La photographie de rue – le cadrage complètement imprévisible et souvent magique d’un moment – a été adoptée au début du XXe siècle par les femmes photographes. Une nouvelle exposition à la Howard Greenberg Gallery passera en revue plus de sept décennies de travail de 12 femmes photographes. A Female Gaze est visible depuis le 19 janvier au 2 avril 2022 dans le nouvel espace de la galerie au 8e étage du Fuller Building au 41 East 57th Street.
Solidement établis dans le style de la photographie de rue, les artistes de l’exposition, dont Berenice Abbott, Diane Arbus, Jodi Bieber, Esther Bubley, Rebecca Lepkoff, Helen Levitt, Vivian Maier, Mary Ellen Mark, Frances McLaughlin-Gill, Lisette Model, Barbara Morgan et Ruth Orkin sont connues pour leurs images remarquables et emblématiques.
Les quarante-neuf photographies de A Female Gaze couvrent le XXe siècle : des années 1930 avec la documentation d’Abbott sur la ville de New York aux images du projet décennal de Jodi Bieber (1994 à 2004) axé sur les jeunes vivant en marge de la société sud-africaine. Ces femmes ont non seulement transcrit l’histoire en s’appropriant leur environnement, mais ont ajouté leur propre voix au récit de l’histoire photographique.
Le caractère démocratique de la photographie de rue a réservé un espace de création aux femmes artistes plus que d’autres champs artistiques. La Photo League, la coopérative new-yorkaise active de 1936 à 1951, comprenait un nombre important de membres féminins tels que Berenice Abbott, Rebecca Lepkoff, Lisette Model, Ruth Orkin et Barbara Morgan. Ces femmes occupaient non seulement des postes de leadership, mais étaient également encouragées aux côtés de leurs homologues masculins.
Quels que soient le sujet, les prix remportés ou les techniques mises en œuvre, ce collectif de femmes photographes de rue, comme l’a un jour fait remarquer Mary Ellen Mark en se référant à la nature de son propre travail, « photographie le monde tel qu’il est, car rien n’est plus intéressant que la réalité. » Ces événements éphémères, qui auraient pu autrement passer inaperçus, sont perpétuellement suspendus dans le temps, générant l’opportunité pour les spectateurs de considérer les phénomènes transitoires de la vie.
À propos de Bérénice Abbott (1898-1991)
Née dans l’Ohio, Berenice Abbott a étudié l’art à New York, Berlin et Paris. Elle a travaillé comme assistante de studio pour Man Ray à Paris lui a servi d’introduction au monde de la photographie ainsi qu’au photographe français Eugène Atget. À son retour à New York en 1929, Abbott a commencé à documenter la ville en mutation, formant son objectif sur le tissu urbain en évolution rapide. Dans les années 1930, elle est employée par le Federal Art Project, une subdivision de la Works Progress Administration, pour poursuivre son exploration de sa série Changing New York. Les photographies d’Abbott de cette série ont été exposées dans des expositions personnelles dans des musées tels que le Whitney Museum of American Art et le Museum of Modern Art de New York. Son travail fait également partie de collections telles que la Bibliothèque publique de New York et l’International Photography Hall of Fame, St. Louis.
À propos de Diane Arbus (1923-1971)
Diane Arbus, connue pour ses photographies incisives et révélatrices de personnes en marge de la société, a commencé sa carrière au milieu des années 1940 en réalisant des travaux commerciaux pour des magazines. Elle a quitté le monde de la photographie d’entreprise après avoir suivi un cours de photographie à la New School for Social Research avec la photographe Lisette Model. En 1963, la Fondation Guggenheim a décerné à Arbus une bourse pour sa proposition et a obtenu un renouvellement de sa bourse en 1966. Le Smithsonian American Museum of Art, Washington; et le Metropolitan Museum of Art et le Museum of Modern Art de New York ne sont que quelques-unes des collections qui abritent les photos d’Arbus.
