Par Sally Martin Katz
Je suis ravie de présenter le travail d’Arthur Tress, un photographe américain né à Brooklyn en 1940 et résidant à San Francisco. Il a obtenu un BFA du Bard College et a fréquenté une école de cinéma à Paris. Son travail fait partie de collections importantes telles que le Metropolitan Museum of Art, le MoMA, le LACMA et le Centre Pompidou. Après avoir travaillé comme photographe documentaire et ethnographique, Tress a adopté une approche plus personnelle et théâtrale de la photographie, combinant des éléments de la vie réelle avec de la fantaisie. S’alignant sur le genre du «réalisme magique», il met en scène des tableaux qui visualisent des rêves ou des scènes de son imagination. Influencés par le chamanisme et le travail d’artistes tels que Duane Michals, Giorgio de Chirico et le romancier graphique Lynd Ward, ses photographies prennent une dimension mystique et surréaliste.
Les 96 épreuves argentiques présentées aujourd’hui font partie de la série Shadow de Tress (1974), qui représente l’ombre de l’artiste en tant que protagoniste mythique d’une «quête de vision chamanique». Organisée sous forme de récit visuel séquentiel, la série est divisée en treize sections s’échapper de l’enfermement et de ses voyages à travers des environnements urbains et naturels avant de connaître une transformation et enfin un état d’illumination. Bien que Tress utilise son propre corps pour interpréter ces voyages de rêve, ceux-ci ne sont pas des autoportraits; il crée un personnage anonyme physiquement séparé de sa propre peau qui prend une vie propre.
Pour réaliser cette série, Tress tenait un appareil photo à objectif grand angle dans une main et faisait des gestes avec l’autre, souvent en portant ou en tenant des accessoires. Travaillant à différents endroits de New York, Arles, Nice, Cannes et San Juan, il a erré dans ces villes, interprétant une sorte de pantomime. Il a essayé de capturer le sentiment d’étonnement et d’émerveillement de découvrir la ville ressentie par ce personnage d’ombre archétypal. Il n’ya presque personne sur ces photographies: elles parlent de son voyage en solo et de l’idée d’un rite de passage, d’une expérience d’apprentissage.
L’histoire, ou « roman sur photographies », traduit une progression dans le temps. Le premier chapitre, intitulé «Le prisonnier», traite de l’insertion du corps dans des espaces et des structures barrés. En jouant avec la position de sa caméra et la directionnalité de son ombre, il a emprisonné visuellement le personnage. De cette manière, il est capable de se placer visuellement dans un espace qu’il n’occupe pas physiquement. Tress construit une fiction en encadrant délibérément l’ombre dans ses compositions. Il peut fabriquer une histoire qui ne se passe pas réellement dans la réalité. Les titres, qui dramatisent les scènes, impliquent ce récit ou guident le spectateur à faire certaines associations ou interprétations. Dans la dernière photo de cette séquence, nous voyons l’ombre sortir, sortir de son enfermement. Les chapitres suivants décrivent l’ombre errant, découvrant différents paysages comme l’océan ou les marais salants en Camargue.
Tress utilise des astuces visuelles où l’ombre est brisée ou divisée sur différentes surfaces, et l’objectif grand angle lui permet de donner aux images une qualité onirique. Ils remettent en question notre compréhension de la perspective et de la dimensionnalité d’une photographie. Une ombre est plate et horizontale, mais ici, elle apparaît verticale, comme si elle se tenait hors du plan de l’arrière-plan. L’ombre dévie notre sens des proportions, monumentalisant ou nainant la figure qu’elle représente. À travers ses compositions géométriques, ses riches tons noirs et blancs et son accent mis sur le clair-obscur, Tress évoque un sens du drame, du suspense et du mystère. Il expérimente avec la photographie à différents moments de la journée pour faire varier la longueur de son ombre et créer différentes personnalités de cet alter ego d’ombre. Inspiré par l’idée de pèlerinage spirituel, Tress illustre comment, après avoir erré à travers des paysages, l’ombre atteint un état de transcendance, à travers des images d’échelles de lumière et de formes ascendantes.
Tout au long de la série, Tress utilise des accessoires pour l’aider dans ses récits et pour ajouter un élément fantastique aux différents scénarios qu’il interprète et aux personnages qu’il incarne. Dans le chapitre «Labyrinth», il apparaît tel le Minotaure et, plus tard, à l’aide d’un poncho et d’une couronne, il transforme son ombre en une créature ressemblant à une chauve-souris, regardant vers le bas le paysage urbain. Dans la section «Transformations», il suggère une métamorphose de l’ombre du corps en quelque chose d’inhumain, comme un lampadaire à trois têtes, ou en une autre entité, se fondant dans l’environnement alors qu’il fusionne l’ombre d’un arbre avec la sienne. Tress conclut la quête de vision avec son ombre, atteignant l’illumination, devenant une sorte d’ampoule, ou dieu planétaire, qui revient au monde à travers son objectif, que l’artiste tient dans sa main comme une boule de cristal.
Sally Martin Katz
Assistante conservateur, Photographie
Musée d’Art Moderne de San Francisco
La série Shadow est présentée dans l’exposition de groupe:
Don’t! Photography and the Art of Mistakes
commissaires: Clement Cheroux, Matthew Kluk et Sally Martin Katz
Jusqu’au 1er décembre 2019
San Francisco Museum of Modern Art
151 3rd St
San Francisco, Californie 94103
