paliers de plage en verre et en acier à plusieurs étages de style Miami Vice et en acier «d’importance architecturale». La charmante petite maison de plage de David était en décalage avec la nouvelle vague de Malibu.
Juste au moment où il emménageait, David a sélectionné quelques-unes de ses peintures pour décorer les murs, « Oh non non, David, c’est une idée terrible », ont prévenu des amis, « vous ne pouvez pas mettre vos précieuses œuvres d’art dans le petit chalet , il n’y a pas assez de sécurité, et en plus, les portes et fenêtres sont trop fragiles, sûrement quelqu’un va s’introduire et tout voler! David acquiesça d’un signe de tête. « Très bien, je vois ce que tu veux dire », et dans la vraie mode DH, il a commencé à peindre toutes les nouvelles peintures directement sur les murs, ajoutant plus tard de beaux cadres de musée pour les encadrer. « Personne ne peut les prendre! » dit-il, il a ensuite peint des petites fleurs colorées sur les murs, créant son propre papier peint.
Q: Avez-vous utilisé de nombreux formats différents pour la série Hockney, à la fois numérique et cinématographique, ainsi que des Polaroid?
McHugh: Tout 35, 2 ¼, 4×5, Polaroid, Numérique, iPhone –
Q: Votre travail comprend la photographie d’artistes célèbres – comment a été la photographie de Hockney? Quel a été le processus?
McHugh : Photographier David est toujours très différent. Si vous effectuez une configuration réelle, pour une couverture ou quelque chose, c’est un type de travail. Si vous capturez de l’action, David travaillant, c’est tout autre chose. Quand il a peint la piscine pour une vente aux enchères du sida en 1993, je l’ai photographié en train de le faire, couvrant toutes les étapes de son processus, faisant très attention de ne pas distraire l’artiste. Donc, pour un photographe, quelque chose comme ça, quand c’est fait, c’est fait. Il y a un début et une fin.
Un moment sur les piscines – Voir une des piscines peintes de première main a été une énorme éducation artistique. Parce que les piscines étaient si belles et étincelantes et dans les magazines, je n’ ai jamais beaucoup réfléchi sur la façon dont elles étaient faites ou qu’elles étaient même des peintures, comme une peinture dans un atelier. C’étaient des piscines Hockney, des moments de lumière, du soleil, en Californie, une partie de la grande culture Hockney. Pour moi, être présent pendant que le maître peignait une de ses fameuses piscines était un réveil tonitruant pour l’art, point final; tout se fait à main levée, l’image déjà enfermée dans sa tête, il commence, seul, debout dans la piscine, au fur et à mesure, chaque demi-cercle est parfaitement peint, ils sont aussi parfaitement espacés les uns des autres, se rétrécissant subtilement légèrement plus petits car ils approchent de l’extrémité profonde de la piscine. Pas d’effacement au crayon, tout s’est terminé en quelques heures. Remarque à soi-même: «donnez un coup à la maison, attachez un pinceau à l’extrémité d’un long manche à balai, prenez un gallon de peinture et voyez comment ça se passe.» Rusty Powell, ancien directeur de LACMA, m’a dit quand il a entendu ce que je faisais, « Passer la journée avec un peintre comme David Hockney n’est pas rien! » C’est la vérité, la photographie mise à part, c’est ce que j’ai appris juste en étant là.
Bill Epridge, le grand photographe de Life Magazine m’a dit une fois, alors que je commençais, « Nous sommes comme des chirurgiens de la guerre civile, une partie importante de nos compétences fonctionne rapidement. » C’est toujours un bon conseil.
Q: Hockney, étant britannique, est également un résident de Los Angeles, et se fait appeler «l’anglais Angeleno». Comment la vie en Californie a-t-elle influencé son travail?
McHugh : Je ne suis pas historien de l’art et je n’ai aucune expérience en matière de conservation, je ne voudrais donc pas peser sur la manière dont la Californie ou LA a influencé le travail de David. Une bonne question, dont la réponse est dans les livres. Peut-être qu’une autre question tout aussi importante concerne l’immense influence de l’art de David Hockney sur la façon dont les gens du monde entier voient Los Angeles.
Il y a une excellente citation de Carey McWilliams de «Californie du Sud: une île sur la terre», la Californie du Sud est un «grand lieu de sépulture tribal pour des coutumes antiques».
David est venu ici quand il était très jeune, à la vingtaine, est-il le premier à dire, attiré par LA, comme tant d’autres, la liberté artistique, la liberté sexuelle, l’espace et bien sûr le soleil. Il m’a dit que c’était comme un rêve ici, il a pu obtenir un très joli studio pas cher et il a immédiatement acheté une voiture, une Ford Falcon bleu clair de 1960. Le premier studio de David était sur Pico Blvd. près du district de Crenshaw. Il y avait un certain nombre d’artistes dans ce même bâtiment, y compris mon ami Ron Davis. D’après ce que l’on m’a dit, c’était une très petite communauté très soudée à l’époque. Et David aime conduire; il est célèbre pour ses voyages sur la route avec des amis, à travers l’Europe, l’Égypte, l’Amérique, la capacité de conduire partout à Los Angeles était passionnante pour lui. Je me souviens que David avait dit une fois au sujet de ses débuts à Los Angeles, qu’il avait un studio, une voiture et un collectionneur d’art avait récemment acheté une de ses peintures pour la formidable somme de 2500 $! Que pourrait-il y avoir de plus? Il a dit qu’il pensait: «Je peux vivre ici pour toujours.»
Q: Quelle influence David a-t-il eu sur votre travail?