À propos de Jodi Bieber (née en 1966)
Avec ses contemporains tels que Zanele Muholi et Pieter Hugo, Jodi Bieber est connue comme l’une des photographes les plus réfléchies et les plus accomplies d’Afrique du Sud. La carrière professionnelle de Bieber a commencé alors qu’elle couvrait les élections démocratiques de 1994 en Afrique du Sud pour le journal The Star. En 2000, elle a couvert une épidémie d’Ebola en Ouganda pour le New York Times Magazine. Elle a remporté de nombreux prix internationaux, dont le Premier Award au World Press Photo en 2010. Ses monographies incluent : Between Darkness and Light – Selected works: South Africa 1994-2010; Between Dogs and Wolves – Growing up with South Africa, 1996; Soweto, 2010; et Real Beauty, 2014. Son travail est présenté dans des collections telles que The Walther Collection, New York ; La Collection Pinault, Paris ; la galerie d’art de Johannesbourg ; et les musées Iziko d’Afrique du Sud. En 2018, Bieber a été nominée par la Royal Photographic Society comme l’une des cent héroïnes, qui a célébré les femmes dans la photographie à travers le monde et l’année du centenaire du droit de vote des femmes au Royaume-Uni.
À propos d’Esther Bubley (1921-1998)
Née à Phillips, Wisconsin, Esther Bubley a déménagé à Washington, DC, en 1940 pour poursuivre son travail de photographe. Plus tard cette année-là, à New York, Edward Steichen l’a aidée à décrocher un poste temporaire au magazine Vogue. Bubley retourna à Washington en 1941 et fut embauché pour microfilmer les Archives nationales. Elle a commencé à prendre des photos en parallèle et a finalement été envoyée en mission pour la Farm Security Administration. Tout en travaillant pour des entreprises clientes, Bubley est devenue une photographe indépendante et a travaillé régulièrement pour de nombreux magazines nationaux, dont Life. Elle a publié trois livres de ses photographies – des images d’enfants, des sites new-yorkais financés par la famille Rockefeller et une jam session de Charlie Parker. Les photographies de Bubley ont été acquises par des musées comme le Metropolitan Museum of Art et le Museum of Modern Art ; New York; la Bibliothèque du Congrès et la National Portrait Gallery, Washington ; George Eastman House, Rochester, NY ; et le musée d’art américain Amon Carter, Fort Worth.
À propos de Rebecca Lepkoff (1916-2014)
Rebecca Lepkoff a développé son œil sous la tutelle d’Arnold Eagle, le premier des nombreux photographes juifs idéalistes – dont Sid Grossman, Paul Strand et Walter Rosenblum – qui l’a présentée à la Photo League et l’a encouragée à continuer à documenter New York. Son travail a été présenté dans un certain nombre de livres, de galeries et d’expositions de musées, notamment A History of Women Photographers de Naomi Rosenblum ; Bystander: A History of Street Photography par Joel Meyerowitz et Colin Westerbeck ; et The Radical Camera, New York’s Photo League (1936-1951). En 2006, une monographie de son travail, Life on the Lower East Side: Photographs by Rebecca Lepkoff, 1937-1950, a été publiée. L’œuvre de Lepkoff fait partie des collections du National Museum of Art de Washington, D.C., de la National Gallery of Canada et du Museum of the City of New York.
À propos d’Helen Levitt (1913-2009)
Pionnière qui a travaillé en dehors des groupes organisés, Helen Levitt s’est inspirée des photographes Walker Evans et Henri Cartier-Bresson. Elle est descendue dans la rue après avoir été ennuyée par la nature prosaïque du travail en studio. Alors qu’elle donnait des cours d’art aux enfants dans les années 1930 pour le Federal Art Project de New York, Levitt s’est intéressée à la culture de rue des enfants, en particulier à leurs dessins rudimentaires à la craie. L’acclamation de son travail au cours de sa vie s’est concrétisé par des réalisations telles que son exposition personnelle au Museum of Modern Art de New York, sa nomination comme photographe du National Endowment for the Arts et la réception de deux bourses de la Fondation Guggenheim.
