HAUTE PHOTOGRAPHIE Amsterdam 2024 #2 par John Devos
Paulien Dubelaar (Les Pays Bas) 1974 (images 1-4)
Paulien traite de questions existentielles, telles que : le sens de la vie et de la mort, comment pouvons-nous vivre une existence significative, qui sommes-nous en tant qu’êtres humains ? Là où les réponses ne sont pas facilement accessibles, elle tente d’explorer avec ses images : la grandeur et l’insignifiance, la vulnérabilité et l’éphémère, l’immobilité et le mouvement, l’obscurité et la lumière. Elle se sent liée aux idées des philosophes existentialistes et s’en inspire dans son œuvre photographique
Dans ses images, Paulien montre des moments détachés de leur passé et de leur avenir. Elle veut séduire le spectateur pour qu’il embrasse chaque moment à nouveau, qu’il ressente de l’amour pour ce qui est, et même qu’il chérisse le destin.
Paulien utilise différentes techniques pour éditer ses images, telles que la gravure, le zokin gake et le cyanotype. En utilisant ces techniques, elle ajoute une dimension supplémentaire pour donner vie aux images. Les photographies sont évocatrices, avec un mélange de contenu onirique et d’esthétique picturale. On y trouve un mélange de romantisme, de noirceur gothique et de fantaisie.
Outre son travail créatif, Paulien est active dans le domaine de l’éducation, les 12 dernières années dans le domaine de gestion.
Peter Molle (Pays-Bas) 1957 (images 5-8)
Peter Molle est un photographe néerlandais. Il a appris son métier en étant l’assistant de plusieurs photographes à Amsterdam et à New York. Il a ensuite commencé à réaliser des films publicitaires et, après une longue et fructueuse carrière en tant que réalisateur de films publicitaires, il est récemment revenu à ses racines : la photographie. Il travaille actuellement sur divers projets personnels dans lesquels il recherche différentes façons d’utiliser le processus photographique.
Peter utilise la photographie principalement comme un outil graphique, s’éloignant des images photographiques traditionnelles. En se concentrant sur la texture et la composition, il crée des images qui sont visuellement frappantes, multicouches et qui incitent à la réflexion.
Son objectif est de remettre en question la façon dont les gens perçoivent la photographie, en les encourageant à regarder au-delà de la surface et à trouver une beauté abstraite au-delà de l’évidence. En s’éloignant des normes photographiques traditionnelles, il cherche à repousser les limites de la narration visuelle et à susciter une réaction plus profonde et plus réfléchie de la part du public.
Le travail de Peter s’inspire de l’histoire de l’art, notamment de mouvements comme l’expressionnisme abstrait et le surréalisme, qui visent à montrer des vérités émotionnelles et psychologiques plus profondes. À l’instar de l’esthétique japonaise Wabi-Sabi, qui trouve la beauté dans l’imparfait, le temporaire et l’incomplet, il embrasse et célèbre les imperfections de ses sujets. Ce contexte artistique influence son approche et son style visuel.
L’une des séries les plus remarquables de Peter, « Broken » (actuellement exposée à la Haute Photographie), explore la beauté de l’imperfection. Cette série montre comment les défauts et les fractures peuvent être beaux, remettant en question les idées traditionnelles de la perfection. Avec « Broken », il met en évidence les forces et le caractère unique de l’imperfection, encourageant les spectateurs à apprécier ce qui est incomplet et endommagé.
Rutger ten Broeke (Pays-Bas), 1944 (images 9-12)
Rutger ten Broeke est une figure clé du développement de la photographie aux Pays-Bas. Dans son travail, la relation entre le corps féminin et la nature est centrale.
Par fascination et respect pour les femmes, Ten Broeke travaille principalement avec des modèles féminins. Tout au long du développement de son œuvre, le nu est devenu de plus en plus une métaphore. Le modèle – un mot que Ten Broeke déteste car il dépersonnifie – n’est pas seulement une femme pour le photographe, c’est le symbole de « la femme ». Le photographe la renvoie à la nature ; deux sources élémentaires qui s’interpellent l’une l’autre. Dans son livre Rutger ten Broeke. Forty Years (2009), il écrit : « J’essaie désespérément de faire en sorte que les deux se rejoignent, mais j’échoue généralement, quels que soient mes efforts… Heureusement, cette recherche aboutit à des images que je ne cherchais pas exactement, mais que j’apprécie tout de même ». Pour Ten Broeke, une bonne photographie est une photographie qui révèle la vérité.
