Horst P. Horst, le photographe américain d’origine allemande est considéré comme le maître ultime de l’élégance et de la sophistication dans l’histoire de la photographie. Ses images ont non seulement façonné le langage photographique depuis le début du XXe siècle, mais son travail présente également une maîtrise des qualités formelles de la photographie tout en mélangeant parfaitement les frontières de la mode, de l’art et du commerce. Véritable maître de la lumière et de la composition, il a parfaitement combiné la photographie de mode avec l’art et la haute société tout au long d’une illustre carrière qui a duré six décennies, et son œuvre reste l’une des plus référencées aujourd’hui.
DE HAMBOURG À PARIS
Horst P. Horst est né en 1906 à Hambourg sous le nom de Horst Albert Bohrmann. À la fin des années 1920, il étudie l’architecture à la Kunstgewerbeschule de Hambourg, puis part à Paris pour étudier auprès du célèbre architecte Le Corbusier. Pendant son séjour à Paris, Horst s’est lié d’amitié avec le photographe vedette de Vogue, le baron George Hoyningen-Huene, et est devenu son assistant photographique, son modèle occasionnel et son amant.
EN VOGUE
Hoyningen-Huene a introduit Horst dans le monde créatif, ainsi que dans la photographie de mode dans les années 1930. Son association avec Vogue France, cependant, a commencé en 1931 où une annonce pleine page montrant un modèle en velours noir tenant un flacon de parfum Klytia dans une main a été publiée dans le magazine. Sa percée a eu lieu en 1932, lorsqu’il a eu sa première exposition à La Plume D’Or à Paris, et British Vogue a montré trois de ses études de mode dans son numéro de mars 1932. Horst s’installe ensuite brièvement à New York pour le Vogue américain, mais des divergences d’opinion avec l’éditeur du magazine le poussent à retourner en Europe. Lorsque Hoyningen-Huene quitte Vogue pour Harper’s Bazaar en 1935, Horst prend la relève et devient le photographe en chef de Vogue France. A la veille de la Seconde Guerre mondiale, en août 1939, il fuit Paris pour New York, où il commence à créer des images pour Vogue US et Vanity Fair où il travaille jusqu’au début des années 80, avec une courte interruption du service militaire entre 1942-1945.
OMBRES ATMOSPHÉRIQUES PROFONDES
Style, les ombres atmosphériques profondes étaient une caractéristique de la photographie de mode et de portrait de Horst. Il évitait d’éclairer les images d’en haut et choisissait de mettre en évidence certaines caractéristiques spécifiques dans le cadre avec des projecteurs sur le côté ou sous le sujet. Cela non seulement créait un sens de drame et de mystère, mais également révélait son intérêt et son appréciation pour l’histoire de l’art. Ses deux photographies, Alix Gown, 1938, et Helen Benett (Cape Dress), 1936, par exemple, présentent deux modèles au centre même du cadre, avec des poses sculpturales qui font référence à une norme idéalisée de beauté de l’antiquité classique. L’association des modèles avec le classicisme est encore renforcée par la robe, donnant l’apparence du marbre. Les ombres méticuleusement contrôlées définissent magnifiquement les traits du corps et donnent aux images leur élégance intemporelle.
UNE MAÎTRISE DE LA LIGNE ET DE LA FORME
Les études exquises de Horst P. Horst sur le nu ont encore montré sa maîtrise de la ligne et de la forme. Male Nude I, daté de 1952, fait partie d’une série de photographies qu’il a réalisées dans les années 1950 et montre un jeune homme penché en arrière, les bras au-dessus de la tête. Son genou levé devient le point central de l’image, déguisant et attirant l’attention sur la région de l’aine. Horst utilise une fois de plus une forme d’éclairage focalisé pour créer des zones de surbrillance et d’ombre profonde, et invite le spectateur à apprécier la beauté de la forme humaine. Sa vision minimaliste se traduit par la création de lignes claires, simplifiées mais élégantes créées par le corps humain. La peau devient aussi lisse que le marbre, assimilant l’image à des peintures ou à des sculptures de nus classiques.
Mehemed Agha, le célèbre directeur artistique du Vogue américain, faisait l’éloge des nus de Horst en disant : « [Il] prend l’argile inerte de la chair humaine et la modèle avec les formes décoratives de sa propre conception. Chaque geste de ses modèles est planifié, chaque trait maîtrisé et coordonné à l’ensemble du tableau.
