Per Bernal est un photographe suédois basé à Los Angeles dont l’appareil photo a transformé l’engagement, la discipline physique et le fitness en art. Avec une carrière couvrant près de quatre décennies et plus de 1 000 couvertures de magazines, Per Bernal a eu une influence inégalée sur la photographie de fitness et de musculation.
Les images de Bernal ont orné les pages de certains des magazines les plus prestigieux et les plus influents du secteur de la santé et du fitness, notamment « Muscle and Fitness », « Men’s Fitness », « Men’s Journal », « Shape », « Flex » et « Train ». Les images dynamiques de Per sont devenues emblématiques dans le monde du bodybuilding et du fitness, capturant l’athlétisme et l’art dans ses photographies.
La nouvelle ère de Bernal le reconnecte à ses origines de photographe de portrait, puisqu’il a lancé son dernier projet à l’automne 2023 en collaboration avec Paris Chong, directrice de la Leica Gallery LA, « Faces of Leica ».
Il s’agissait d’une exposition unique et visuellement saisissante qui capturait l’essence de la scène photographique de Los Angeles et célébrait les individus qui l’ont façonnée. Organisée en exclusivité dans l’annexe Leica de la galerie Ren du centre-ville de Los Angeles, l’exposition mettait en lumière les visages derrière le travail d’un groupe diversifié de photographes Leica accomplis, chacun réputé pour son approche unique de la narration visuelle.
Website: www.perbernal.com
Instagram: perbernalphoto
Site événementiel et location: www.fotastudio.com (under construction)
Faces of Leica:
https://leicagalleryla.com/wp-content/uploads/2023/10/Faces-of-Leica-Press-Release-New-Draft-1.pdf
Comment est née l’idée de l’exposition ?
Au début de l’année 2023, j’ai eu une vision avoir ma première exposition d’art solo. Cela s’est produit lors d’une visite au LA Art Show et lors d’un événement privé à DTLA (Downtown Los Angeles). En parcourant la galerie et en admirant l’art, j’ai su à ce moment-là que c’était ce que je voulais vraiment. Ma propre exposition avec de nouveaux portraits et des tirages grandeur nature.
Je m’étais senti tellement perdu pendant et après la pandémie et soudain, j’ai ressenti à nouveau un tel objectif et une telle motivation. Presque du jour au lendemain, je me suis mis au travail, perfectionnant mon art, photographiant des amis et des inconnus presque quotidiennement pendant les deux mois suivants, en me concentrant sur la photographie de portrait en noir et blanc et l’éclairage.
L’objectif était de trouver un style qui me corresponde et de retrouver un type de photographie que j’avais fait à la fin des années 80 et au début des années 90 en photographiant des mannequins pour les meilleures agences suédoises. J’ai toujours eu le sentiment que mon travail avait été fort dans ce domaine, mais je n’avais jamais eu l’occasion de le développer davantage, car mon travail de « photographe » de culturisme commençait à décoller à l’international et je me sentais obligé de suivre l’argent. Mais la curiosité et le « et si » étaient toujours forts et vivants et sont devenus une force motrice pour explorer les limites de ma photographie de portrait et découvrir si j’avais ce qu’il fallait.
Quelques mois plus tard, en juin 2023, j’ai été invité à une exposition éphémère à Santa Monica, organisée par Paris Chong, directrice de la Leica Gallery LA. Pendant mon séjour, Paris m’a interrogé sur mes projets d’avenir et je lui ai parlé en toute franchise de mon retour au portrait, de ma volonté de m’éloigner de la photographie de fitness dont j’ai fait mon métier et de mon retour à mes racines.
Paris et moi avions discuté de travailler ensemble dans le passé, mais ce jour-là, elle a suggéré que nous fassions un pop-up ensemble, où je prendrais des portraits de 8 à 10 photographes Leica basés à Los Angeles, pour un petit événement qui présenterait leurs portraits avec 2 à 3 pièces de leur propre travail.
Ce qui a commencé avec 8 à 10 photographes s’est rapidement transformé en « Faces of Leica », une exposition de plus de 40 portraits, mettant en vedette les meilleurs photographes Leica de Los Angeles, capturés sur une période de 10 semaines, et qui a débuté à la Ren Gallery dans le centre-ville de Los Angeles le 4 novembre 2023. Nous avons eu un nombre record de plus de 600 personnes présentes à notre soirée d’ouverture et ce fut une expérience tellement enrichissante et motivante de voir mon propre art sur les murs. Ce qui avait commencé comme un objectif à peine 10 mois plus tôt s’est manifesté par un travail acharné, une réinvention et une collaboration avec Paris Chong et tous ses amis artistes et photographes.
