Exposition photo À partir d’aujourd’hui, la peinture est morte: Les débuts de la photographie en Grande-Bretagne et en France

Avec environ 250 photographies de la collection de Michael Mattis et Judy Hochberg. Jusqu’au 12 mai 2019, à la Barnes Fondation, 2025 Benjamin Franklin Parkway, Philadelphie, PA 19130. Informations: http://www.barnesfoundation.org.

Il était peut-être scandaleux de proclamer la fin de la peinture dans les années 1830, lorsque l’invention de la photographie révolutionna le potentiel des arts visuels. Mais la célèbre exclamation du peintre français Paul Delaroche, « À partir d’aujourd’hui, la peinture est morte ! » semble aujourd’hui ironique.

Plutôt que de tuer la peinture, la photographie l’a seulement libérée, libérée des études de perspective, de la mise en scène, des trompes-l’œil et du portrait classique. À mesure que la photographie s’épanouissait, l’abstraction et l’expérimentation picturales se sont développées, donnant une nouvelle vie à l’art. Depuis Daguerre, toutes les formes d’art visuels ont prospéré.

C’est la glorieuse et évidente intuition immédiatement visible à la Fondation Barnes de Philadelphie, où la collection inégalée de chefs-d’œuvre impressionnistes et modernistes du XIXe siècle d’Albert Barnes partage maintenant un espace d’exposition avec la deuxième exposition sur la photographie dans l’histoire de la Fondation. Scénographié par le président de Barnes Thom Collins, « From Today, Painting Is Dead » (À partir d’aujourd’hui, la peinture est morte) rassemble quelque 250 anciennes photographies de la collection privée de Michael Mattis et Judy Hochberg. Thom Collins les expose sous des thématiques claires à travers plusieurs galeries, guidant les visiteurs tout au long du premier voyage de la photographie, face aux tropes de la peinture académique qu’elle allait dépasser.

Ainsi, la collection est organisée par les hiérarchies académiques officielles de l’Ancien Régime – de la primauté de la peinture d’histoire à l’ordre hiérarchique en passant par le portrait, le genre (ou images de la vie quotidienne), le paysage et enfin la nature morte. Pour la peinture, de telles distinctions prévalaient pour des raisons morales, religieuses et politiques, mais la photographie embrassait et remettait en question une telle convention et combattait les limitations techniques dans l’effort d’égalisation ou de supériorité esthétique.

Le paysage, par exemple, représentait un défi immédiat en ce sens que les premiers photographes n’étaient pas en mesure de capturer le terrain et le ciel naturellement éclairés en une seule image sans une vue du ciel surexposée. Il est donc fascinant de voir l’élégante solution de « La grande vague » de Gustave Le Gray, 1857, une copie d’albumine créée à partir de deux négatifs – l’un de la mer, l’autre d’un ciel nuageux, parfaitement unis en une seule image : la première photo Photoshoppée. Une telle ingéniosité n’était peut-être pas la règle à ses débuts, mais la beauté élémentaire de ces paysages anciens se démarque avec une grande immédiateté ; et tandis que le spectateur se déplace de galerie en galerie, la richesse de la variété et de la dimension du début du médium laisse une forte impression, d’autant plus que les spécimens recueillis sont d’une grande qualité et dans un excellent état.

Les collectionneurs Mattis et Hochberg, présents à l’ouverture de l’exposition à la fin du mois de février, étaient à juste titre fiers de la profondeur et de la beauté de leurs collections. « J’espère qu’un tel spectacle va sensibiliser le public à la photographie du XIXe siècle », a déclaré Judy Hochberg lors de la revue des galeries. « Des artistes comme Le Gray et William Henry Fox Talbot devraient être plus connus. » Michael Mattis a souligné l’aspect fusion-esthétique de la manifestation : « Les premiers contacts entre la photographie et la peinture sont importants, bien entendu, et il est rare d’en voir un aperçu sur les murs des musées. La plupart des expositions de ce type sont des enquêtes monographiques. »

Le conservateur Collins a mis l’accent sur la notion très moderniste de « l’angoisse avec laquelle les artistes accueillaient la photographie, bien qu’il faille attendre près de 50 ans avant que la technologie évolue suffisamment pour se rapprocher de l’œuvre des peintres du XIXe siècle ». Pour Collins, la période des années 1840-1880 a été « la période très fertile », lorsque les photographes pionniers ont apporté une énergie et une inspiration énormes au défi, « aux prises avec le complexe héritage de la culture visuelle officielle, parrainée par l’État ».