Ten Broeke ne s’approche jamais trop près et ne fait presque jamais de gros plans. Lorsqu’il photographie des nus, il est essentiel qu’il y ait un rapport pur et archétypique avec leur environnement. Le nu commente le paysage ou l’intérieur, tandis que l’environnement n’aurait aucun sens sans la présence humaine. Tout cela se résume à une histoire sur les relations, la vulnérabilité et l’amour.
Outre son travail de photographe, Ten Broeke a été rédacteur et journaliste pour Foto Magazine, a organisé la première Fotobiennale d’Enschede et a fondé la Galerie F.32 à la fin des années 80. Il a également enseigné à l’académie d’art AKI à Enschede pendant de nombreuses années.
Samy Iverson (Égypte/États-Unis) 2002-2023 (images 13-16)
Samy Iverson possédait une curiosité innée pour le monde et embrassait chaque moment à cœur ouvert. Si l’on plaçait Samy dans une pièce remplie de gens, on pouvait l’observer se connecter sans effort avec toutes les personnes présentes. Sa gentillesse et sa capacité à toujours parler calmement font de Samy une personne au caractère exceptionnel, des qualités qui se traduisent parfaitement dans son identité d’artiste et de photographe.
L’éducation multiculturelle de Samy, enracinée à la fois en Égypte et en Amérique, a considérablement influencé sa vision de la vie. La combinaison des expériences vécues au Caire et à Chicago a façonné son point de vue unique. Samy s’intéressait à beaucoup de choses, notamment au tennis, aux voitures, aux timbres, aux montres, aux vieilles photos et à diverses antiquités. Ces intérêts éclectiques se sont manifestés dans sa photographie, qui a pris son essor lorsqu’il a reçu son premier appareil photo professionnel, un Nikon D3200, en 2018. Sa pratique photographique s’étend à l’architecture, aux paysages urbains, aux monolithes, à l’eau et aux nuages, souvent caractérisés par son utilisation du minimalisme et de l’espace négatif.
Ce groupe d’images dorées (pigment sur vélin sur feuille d’or) couvre plusieurs séries de Samy.
Samy est décédé en 2023 à l’âge de 21 ans.
Simone Engelen (Pays-Bas) 1988 (images 17-20)
« Quelqu’un est assis à l’ombre aujourd’hui
parce que une personne a planté un arbre il y a longtemps ».
Simone Engelen est une artiste basée à Amsterdam qui explore la tranquillité. Façonné par son séjour dans un monastère bouddhiste japonais, son travail vise à capturer et à évoquer le calme, invitant le spectateur à faire une pause et à s’engager dans l’essence de l’être. Elle présentera à Haute une série d’images tempétueuses, évoquant des sentiments de mélancolie et d’introspection. À travers sa photographie, elle explore constamment de nouvelles façons de calmer l’esprit. En relevant des défis artistiques, elle joue avec la malléabilité de la vie ; chaque projet est une ode à l’être.
«Crossing the Lake», par exemple, est une image fixe d’une performance. Elle va et vient sur un immense lac gelé recouvert de neige, laissant un motif d’empreintes jusqu’à ce que la surface soit uniformément recouverte d’une empreinte de 15 heures du temps lui-même, en accord avec le rythme de l’artiste.
Elle présentera deux autres séries : Photosynthèse et Sir Etok.
La photosynthèse a été créée à partir de l’adage d’Albert Szent-Gyorgyi : Toute l’énergie que nous absorbons dans notre corps provient du soleil. Dans les modes de vie actuels, axés sur l’intérieur, notre lien intrinsèque avec la lumière naturelle est souvent négligé. Malgré l’idée reçue selon laquelle la lumière du soleil est nocive (surtout pour une rouquine comme moi), le fait de l’éviter complètement peut affecter notre bien-être physique et émotionnel. Ainsi, chaque fois que je me trouve dans un nouvel endroit de la nature, je prends consciemment un moment pour absorber pleinement le soleil et sa beauté. « Photosynthesis » a été commandée par Hortus Botanicus à Amsterdam pendant la pandémie de 2020 et s’inspire de mon propre désir de soleil pendant l’hiver et le confinement – le désir d’un moment de photosynthèse.