À propos de Vivian Maier (1926-2009)
Vivian Maier était une photographe de rue américaine dont l’œuvre massive et inédite a été révélée lorsqu’elle a été achetée lors d’une vente aux enchères à Chicago en 2007. Née à New York, Maier a passé une partie de sa jeunesse en France, puis a travaillé à Chicago en tant que nounou pendant la plus grande partie de sa vie. Dans ses loisirs, Maier s’est aventurée dans l’art de la photographie. Prenant constamment des photos au cours de cinq décennies, elle laissera finalement derrière elle plus de 100 000 négatifs. Bien que ses photographies aient séduit les spectateurs du monde entier depuis qu’elles ont été portées à la connaissance du public, il reste beaucoup de choses inconnues sur la femme énigmatique derrière l’objectif. Le contenu de l’espace de stockage de Maier a été acheté par plusieurs acheteurs aux enchères, dont John Maloof, qui s’est depuis consacré à établir son héritage. Bien qu’il n’ait pas pu se connecter avec Maier de son vivant, Maloof a partagé une sélection de photographies de Maier en ligne en 2009 et a suscité un intérêt viral. Obligé d’en savoir plus sur la femme derrière l’objectif, Maloof a commencé à enquêter sur la vie et l’œuvre de Maier, aboutissant au documentaire nominé aux Oscars Finding Vivian Maier (2014). Depuis la découverte de son travail, les photographies de Maier ont fait l’objet de plusieurs publications et ont été exposées dans de grandes institutions à travers le monde.
À propos de Mary Ellen Mark (1940-2015)
En 1965, Mary Ellen Mark a remporté une bourse Fulbright pour photographier en Turquie pendant un an, un honneur que Mark décrit comme « le début du voyage photographique de ma vie ». Membre de Magnum de 1971 à 1981, Mark a enseigné la photographie pendant plus de 30 ans, ses concepts et ses approches pour capturer des portraits intimes. Mark a vu de près l’humanité de ses sujets et a établi des liens solides qui lui ont permis d’entrer dans leur monde. Parmi ses nombreuses distinctions figurent trois bourses du National Endowment for the Arts, le Lifetime Achievement in Photography Award de la George Eastman House et le Outstanding Contribution Photography Award de la World Photography Organization. et des portraits pour des publications telles que Life, le New Yorker, Rolling Stone, Vanity Fair et le New York Times Magazine, son travail a également été largement exposé dans des galeries et des musées du monde entier. Elle a publié plus de 20 livres et a reçu de nombreux prix et bourses pour la photographie et le journalisme.
Frances McLaughlin-Gill (1919-2014)
Frances McLaughlin-Gill était une photographe de mode américaine née à Brooklyn, NY, et élevée à Wallingford, CT, avec sa sœur jumelle Kathryn Abbe. Les deux sœurs deviendront photographes. En 1941, Frances a obtenu un BFA en art et design de l’Institut Pratt. Cette même année, sa photographie de Jacqueline Bouvier est choisie comme finaliste du concours Vogue du Prix de Paris. En 1943, McLaughlin-Gill est embauchée par Alexander Liberman, le nouveau directeur artistique de Vogue. Elle a été la première femme photographe à signer un contrat avec Vogue. Tout au long de ses 11 années chez Vogue, McLaughlin-Gill a développé son talent pour capturer les moments décontractés, fugaces et intimes de ses sujets. En outre, McLaughlin-Gill a réalisé des couvertures et des pages éditoriales pour Glamour, House & Garden et British Vogue, entre autres. Son style photographique a été le pionnier de la photographie de mode réaliste d’aujourd’hui.