Quelle a été votre approche pour produire cette série ?
Mon approche pour produire cette série était ancrée dans l’empathie et la création d’un environnement confortable pour les sujets. En tant que photographe, je comprends à quel point il peut être déstabilisant de se mettre devant l’objectif lorsque vous avez passé votre carrière derrière. Mon but était de m’assurer que toutes les personnes avec lesquelles je travaillais se sentent en sécurité et à l’aise, sachant qu’elles étaient entre de bonnes mains. J’ai vu ce projet comme un acte de service à la communauté des photographes. D’où le nom de l’exposition – Faces Of Leica – les personnes derrière les magnifiques photographies que nous avons la chance de regarder et d’apprécier au quotidien.
Je crois que ma force réside dans ma capacité à aider les gens à baisser leur garde et à se sentir complètement acceptés. En me concentrant sur la connexion plutôt que sur la performance, je leur permets d’être simplement eux-mêmes. Lorsque quelqu’un vous voit vraiment, lorsqu’il vous regarde et vous comprend véritablement, cela peut être incroyablement rassurant. C’est le sentiment que je cherche à provoquer et à capturer sur la pellicule. J’essaie de lire l’énergie dans la pièce et si je ressens un quelconque inconfort, j’allège l’atmosphère avec de l’humour pour les aider à se détendre. Il s’agit de créer une atmosphère dans laquelle ils se sentent suffisamment à l’aise pour s’ouvrir.
Depuis séance avec Kwaku Alston dans son studio à Agoura Hills, à celle avec Victory Tischler Blue avec ses chevaux à Palm Springs, je voulais capturer chaque artiste dans son environnement le plus naturel.
Décrivez votre processus technique pour la prise de vue de portraits.
En tant que photographe, j’ai utilisé presque toutes les marques d’appareils photo sous le soleil. Mes appareils photo préférés, sans ordre particulier, pour prendre des portraits avec un film étaient le Mamiya RZ67, le Pentax 67 et le Rolleiflex 6008. Ces dernières années, j’ai utilisé exclusivement des appareils photo numériques de PhaseOne et Nikon. Mon système de prédilection était le Nikon D850 et maintenant le Nikon Z9.
Pour le projet « Faces of Leica », le Leica Store de Los Angeles m’a prêté l’appareil photo Leica SL2 de 47 mégapixels équipé du Leica Vario-Elmarit-SL 24-90/f2.8-4.0. Tous les portraits de la série « Faces of Leica » ont été pris avec ce kit. Je n’avais jamais utilisé le SL2, mais je me suis rapidement adapté et j’ai apprécié ses similitudes avec mon propre appareil photo M, notamment le fameux « look Leica » qui définit cette marque. Bien qu’il ne soit pas aussi rapide ou précis que le Nikon Z9 en termes de taux de capture et d’autofocus, le SL2 m’a obligé à ralentir et à aborder mes prises de vue de manière plus réfléchie, presque comme lorsque je prenais des photos avec un appareil moyen format. J’ai obtenu un tiers de prises de vue par rapport à mon Nikon, mais avec une composition, une netteté et un look améliorés.
La façon dont vous éclairez votre sujet est essentielle lorsque vous vous lancez dans un projet. Outre les angles de prise de vue, l’optique et les décors, votre éclairage est ce qui vous définit en tant que photographe et aussi la façon dont vous développez une identité et un look de marque. Avec Faces of Leica, j’ai dû décider de la meilleure façon de capturer le talent tout en restant fidèle à ma propre voix. J’ai passé en revue et testé une multitude de systèmes d’éclairage, en pesant soigneusement le pour et le contre. Étant donné que la majorité des prises de vue se dérouleraient sur place et que mon assistant et moi devions travailler discrètement et rapidement, j’ai décidé de limiter mon éclairage à un seul stroboscope. Selon le scénario, j’ai fini par utiliser soit un petit flash intégré Proto A10 avec adaptateur de réflecteur, un flash à batterie Profoto B10 ou, pour les décors plus grands et plus puissants, un Godox AD 1200 Pro.
