La Peter Fetterman Gallery annonce que le Bowers Museum de San Diego expose The Power of Photography. L’exposition est centrée sur le livre de Peter Fetterman, The Power of Photography, publié par ACC Art Books et présente de nombreux tirages photographiques originaux présentés dans la publication. L’exposition est visible jusqu’au 14 janvier 2024.
Du Bowers Museum :
”The Power of Photography présente une sélection d’images emblématiques qui ont été compilées par le collectionneur et galeriste pionnier Peter Fetterman pour célébrer la capacité unique de sensibilité de la photographie. Fetterman défend les arts photographiques depuis plus de 40 ans. Il dirige l’une des principales galeries de photographie d’art au monde, avec un accent particulier sur la photographie humaniste. Pendant les longs mois de confinement dû au COVID-19, il a publié une photographie en ligne par jour, accompagnée de textes inspirants, de citations et de poésie. Touchant une corde sensible auprès des adeptes du monde entier, cette collection numérique compte désormais environ 1 000 images.
Cette exposition présente une sélection soigneusement organisée de plus de 70 tirages originaux exceptionnels de la série, ainsi que les paroles perspicaces de Fetterman. Ces œuvres offrent un aperçu inspirant du médium tout en rendant hommage aux maîtres de l’art. Des bizarres fantaisies boschiennes de Melvin Sokolsky à l’humanité obsédante des portraits d’Edward Weston ; des rares photos d’intérieur de la célèbre photographe de nu Ruth Bernhard à Afghan Girl de Steve McCurry, l’une des photographies les plus reconnaissables jamais prises ; cette exposition rassemble certaines des photographies les plus uniques et les plus réconfortantes du XXe siècle. Chaque image est une capsule temporelle, nous offrant un aperçu du passé. Pourtant, chaque photographie parle aussi de tranquillité, de paix et d’espoir pour l’avenir.”
The Power of Photography est organisé par Photographic Travelling Exhibitions, Los Angeles, Californie. Cette présentation de The Power of Photography est sponsorisée par The Ronald C. and Kristine Pietersma Family Trust.
Henri Cartier-Bresson 1908-2004
Sur les bords de Marne, Paris, 1938 ; Tiré plus tard
Signé à l’encre au recto Signé à l’encre au recto
Tirage à la gélatine argentique
Papier 11 3/4 x 15 5/8 pouces ; Image 9 3/8 x 14 1/8 pouces, passe-partout 16 x 20, cadre 17 x 21
(HCB15-13)
« La vie est une fois pour toutes, pour toujours. » ~ Henri Cartier-Bresson
Quelques mots simples résument l’approche d’Henri non seulement à la photographie mais aussi à sa vision de la vie en général. J’ai tellement appris de lui et les leçons qu’il m’a enseignées se poursuivent chaque jour en étant entouré de son travail. Une famille se détend un dimanche au bord d’une rivière. Aux yeux d’un photographe ordinaire, ce serait un moment statique. Avec Henri, il y a un doux dynamisme et cela raconte une histoire de famille et d’amitié. Comment a-t-il su appuyer sur le déclencheur au moment où l’homme de gauche verse le verre de vin et la femme de droite s’apprête à manger le morceau le plus savoureux de la cuisse de poulet dans un ordre harmonieux ? Cartier-Bresson a toujours eu l’intention de devenir peintre dans sa jeunesse. Il a étudié intensément avec le célèbre professeur et peintre cubiste André Lhote. Heureusement, pour l’histoire de la photographie et pour nous, il a découvert la photographie pour devenir à mon avis, le plus grand photographe du 20ème siècle et peut-être le plus grand photographe de tous les temps. Son travail m’a inspiré pour ouvrir une galerie de photographie d’art, donc ma dette envers lui est énorme. On peut voir l’influence picturale sur cette première image clé, « Sur les bords de la Marne ». C’est comme si Seurat prenait par erreur un appareil photo au lieu de ses pinceaux. C’est de la joie simple et de l’humanité et cela me fait toujours sourire.
Steve McCurry 1950
La petite fille afghane, Sharbut Gula, Pakistan, 1984
Signé à l’encre au verso.