McHugh : Permettez-moi d’ajouter que David est par nature très audacieux. Il a l’air si coloré et décontracté, mais honnêtement, il est assez intrépide et déterminé. Quand il a une idée, ou un projet, il va, s’y engage à 100%. Nous sommes revenus une fois après son exposition photographique massive à Colon, la plupart des gens, artistes compris, prendraient un repos bien mérité. Deux jours plus tard, il se dirigeait vers l’Arizona pour peindre le Grand Canyon, d’une manière extrêmement ambitieuse, une peinture multi-panneaux. Il avait photographié le Grand Canyon comme ça avant l’exposition, avant que quoi que ce soit ne s’en aille, il allait le peindre.
Je dois souligner qu’il faut un certain courage à un enfant de Bradford, du Yorkshire, pour monter dans un avion et venir à Los Angeles pour commencer sa vie d’artiste. Certainement pas la trajectoire conseillée par les écoles d’art de Londres; LA n’était guère une capitale de l’art à cette époque. Il fallait du courage, David ne dirait jamais rien de tel, il est beaucoup trop modeste, mais c’était plein d’aventures. Bien sûr, la Cool School était là et avait reçu une attention considérable, ainsi que le mouvement Light and Space, Bob Irwin, Larry Bell. Et certainement, David Hockney était bien conscient de tout cela. C’était un jeune artiste d’un autre pays, qui est venu ici et a tellement contribué à faire de Los Angeles la capitale de l’art qu’elle est devenue.
Il est intéressant de considérer qu’il y a deux peintres qui ont tant contribué, peut-être le plus, à l’idée mondiale de Los Angeles: David Hockney et Ed Ruscha, et aucun artiste n’est d’ici; tous deux sont arrivés à Los Angeles presque au même moment, au début des années 1960, et leurs studios ici étaient à peine à un mile l’un de l’autre.
Q: Qu’avez-vous appris en photographiant des artistes célèbres et leur processus créatif?
McHugh : Question intéressante, car je viens d’un milieu éditorial, qui consiste à raconter une histoire. Ce que vous faites concerne toujours quelqu’un d’autre, quelque chose d’autre. Dans le monde éditorial, le monde du magazine, il y a la pression pour «obtenir». Pour rentrer à la maison d’édition du magazine avec de superbes photos, généralement avec des paramètres stricts, à la fois de la publication et du sujet que vous photographiez. Donc, pour moi, rencontrer ces artistes était quelque chose que je ne connaissais pas, ils faisaient ce qu’ils voulaient faire. Ils suivaient ces étranges lignes de pensée.
Entrer dans le studio de David était comme de la magie; La plupart des gens, lors de leur première visite, étaient complètement dépassés. des peintures partout, il travaille souvent sur plusieurs choses en même temps, il y a des dessins accrochés à des chevalets et des modèles miniatures à base de mousse des expositions à venir répartis sur des tables avec de minuscules peintures découpées sur les murs, des coupures de journaux collées aux murs . Où suis-je? La première fois que nous nous sommes rencontrés, David m’a parlé du cubisme, de la façon dont nous voyons sous tant de points de vue différents lorsque nous regardons, comment les caméras et la perspective unique de la Renaissance ont une vue très limitée. J’étais mystifié.
L’atelier de Lita Albuquerque était rempli d’énormes et magnifiques peintures, son bébé de 6 mois était dans l’atelier avec elle, reposant dans l’un de ces petits paniers de bébé, tandis que Lita peignait. Elle a parlé du Soleil et de la Lune, la surface de la terre. J’ai pensé, OK. Robert Irwin venait de remporter le prestigieux MacArthur Award, le prix du génie, à ce moment précis, il était l’un des artistes les plus vénérés de la planète, mais il vivait dans un petit appartement très modeste à Westwood Village sans une seule œuvre d’art. . Comme un maître zen, il m’a transmis cette sagesse: «Parfois, lorsque vous recevez trop d’attention, vous devez disparaître pendant un certain temps, prendre le vent.» Gong! Tout ce à quoi je pouvais penser était, qui sont ces gens? J’ai grandi dans un monde très créatif, mais je n’avais jamais passé de temps avec des artistes comme ça auparavant. Pour moi, à ce jour, c’est un privilège d’être invité dans un atelier d’artiste pour voir leur travail. Ils peuvent posséder leur propre île ou travailler dans le garage de leur mère, je me souviens des conseils du sculpteur Robert Graham lors de ma première visite dans son espace de travail de Venise, « Avoir quelqu’un dans votre studio, c’est comme avoir quelqu’un dans votre tiroir de sous-vêtements. » Dépassant chaque seuil de studio, ce petit koan résonne dans ma tête.
Q : Discutez du processus créatif de Hockney, cela a-t-il influencé votre propre travail?
McHugh : David a été l’une des plus grandes inspirations de ma vie. Ne prenant pas le crédit des mots, mais il y a de nombreuses années, il a partagé cette grande citation «L’inspiration, ne visite pas les paresseux».
Q : Quand a eu lieu la dernière séance photo avec David et quel était le contexte?
Travaillait-il sur son art?
McHugh : En 2019, il créait l’une des grandes 3D et photographiait Stephanie Baron, conservatrice en chef de LACMA, pour l’ajouter à la photo plus grande. Tourné au studio dans les collines d’Hollywood. J’avais également photographié le grand déjeuner au LACMA pour ses 82 portraits et une nature morte en 2018. Il a également peint une autre piscine chez lui à l’âge de 80 ans, mais je ne suis pas sûr qu’il veuille encore le montrer. Je vais regarder et voir ce qui peut être publié.