Sir Etok est un photo-journal relatant de manière poétique l’un de ses voyages au Japon.
Tamara Stoffers (Pays Bas) 1996 (images 21-24)
Tamara Stoffers compose des collages analogiques avec le matériel de ses vastes archives de publications de l’ère soviétique. En explorant le langage visuel caractéristique de cet espace et de cette époque, ses œuvres montrent un monde imparfait et artificiel dans lequel les protagonistes insérés ont été dotés d’une voix propre. Ses interventions restent visibles dans les paysages de rêve dysfonctionnels grâce à des coupes et des grilles d’impression.
Elle explique : « L’esthétique de l’Union soviétique exerce sur moi un attrait mystérieux. Son langage visuel typique dans l’architecture et l’art est nostalgique pour certains et toujours d’actualité pour d’autres. Je compose mes images à partir de vieux livres sur l’URSS, en coupant et en collant pour créer de nouvelles situations. En fouillant dans les archives sans plan préconçu, je trouve inconsciemment des connexions visuelles. Mon plus grand défi réside dans les limites imposées par la taille et le sujet du matériel source. Les traces subtiles du matériau et de mes interventions, comme les grilles et les coupes, montrent que la base est strictement analogique »
Depuis l’obtention de son diplôme d’école d’art en 2017, ses collages ont été présentés lors d’expositions individuelles dans des musées d’art à Moscou et à Saint-Pétersbourg, ainsi que dans des festivals d’art à Bruxelles et à Rotterdam.
Tim Neels (Belgique) 1986 (images 25-28)
Tim Neels ne s’inspire pas seulement des images qui nous entourent, mais aussi des émotions, des histoires et de la musique. Il ne se concentre pas sur une expression artistique spécifique, ne se laisse pas enfermer dans un carcan et n’accepte pas les restrictions. Cette liberté durement acquise est la source de son inspiration.
Chez Haute, il nous présente des « Gedachtenvormers » ou « Thought-Shapers » (Façonneurs de pensées). Selon lui, nous vivons dans une société en mutation rapide où nous sommes inondés d’une abondance d’informations par le biais de divers canaux. Ce flux de données nouvelles, anciennes, fausses ou alternatives tente d’influencer nos pensées, et nous ne pouvons pas toujours distinguer le vrai du faux, le bon du mauvais. Nous avons parfois l’impression d’être obligés de nous forger, de déformer ou de changer constamment d’opinion.
TALENT
Ellen Kramer (Pays Bas) (images 29-32)
« À l’âge de 9 ans, une vieille tante m’a offert mon premier appareil photo. En même temps, elle m’a proposé mon premier cours de photographie : elle m’a appris à développer des films analogiques. Ce cadeau est devenu l’intérêt de toute une vie : même lorsque j’ai obtenu mon diplôme de médecin en 1986, je me suis spécialisée dans la réalisation et l’interprétation d’images microscopiques.
Après une grave maladie, j’ai dû renoncer à une carrière en oncologie. J’ai de nouveau pensé à la photographie, et j’y ai désormais consacré toute mon attention. J’ai suivi les cours de la Fotoacademie Amsterdam, où j’ai obtenu mon diplôme en mai 2024. À l’Académie, la photographie conceptuelle était mon principal centre d’intérêt.
Mon environnement habituel est ma source d’inspiration. Mes sujets ont souvent un thème social et reflètent mes expériences personnelles. La tactilité m’est également chère.
Je préfère le noir et blanc pour voir des structures plus claires. Mes images ne représentent pas nécessairement la réalité visible, mais j’essaie de mettre à jour la tension entre ce que nous percevons et la vérité. Je crée ainsi un monde différent, parfois aliénant, dans lequel les choses ne sont pas toujours ce qu’elles semblent être.
La création de livres d’artiste et l’impression sur tissu apportent une dimension supplémentaire à mon travail. J’imprime et je relie mes livres moi-même, et je brode les textiles à la main. En mélangeant les médias, en utilisant des formats inhabituels, des types particuliers de papier ou de textile (transparent), mes images sont mieux mises en relation et élèvent l’histoire à un niveau supérieur. »
John Devos