C-Print numérique sur papier Fuji Crystal
Papier 24 x 20, Passe-partout 30 x 24, Cadre 31 x 25
Édition .0587
(288123)
« La plupart de mes photos sont ancrées sur les gens. Je recherche le moment non surveillé, l’âme essentielle qui jaillit, l’expérience gravée sur le visage d’une personne. » ~ Steve McCurry
Il s’agit de l’une des images les plus reconnues de l’histoire de la photographie, souvent appelée la « Joconde » des photos. Pourtant, même si vous l’avez souvent vu reproduite dans des livres ou des magazines, lorsque vous vous trouvez réellement devant un véritable tirage physique, il est encore plus puissant et séduisant. En 1984, alors que la guerre soviétique en Afghanistan faisait rage, les camps de réfugiés installés le long de la frontière afghano-pakistanaise se remplissaient rapidement de personnes déplacées. Alors que le nombre de réfugiés augmentait, McCurry a été invité par National Geographic à explorer et à documenter ces colonies.
Dans une salle de classe improvisée d’un camp près de Peshawar, McCurry a capturé l’image qui allait définir une histoire, un conflit et un peuple. C’est ce que de grands photographes documentaires sociaux comme McCurry s’efforcent de réaliser tout au long de leur carrière : préserver une image qui relie le spectateur du spécifique à l’universel, nous révélant et nous rappelant notre humanité commune.
Edward Curtis (États-Unis, né 1868-1952)
At the Old Well of Acoma, 1904
Signé au recto, étiquette originale encadrée au verso
Image 10 1/2 x 14″, Encadrée 19 x 16″
(EC21-07)
« Le décès de tout homme ou femme âgé signifie le décès d’une certaine tradition, d’une certaine connaissance des rites sacrés que personne d’autre ne possède. Par conséquent, les informations qui doivent être recueillies au profit des générations futures, dans le respect du mode de vie de l’un des grands peuples de l’humanité, doivent être rassemblées immédiatement, sinon l’occasion sera perdue à jamais. » ~ Edward S.Curtis
Edward S. Curtis a consacré et sacrifié sa vie à son projet de rêve consistant à documenter l’histoire des peuples amérindiens. Il a créé l’une des œuvres les plus puissantes de l’histoire de la photographie. Nulle part son talent artistique ne se manifeste mieux que dans ses portraits, en particulier de chefs et de guerriers. Voici la force, la dignité et l’expérience de vie dépeintes par cet homme Hopi.
Ce tirage exquis n’est rien de moins qu’envoûtant et l’un des plus beau tirages platine de son travail que j’ai jamais vus. Curtis est mort pratiquement sans le sou et oublié à Los Angeles en 1952, avec une maigre nécrologie dans le New York Times mentionnant plutôt discrètement que « M. Curtis était un photographe ». Cela revient un peu à dire que « Rembrandt était un peintre ».
Paul Fusco (1930 – 2020)
Untitled from the RFK Train Portfolio., 1968
Signé et numéroté par l’artiste
Tirage C numérique d’archives
Image – 15 x 23″, Passe-partout – 24×30″
(PF21-23)
« Il y a ceux qui regardent les choses telles qu’elles sont et se demandent pourquoi. Je rêve de choses qui n’ont jamais existé et je me demande pourquoi pas ? » ~ Robert F. Kennedy
« JFK a été abattu par un assassin. Cinq ans plus tard, lorsque Bobby s’est levé pour tenter de rétablir un gouvernement d’espoir, le cœur des Américains s’est accéléré et l’enthousiasme a éclaté. Puis la tragédie a frappé à nouveau. Le coup a été monumental. L’espoir avait de nouveau été brisé et ceux qui avaient le plus besoin d’espoir se sont rassemblés sur les voies du dernier train de Bobby, stupéfaits jusqu’à l’incrédulité, et ont vu cet espoir enfermé dans un cercueil passer et disparaître de leur vie. ~ Paul Fusco
La caméra est souvent le témoin d’événements monumentaux de l’histoire du monde. Tel était le cas dans la documentation de Paul Fusco sur le train funéraire de RFK alors qu’il se dirigeait vers son dernier lieu de sépulture près de son frère au cimetière d’Arlington, en Virginie. À mon avis, c’est l’un des reportages photographiques les plus puissants jamais réalisés. Dans mon pays d’adoption, l’Amérique, cela semble aussi pertinent aujourd’hui qu’à l’époque où les images ont été prises pour la première fois. Les problèmes n’ont pas changé, ils se sont même intensifiés, mais l’espoir qu’un jour des solutions soient trouvées est toujours là.