À propos de Lisette Model (1901-1983)
Lisette Model n’était pas seulement connue pour ses portraits candides dans les rues de New York dans les années 1940 et 1950, mais aussi pour sa fascination pour le consumérisme américain. À partir de cet intérêt, elle a photographié une série de réflexions, qui exploraient les images manufacturées, les produits et les consommateurs dans les vitrines. Elle était reconnue pour sa déviation radicale du point de vue traditionnel et sa préoccupation pour les notions de glamour et d’anti-glamour. Le travail de Model réside dans de nombreuses collections permanentes, dont le Whitney Museum of American Art, New York, et la George Eastman House, Rochester. Récompensée d’une bourse Guggenheim en 1965, ses photographies ont été exposées dans des institutions telles que la National Gallery of Art et la Smithsonian Institution, Washington, D.C., et le Museum of Modern Art, New York.
À propos de Barbara Morgan (1900-1992)
Barbara Morgan est surtout connue pour ses photographies emblématiques de danseurs modernes, dont Martha Graham et Merce Cunningham. Elle a été co-fondatrice du magazine de photographie Aperture, avec Ansel Adams, Beaumont Newhall, Dorothea Lange et d’autres. Morgan a travaillé dans le dessin et la peinture jusqu’en 1935, date à laquelle elle est devenue mère et a commencé à apprécier la nature instantanée de la photographie. Son travail a été inclus par Edward Steichen dans l’exposition Family of Man du Museum of Modern Art. Ses photographies ont été largement exposées, y compris une deuxième exposition personnelle au Museum of Modern Art de New York. Elle était amie avec certains des esprits les plus créatifs de son temps, notamment Edward Weston, Gordon Parks, Margaret Mead et Buckminster Fuller. En 1943, ses photographies ont été exposées au Black Mountain College pour accompagner une conférence de Josef Albers. Ses archives se trouvent au Center for Creative Photography de l’Université de l’Arizona.
À propos de Ruth Orkin (1921-1985)
Ruth Orkin a grandi à Hollywood à l’apogée des années 1920 et 1930. À 17 ans, elle a fait un grand voyage à vélo à travers les États-Unis, de Los Angeles à New York, pour voir l’Exposition universelle de 1939, et elle a photographié en cours de route. En 1943, elle s’installe à New York et travaille pour de grands magazines. Orkin est allé en Italie en 1951 et a rencontré Nina Lee Craig, une étudiante en art et compatriote américaine, qui est devenue le sujet de sa célèbre photographie American Girl in Italy. À son retour à New York, Orkin épouse le photographe et cinéaste Morris Engel. Ensemble, ils ont produit deux longs métrages, dont le classique Little Fugitive, qui a été nominé pour un Academy Award en 1953. Depuis leur appartement new-yorkais surplombant Central Park, Orkin a photographié des marathons, des défilés, des concerts, des manifestations et les changements de saisons. Ces photographies ont fait l’objet de deux livres largement acclamés, A World Through My Window et More Pictures From My Window.
À propos de la galerie Howard Greenberg
Depuis sa création à New York il y a 40 ans, la galerie Howard Greenberg a constitué une vaste collection en constante évolution de certaines des photographies les plus importantes du médium. La collection de la Galerie agit comme une histoire vivante de la photographie, offrant des genres et des styles allant du pictorialisme au modernisme, en plus de la photographie contemporaine et des images conçues pour l’industrie, la publicité et la mode.
Ancien photographe et fondateur du Center for Photography à Woodstock en 1977, Howard Greenberg fait partie d’un petit groupe de galeristes, conservateurs et historiens responsables de la création et du développement du marché moderne de la photographie. La galerie Howard Greenberg, fondée en 1981 et connue à l’origine sous le nom de Photofind, a été la première à exposer régulièrement du photojournalisme et de la photographie de rue, désormais acceptés comme des éléments importants de l’art photographique.
La galerie est située à deux endroits de la 57e rue : un espace d’exposition au 8e étage du bâtiment Fuller au 41 East 57th Street ; et un étage entier au 32 East 57th Street, juste en face du Fuller Building, pour héberger, gérer et présenter ses vastes archives de plus de 40 000 tirages.
A Female Gaze : Seven Decades of Women Street Photographers
9 janvier – 2 avril 2022
Howard Greenberg Gallery
8ème étage du Fuller Building au 41 East 57th Street
New York, NY 10022
www.howardgreenberg.com
