La photographie d’art du couple américain Robert et Shana ParkeHarrison incarne un monde d’images surréalistes et symboliques, où Robert est le personnage principal. Leurs photographies ont été exposées dans plus de 45 expositions individuelles et plus de 100 expositions collectives dans le monde entier et leur travail se retrouve également dans plus de trente-cinq collections, dont le National Museum of American Art de la Smithsonian Institution, la George Eastman House, le Whitney Museum. , LACMA et SFMOMA. Leur livre, The Architect’s Brother, a été désigné comme l’un des “dix meilleurs livres de photographie de l’année en 2000 par le New York Times.”
“Nos photographies offrent des poèmes visuels de perte, de lutte humaine et d’exploration personnelle avec des paysages marqués par la technologie et la surutilisation. En tant qu’artistes collaboratifs, nous nous efforçons de relier métaphoriquement et poétiquement des actions laborieuses, des rituels idiosyncratiques et des machines étrangement grossières dans des récits sur nos expériences contemporaines. Nous construisons des ensembles élaborés à partir d’objets trouvés. Nos scènes combinent des paysages réels et construits. Ces scènes ont un sens de détermination et d’ironie tout en prenant en compte la devoir de l’humanité de réparer les dommages infligés à l’environnement.
Les images mises en scène offrent des possibilités infinies d’exploration tout en offrant aux spectateurs une interprétation personnelle. En permettant aux spectateurs de terminer l’histoire mise en avant, nous leur donnons le pouvoir. Nous développons des couches de dualité, espoir et désespoir, succès et échec, désir et mépris, destruction et preservation. Nous explorons la condition humaine fragile et l’ombre dominante de la destruction de l’environnement. Peut-être que le seul espoir pour le monde et pour notre esprit humain réside dans notre capacité à imaginer.” ParkeHarrison
Liens vers le site Web : https://www.parkeharrison.com
Patricia Lanza : Votre travail se concentre sur l’Anthropocène, l’effet humain sur la terre. Comment en êtes-vous venu à l’utiliser comme thème et récit ?
ParkeHarrison : L’anthropocène, le réchauffement climatique, le changement climatique, la fin des temps, le grand jugement, la fin du monde tel que nous le connaissons. Au début des années 1990, lorsque nos idées ont commencé à se transformer en images insaisissables mais cohérentes, ces termes n’étaient même pas discutés dans les médias ou la culture populaire. C’était une préoccupation pour de nombreux scientifiques et universitaires, mais pas pour le reste d’entre nous. Nous étions à l’université au Nouveau-Mexique. Nous étions deux enfants naïfs issus de familles de banlieue du Midwest. Au-delà d’avoir été renvoyés dans nos chambres pour avoir omis d’éteindre les lumières pendant la crise énergétique, nous n’avions même jamais pensé au changement climatique. Notre exposition à la beauté brute étonnante du paysage du Nouveau-Mexique, aux pratiques religieuses fascinantes et à la vision du monde des Hopi, ainsi que celle d’autres peuples autochtones, ainsi que l’empreinte écrasante du complexe militaire et industriel américain (Los Alamos National Labs et White Sands/Trinity Site) Ces éléments, ainsi que nos tendances à la photographie basée sur la performance et notre désir de créer un art lié à un but, ont fusionné dans des images axées sur le comportement humain envers la Terre.
Patricia Lanza : Votre travail est une collaboration, comment cela s’est-il passé ?
ParkeHarrison : Notre collaboration s’est développée de manière organique au fil de nombreuses années et de nombreuses conversations approfondies sur l’art. Nous étions à l’université dans le domaine créatif. Notre collaboration a commencé par l’entraide et a lentement grandi nous avons fusionné nos intérêts et nos tendances techniques.
Patricia Lanza : En tant que co-créateurs, parlez nous de votre processus de développement et de construction de la photographie, y compris techniquement et dans le contenu ?
ParkeHarrison : Notre processus repose sur la recherche, la contemplation et l’expérimentation. Nos images montrent une confluence de préoccupations et de sujets qui nous intéressent, notamment : Politique, comportement humain, théâtre, danse, religion, littérature, cinéma, sujets environnementaux, science, métaphysique et ainsi de suite. Nous commençons généralement un nouveau travail en revenant sur un ancien travail : comment les idées ont fonctionné en tant qu’images, comment elles n’ont pas réussi à incarner pleinement notre intention. Nous combinons ces informations avec des sujets d’intérêt. À partir de là, nous commençons à rechercher un processus de type effet papillon. Les idées nous emmènent dans des terriers de lapin où nous trouvons de nouveaux intérêts. Toutes ces recherches débouchent sur des dessins. Les dessins conduisent à l’intégration d’accessoires, souvent basés sur des matériaux mis au rebut et des dispositifs démystifiés. Nous jouons alors avec ces objets, inventant souvent de nouvelles fins pour vieilles machines. Nous commençons à tester des images dans le paysage et à expérimenter des possibilités au-delà de nos idées initiales. Enfin, nous photographions des images à combiner dans la chambre noire ou avec Photoshop. Une fois les images imprimées, elles ne sont pas nécessairement complètes. Souvent, elles seront peintes pour les mettre en valeur.
Patricia Lanza : Vous illustrez le thème dans un monde surréaliste plein de symbolisme. Où puisez-vous votre inspiration ?
ParkeHarrison : Ce serait formidable de se promener dans un magasin jusqu’au rayon inspiration ! Faire de l’art demande une pratique quotidienne, un perfectionnement de ses compétences et une curiosité constante. Nous trouvons l’inspiration grâce à une concentration continuelle.
Patricia Lanza : Quelles ou qui sont vos influences ?
ParkeHarrison : Écrits culturels et environnementaux, théâtre, cinéma, danse, religion, politique, littérature. Artistes qui me viennent à l’esprit aujourd’hui : Bill McKibben, Gabriel Garcia Márquez, Robert Wilson, Joseph Beuys, Andrei Tarkovsky, Wim Wenders, Louise Bourgeois, Pina Bausch, Ohad Naharin et tant d’autres !
Patricia Lanza : Comment la création de l’ART peut-elle avoir un effet sur des questions importantes ? Qu’espérez-vous dans le vôtre ?
ParkeHarrison : L’art visuel implique souvent que le spectateur individuel forme sa propre interprétation de l’œuvre d’art qu’il engage. Nous essayons de créer un travail qui pose des questions, un travail qui permet au spectateur d’entrer et de former sa propre histoire et sa signification personnelle. Nous créons des œuvres influencées par la philosophie de Joseph Beuys.
Il croyait que l’art a la capacité de promouvoir le changement. En permettant aux spectateurs de s’engager librement dans le monde que nous créons, les spectateurs trouvent leur but et leur réponse aux sujets que nous abordons, notamment l’action environnementale.
Patricia Lanza : Parlez-nous de votre dernière série photographique et exposition ?
ParkeHarrison : Nous avons récemment terminé une petite série de photolithographies intitulée RED SUN. Ces images sont assez simples dans leur construction par rapport à une grande partie de notre travail. Chaque tirage contient une figure isolée, le protagoniste, s’engageant dans des actions, avec des interventions rouges. Alors que c’était censé être une petite suite d’images, nous avons été inspirés pour continuer ce travail impliquant des interventions. Actuellement, nous expérimentons des idées impliquant des images photographiques et des composants sculpturaux.