Dan Budnik 1933
« Marche sur Washington » – Martin Luther King Jr. après avoir prononcé son discours « I Have a Dream », Lincoln Memorial, Washington D.C., 28 août 1963/Tiré en 2007
Signé à l’encre au recto ; signé, titré et daté au crayon au verso.
Tirage à la gélatine argentique
Papier 20×24″, Passe-partout 24 x 30, Cadre 25 x 31
(DB14-4)
« Je dois devenir complètement anonyme si je veux capturer l’essence, la racine fait sur la personne et pas seulement sur sa surface. ~ Dan Budnik
Il y a de nombreuses années, nous avons organisé une exposition sur les droits civiques dans la galerie. C’était un sujet qui m’a complètement enveloppé. Je savais que nous devions avoir une superbe image MLK pour ancrer l’exposition et j’ai ensuite passé des mois à rechercher et à visionner des centaines d’images. Quand je suis tombé sur le travail discret de Dan Budnik et que je l’ai rencontré, j’ai su que c’était celle-là.
John Dominis 1921-2013
Jacques D’Amboise jouant avec ses enfants, Seattle, Washington, 1962, tiré en 2006
Signé à l’encre au recto ; Titré et daté avec copyright au crayon au verso
Tirage à la gélatine argentique
Image – 11 3/4″ x 16 3/4″, Papier – 16″ x 20″, Passe-partout – 20″ x 24″, Cadre 21 x 25
(7293)
« Ce qui est formidable dans mon travail avec Life, c’est que j’ai reçu tout le soutien, l’argent et le temps nécessaires, pour faire presque n’importe quel type de travail que je voulais faire, n’importe où dans le monde. C’était comme avoir une subvention, une subvention Guggenheim, mais de façon permanente. » ~John Dominis
John Dominis était l’un des grands photographes du magazine Life. Il fut chargé de photographier l’un des grands danseurs de l’époque, Jacques d’Amboise. Ce n’était pas seulement le portrait d’un danseur au sommet de sa forme physique mais un portrait de paternité.
Georges Ayres
Portrait d’Abraham Lincoln, 3 juin 1860 (tiré en 1890)
Signé au verso avec diverses annotations au crayon
Tirage platine/palladium vintage
Image : 20 x 26, passe-partout : 30 x 40, cadre 45 x 35.
(8401)
« Ceux qui refusent la liberté aux autres ne la méritent pas pour eux-mêmes. » ~ Abraham Lincoln
Alexander Hesler, un célèbre photographe commercial basé à Chicago, a organisé deux séances de portraits avec Lincoln en 1858 et 1860. Les images de leur première séance montraient le candidat à la présidentielle avec les cheveux en désordre . Au cours de la campagne électorale qui a suivi, le Comité national républicain s’est inquiété du fait que Lincoln pourrait paraître négligé par rapport à son adversaire, Stephen A. Douglas. Hesler a donc produit cette représentation plus élégante et plus soignée du candidat lors de la deuxième séance. L’artiste George B. Ayres a acheté l’atelier de Hesler en 1867, une décision qui a permis d’éviter que son contenu ne soit détruit lorsque la galerie a brûlé lors de l’incendie de Chicago en 1871. Cela a toujours été mon portrait préféré de Lincoln et a été une source d’inspiration. inspiration et espoir, surtout maintenant.
Thurston Hopkins 1913-2014
La Dolce Vita, Knightsbridge, Londres, 1953
Signé, titré et daté au crayon avec le cachet du droit d’auteur de l’artiste au verso
Tirage à la gélatine argentique
Papier 8 x 10 pouces ; Image 6 7/8 x 9 3/8 pouces, passe-partout 16 x 20, cadre 17 x 21
(TH15-228)
« De nombreux photographes sont naturellement timides. Se cacher derrière un appareil photo les aide à surmonter leur timidité. » ~ Thurston Hopkins
Thurston Hopkins et sa merveilleuse épouse et collègue photographe Grace Robertson ont toujours été si gentils et aimables lorsque je leur rendais visite dans leur chalet à Seaford, près de la côte du West Sussex. J’ai eu l’honneur de les considérer comme de vrais amis. Chaque fois que j’étais au chalet, je découvrais de merveilleux nouveaux joyaux tirés de leurs archives. C’était comme une chasse au trésor ; on ne savait jamais quel prix une photographie allait rapporter.