Ces lampes peuvent toutes être utilisées à la main ou sur un pied d’éclairage compact. Pour les artistes masculins, j’utiliserais soit un réflecteur à grille de 7 pouces pour une lumière contrastée, soit un parapluie blanc diffus pour une lumière enveloppante plus douce. Pour les artistes féminines, un parapluie blanc diffus, un octabank ou un bol de beauté blanc avec grille pour une approche plus douce.
J’aime utiliser la lumière ambiante mélangée à un stroboscope, où je peux façonner la lumière tout en gardant l’équilibre naturel et l’intégrité d’une scène. J’utilise souvent le flash comme lumière de remplissage pour ouvrir un visage ou une zone ombragée, ou un réglage haute vitesse/hyper synchronisation pour créer une faible profondeur de champ tout en assombrissant l’arrière-plan et le ciel et en améliorant l’effet stroboscopique. Cette configuration permet à la personne de toujours se démarquer tout en conservant une allure naturelle et discrète qui renforce sa présence sans la submerger. C’est un mélange de simplicité et d’équilibre subtil, avec pour objectif ultime de faire en sorte que le talent se sente vraiment vu.
Pour le projet « Faces of Leica », j’ai choisi de réaliser toutes les images en noir et blanc, car j’ai pensé que c’était la meilleure façon de représenter la marque Leica et ce pour quoi elle est connue. De plus, cela rendrait l’exposition plus cohérente, car l’élément de couleur entre parfois en compétition avec le sujet et le message d’une manière contraire au noir et blanc. À mon avis, plus de 40 portraits en couleur auraient rendu l’exposition beaucoup plus difficile à photographier et à accrocher. Mais l’argument le plus important est peut-être que le noir et blanc a toujours été mon premier amour et ce qui me représente le mieux en tant que photographe.
Qui sont vos influences ?
Mes influences incluent des photographes légendaires comme Herb Ritts, Bruce Weber, Richard Avedon, Irving Penn et Annie Leibovitz.
Herb Ritts, plus que quiconque, m’inspire par son approche minimaliste et sa maîtrise de la photographie en noir et blanc, capturant la beauté brute de la forme humaine.
La narration de Bruce Weber à travers la lumière naturelle et les moments spontanés influence mon attention sur l’authenticité.
Les portraits audacieux et vulnérables de Richard Avedon me poussent à révéler l’essence de mes sujets, tandis que la polyvalence et l’attention aux détails d’Irving Penn façonnent mes choix de composition et d’éclairage.
La capacité d’Annie Leibovitz à mélanger l’art et la profondeur émotionnelle dans les portraits de célébrités inspire mon approche de la création d’images personnelles et narratives. Sa maîtrise de la photographie couleur et des portraits fait d’elle l’une des meilleures au monde et j’adore sa technique d’éclairage et sa composition et j’utilise souvent son travail à la fois comme source d’inspiration et comme point de référence. Ensemble, ils façonnent la façon dont je vois et capture le monde.
Sur quoi travaillez-vous actuellement ?
Au cours de l’été, mon studio de Marina del Rey a fait l’objet de vastes rénovations, le transformant en un centre créatif dynamique répondant à une variété de besoins. Il sert désormais d’espace multifonctionnel pour que les artistes puissent collaborer, organiser des événements et présenter leur travail. En plus de son rôle de studio de location pour des séances photo et des productions cinématographiques, je prévois d’utiliser l’espace et d’inviter d’autres artistes à avoir des galeries éphémères qui offrent aux artistes locaux et visiteurs une plate-forme pour exposer leurs créations.
Je prévois également d’utiliser le studio pour proposer une série d’ateliers spécialisés en direct, en streaming vidéo et en podcast conçus pour aider les photographes de tous niveaux à perfectionner leurs compétences. Ces ateliers couvrent des sujets tels que l’éclairage, la composition et le travail avec des modèles, offrant une expérience pratique qui permet aux participants d’améliorer leurs portfolios.
Parallèlement à ses initiatives artistiques, le studio s’est étendu au secteur des affaires en lançant une agence de branding qui aide les marques personnelles et les entreprises à développer leur identité visuelle. Cela comprend tout, de la conception de logos et des stratégies de médias sociaux aux portraits professionnels et aux supports marketing. Mon espace studio est ouvert à tous les projets créatifs.
Text & Interview par Patricia Lanza