Prenant jusqu’à deux jours pour mettre en place la lumière, son style a donné un certain effet de clair-obscur, en particulier à sa série d’études de nus exquises.
CORSET MAINBOCHER
L’une des photographies les plus célèbres et les plus emblématiques de Horst est peut-être le Corset Mainbocher, qu’il a pris en 1939. En fait, la photo a une résonance historique car c’est la dernière photo qu’il a prise à Paris avant de fuir à cause de la guerre. Il dira plus tard : “Pendant que je le prenais, je pensais à tout ce que je laissais derrière moi.”
L’image représente le mannequin Madame Bernon portant un corset lacer au dos en satin rose du créateur peu connu. La photographie illustre la sexualité et l’érotisme avec le corset porté sur la peau nue, ce qui, à l’époque, n’aurait pas été le cas en termes de port normal. La façon dont le corset s’ouvre autour du buste crée une sensualité rendant l’image encore plus provocante. La forme du corps du modèle crée une courbe en forme de S, un critère souvent pris en considération pour la beauté universelle, faisant allusion aux normes grecques de beauté. Nous ne pouvons pas voir l’expression faciale du modèle, comparant davantage la figure à la forme idéalisée de la statue classique et à d’autres nus historiques.
DU CLASSICISME AU SURRÉALISME
Bien que Horst ait une grande appréciation du classicisme, le mouvement surréaliste a également eu un grand impact sur son travail. Son intérêt pour le surréalisme a été en partie inspiré par ses premières relations personnelles à Paris avec Salvador Dali et Man Ray, et la créatrice de mode Elsa Schiaparelli. Bien qu’il s’agisse principalement de liens sociaux, Horst a collaboré professionnellement avec Dali, photographiant ses costumes pour le ballet Bacchanale en 1939, ainsi que quelques portraits emblématiques de Dali et Schiaparelli eux-mêmes. Son utilisation de l’imagerie surréaliste et son enthousiasme pour la collaboration avec des artistes surréalistes se retrouvent souvent dans ses séries photographiques dès le début.
ELECTRIC BEAUTY
Au cours des années 30 et 40, Horst a incorporé des décors fantastiques, des objets déplacés, des formes corporelles érotisées et désincarnées dans ses photographies, ce qui a créé une aura fantaisiste et mystérieuse combinée à son esthétique classique. Electric Beauty, l’une des photographies de Horst de 1939, montre un modèle masqué recevant divers soins de beauté potentiellement dangereux sur fond d’une peinture de Bosch et, selon la conservatrice Susanna Brown,
« [C’est] un commentaire satirique sur les traitements de beauté de plus en plus extrêmes des années 1930, et la futilité de telles préoccupations à une époque où le monde était au bord de la guerre. »
ROUND THE CLOCK
Une autre de ses photographies emblématiques, Round The Clock, bien que créée à une date beaucoup plus tardive en 1987, montre que Horst faisait toujours référence à son intérêt précoce pour le surréalisme avec l’utilisation de personnages recadrés et désincarnés, à travers le placement des jambes un affichage d’un torse recadré. Horst a souvent utilisé le surréalisme pour élever la mode vers quelque chose d’éthéré et d’un autre monde tout en restant fidèle à la qualité atmosphérique de ses images.
PRÉPARER LE TERRAIN DU DÉVELOPPEMENT DE LA PHOTOGRAPHIE DU 20E SIÈCLE
En tant que pionnier de la photographie de mode et de portrait, le travail de Horst P. Horst a ouvert la voie au développement de la photographie du XXe siècle à partir des années 30. En fait, la plupart des photographes qui ont produit de grandes images de mode avouent avoir été profondément influencés par le travail de Horst. Il est reconnu pour assimiler les styles et les influences de l’art et de l’histoire dans ses photographies. Sa carrière de plus de soixante ans qui s’est poursuivie jusque dans les années 80, était connue pour être variée et innovante, et se définit toujours par une maîtrise de la lumière, de la ligne et de la forme. Continuellement vénéré par les spectateurs et les artistes à ce jour, son travail a été inclus dans de nombreuses expositions à travers le monde et figure dans les collections de grands musées, notamment ; Victoria & Albert Museum, National Portrait Gallery, le Museum of Fine Arts Boston, International Center of Photography, le Palais Fortuny et le Louvre.
Holden Luntz Gallery
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