Cette photo me rend tellement heureux. J’ai demandé à Thurston comment cela s’était produit et il m’a expliqué qu’il était à Knightsbridge, Londres et qu’il avait décidé d’acheter des friandises spéciales pour Grace dans le célèbre et luxueux rayon épicerie de Harrods. Après avoir fait le plein de délices, il a quitté le magasin et a vu cette voiture garée à l’extérieur, avec le chauffeur et un gros caniche attendant le retour du client. Comme tous les grands photographes, il a toujours été préparé au cadeau inattendu que la vie vous fait parfois, et il était prêt à le recevoir avec son œil talentueux, appareil photo à la main. Le résultat est le pur bonheur de cette photographie parfaite.
Michael Kenna
Torii Gate, Étude 3, Shosanbetsu, Hokkaido, 2014, tiré en 2021
Signé, daté et numéroté au crayon au recto
Signé, titré, daté et numéroté au crayon au verso
Tirage à la gélatine argentique
image- 7 5/8 x 7 7/8″, passe-partout – 20 x 16″, cadre 21′ x 17″
Édition 14 sur 25
(131205)
« Lors de longues poses, le monde change. Les rivières coulent, les avions passent, les nuages passent et la position de la Terre par rapport aux étoiles est différente. Cette accumulation de lumière, de temps et de mouvement, impossible à capter pour l’œil humain, peut être enregistrée sur film. Le réel devient surréaliste, ce qui est merveilleux. ~ Michael Kenna
Les photographies japonaises de Michael Kenna comptent parmi ses œuvres les plus fortes. Les images des portes Torii isolées en mer produisent une présence si profonde et obsédante, mais sont au fond visuellement apaisantes et surréalistes. La porte japonaise Torri marque symboliquement la transition du banal au sacré, un mouvement réalisé pour le public à travers la vue des images de Kenna. Peu importe où nous nous trouvons lorsque nous regardons ces photographies, nous sommes transportés dans le royaume du sacré.
Kenna ne connaît aucune limite avec son sujet, mais son approche de la photographie a toujours été un processus zen et holistique de connexion avec le monde qui l’entoure. En utilisant le minimalisme et de longues expositions de caméra, Kenna capture le passage éthéré du temps dans une seule image, créant ses scènes séduisantes et oniriques de la nature et la relation d’une communauté avec ce monde naturel.
J’ai toujours pensé que l’importance durable d’un photographe est directement liée à l’influence que son travail a sur les autres photographes. La vision de Michael Kenna est cohérente depuis près de cinq décennies et son style a depuis été adopté par des milliers de photographes. Son œuvre est souvent imitée mais reste sans égal par son génie créateur. Kenna garde une longueur d’avance grâce à son approche unique et continue d’être l’un des photographes les plus prolifiques et les plus inspirants travaillant aujourd’hui.
David Montgomery 1937
Reine Elizabeth avec Corgis, 1967 (Tiré en 2018)
Signé et numéroté au verso
C-print numérique d’archives
Papier 20″x24″, Image 16,5″x22″, Passe-partout 24″x30″, Encadré 31×25″
Édition 9 sur 25
(DMY18-53)
« La Reine est entrée et elle était très gentille. À ce moment-là, nous n’étions que trois. La Reine, moi-même et mon assistant. Les chiens étaient là, quatre ou cinq d’entre eux, mais personne d’autre, aucun garde. rien. ‘Où êtes-vous habituellement assise quand vous êtes ici ?’ Ai je demandé. Et la prochaine chose que j’ai vu, c’est qu’elle était assise par terre, devant le feu. J’ai pensé : ‘Je n’y crois pas’. » ~ David Montgomery
Quand j’ai vu ces images pour la première fois, j’ai su que je devais rencontrer leur créateur. J’ai retrouvé David Montgomery et c’est ainsi qu’a commencé notre longue collaboration et amitié. Montgomery est arrivé à Londres pour la première fois en tant qu’assistant d’un photographe au début des années 1960 et a décidé qu’il voulait s’installer à Londres et y commencer sa propre carrière. Un jour, il a reçu un appel du journal The Observer pour une mission spéciale : photographier Son Altesse Royale, avec des instructions claires pour montrer la Reine comme une personne réelle et vivante, capable de faire les choses du quotidien. Il était tellement terrifié qu’il a d’abord refusé le poste, mais après avoir été disputé par sa femme, il a rappelé et a accepté de le faire. Je n’ai jamais vu d’autres photos de la Reine qui nous montrent si franchement sa « normalité ». Je suis toujours émerveillée par cette première image de la collection. On pourrait penser que la Reine, avec son grand personnel de maison toujours prêt, serait assise devant un véritable feu de bois crépitant. Pourquoi alors est-elle assise à côté d’un radiateur électrique bon marché ? Bien que la reine Elizabeth et moi n’ayons pas grand-chose en commun, nous partageons toutes les deux un amour des corgis. Peu de choses dans la vie peuvent surpasser la joie de s’asseoir au coin du feu avec un fidèle corgi à proximité.