Et donc, il y a beaucoup à affronter. La nuance de la peinture de portrait remettait en question les longs temps d’exposition requis par le premier moyen de photo-portrait populaire, le daguerréotype, mais de grands portraits au verre négatif sont apparus et la collection en est riche, y compris plusieurs daguerréotypes stéréoscopiques nus et érotiques la détermination brisant les tabous des photographes à étendre la conversation culturelle (et commerciale), ainsi que des trésors tels que le portrait de deux sœurs parisiennes d’Auguste Belloc, jumelé à un criard. De plus, les nombreux exemples de portraits picturaux préraphaélites de Julia Margaret Cameron, avec ses schémas allégoriques et ses sujets profilés, constituent une avancée décisive dans le domaine de la photographie – et pour les femmes dans les arts.

Les points forts sont nombreux. Les calotypes originaux de Fox Talbot – des natures mortes aux portraits, en passant par les paysages et les genres – poussent le médium dans tous les sens, tandis que les premiers maîtres français, tels Eduard Baldus, Hippolyte Bayard, les Bisson Brothers, ont capturé l’architecture et l’iconographie géographique, avec Gray, Felice Beato et de grands artistes comme Felix Nadar, qui a découvert la beauté sombre et a fait montre d’un modernisme sans faille dans ses vues des catacombes aux têtes de morts, stratégiquement éclairées par une lumière artificielle. Et son portrait de Victor Hugo sur le lit de la mort, datant de 1885, met en lumière le pouvoir naissant de la photographie de célébrités.

Le Britannique Roger Fenton, dans une nouvelle optique, a été le pionnier de la photographie de guerre avec ses images de la guerre de Crimée. La collection contient des exemples de ses images emblématiques de 1855 « La vallée de l’ombre de la mort », dans lesquelles le paysage jonché de boulets de canon est un témoignage muet de la désolation, ainsi que son panorama de 11 plaques de Sébastopol. Et certains des plus anciennes photographies de voyage illustrent l’exotisme – aux yeux occidentaux – du Moyen-Orient, de l’Afrique, de l’Inde, de l’Équateur, du Mexique et de la Nouvelle-Zélande, contribuant à lancer des vagues de tourisme qui modifieraient la culture mondiale.

Il y a certains éléments clé hors normes ainsi que l’étude du génie du XXe siècle. Venant d’Amérique, des exemples d’empreintes de platine d’Alfred Stieglitz sont inclus – un paysage d’arbres époustouflant, « November Days » de 1887, et le portrait de genre « The Letterbox » de 1894. Et les nombreux exemples de « photographes inconnus » se font concurrence de manière surprenante, avec les réalisations des célèbres Moulin, Nègre ou Hill et Adamson.

En effet, une étude rare comme celle-ci témoigne de l’éclectisme et de la détermination des collectionneurs et des conservateurs passionnés à rendre justice à une période cruciale de l’évolution de l’esthétique. Revendiquer l’espace d’une galerie dans un lieu unique – si ce n’est sacré – est prestigieux, tout comme les Barnes en dit long sur ce que Mattis et Hochberg ont fait. Et le style organisationnel et la substance de Thom Collins (faisant partie d’une collaboration entre Barnes et le professeur Aaron Levy de l’Université de Pennsylvanie, avec les contributions de conservateurs d’étudiants du séminaire de conservation Spiegel-Wilks 2018 de Penn) étayent le projet avec goût, haute érudition et sens aigu de l’ordre.

Matt Damsker est un auteur et critique qui a écrit sur la photographie et les arts pour le Los Angeles Times, le Hartford Courant, le Philadelphia Bulletin, le magazine Rolling Stone et d’autres publications. Son livre « Rock Voices » a été publié en 1981 par St. Martin’s Press. Son essai dans le livre « Marcus Doyle: Night Vision » a été publié à l’automne 2005.

Il examine actuellement des livres et des expositions pour le bulletin d’information électronique et aujourd’hui aux États-Unis.

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