Sarah Moon 1941
L’Inconnue, 2011
Signé, titré, daté, numéroté au verso
Tirage à la gélatine argentique
Image – 17,5″x21,75″, Papier – 20″x24″, Passe-partout – 24″x30″, Cadre 25″ x 31″
Édition 12 sur 20
(SM1111225)
« Je suis et reste une photographe de mode. Je peux le dire avec certitude, mais je photographie aussi sans objectif particulier. Des photographies de tout et de rien, des choses qui me plaisent ou qui ne me plaisent pas. J’erre.
Mais l’errance n’est pas si différente de la danse. La boucle est bouclée et tant qu’il est encore temps et aussi longtemps que je peux, je veux voir. Je veux prendre des photos et toutes sortes de danses sont autorisées. » ~ Sarah Moon
Sarah Moon, comme tous les grands artistes, aborde la beauté avec son propre mélange unique de créativité et d’inspiration. Son travail revêt une vision transcendante, nous faisant entrer dans un royaume qui défie presque toute description. La beauté devient quelque chose d’encore plus puissant grâce à la relation intime de Moon avec son sujet. Ici, elle a créé une image séduisante dans une pose éthérée, élevée de talentueuse à génie par le simple fait de photographier son modèle de dos. Nous sommes aussi intrigués par ce que nous ne pouvons pas voir, les éléments cachés et manquants, que par ce que nous pouvons voir. Cette composition sereine me rappelle un John Singer Sargent, un Degas ou une Mary Cassatt.
Norman Parkinson 1913-1990
Audrey Hepburn avec des fleurs, 1955 (tire en 2017)
Impression successorale en édition limitée ; titré, daté et numéroté à l’encre au verso
C-Print numérique d’archives
Taille de l’image 16 x 20 pouces ; format de papier 20 x 24 pouces, passe-partout 24 x 30, cadre 31 x 25
Édition 15 sur 21
(NP18-24)
« J’aime que les gens soient aussi beaux qu’ils le souhaiteraient et, avec un peu de chance, un peu plus. » ~ Norman Parkinson
Eh bien, je ne pense pas que le grand photographe britannique du XXe siècle, Norman Parkinson, ait eu trop de problèmes ce jour-là. Cette séance a été en quelque sorte la « tempête parfaite ». Vous avez ici l’un des plus grands cadeaux faits à l’appareil photo dans l’histoire de la photographie, Audrey Hepburn, dotée d’une sublime combinaison de beauté et de vulnérabilité, et « Parks », l’un des praticiens les plus compétents de son métier, dont le sens de l’humour, le charme détendaient chacun devant son objectif. Cette image spéciale a été prise à la Villa Rolli, juste à l’extérieur de Rome, où Hepburn tournait Guerre et Paix avec son mari Mel Ferrer. Cela a également aidé Hepburn à porter l’une des plus grandes créations de son créateur préféré, Givenchy. Difficile de surpasser cette image, non ?
À propos de Peter Fetterman
Né à Londres, Peter Fetterman, initialement cinéaste et collectionneur, dirige la Peter Fetterman Gallery à Santa Monica, en Californie, depuis plus de 35 ans. Il est l’auteur de The Power of Photography, sorti en mai 2022, publié par ACC Art Books. Il a atteint le sommet de la liste des best-sellers de livres de photographie sur Amazon. Il est également l’auteur de Woman A Celebration (2003) publié par Chronicle Books, et de Cornell Capa (2002).
Peter Fetterman : The Power of Photography
jusqu’au 14 janvier 2024
Bowers Museum
2002 North Main Street
Santa Ana, CA 92706 États-Unis
https://www.bowers.org/
