La Haute Photographie est organisée depuis 2016, avec deux éditions par an ces dernières années (une à Rotterdam et une à Amsterdam). Par conséquent, nous pouvons parler d’une valeur fixe pendant Art Rotterdam, et elle est à nouveau synonyme d’un vaste programme pour l’amateur de photographie.
Une fête de 5 jours avec plus de 50 photographes (vous pouvez voir une liste des plus connus plus loin), un mélange agréable de figures majeures qui appartiennent au canon de la photographie, mais aussi de nouveaux talents, jeunes et prometteurs, un accès facile et rapide par les transports publics et privés ne sont que quelques-uns des atouts. Ajoutez-y des « meet & greets », des visites guidées par des experts, un marché aux livres bien achalandé, un restaurant et des événements Vip et vous obtenez à peu près tout le tableau.
Les organisateurs eux-mêmes décrivent l’événement comme un « Un salon de la photographie avec l’allure d’un musée ».
On supprime les stands et porte ainsi l’expérience à un niveau supérieur, destiné au collectionneur chevronné comme à l’amateur novice. L’élément central de la Haute Photographie est une exposition collective d’œuvres de grands maîtres internationalement reconnus, mais il est tout simplement fascinant de voir de jeunes talents à côté. En outre, trois de ces talents (Sam Warnaar (Pays-Bas, 2000), Asha Swillens (Pays-Bas, 1994) et Alida van Gool (Pays-Bas, 1986)) ont un lien avec Rotterdam : ils y sont nés, y vivent ou y ont étudié. Si vous souhaitez vous documenter de manière approfondie sur le médium de la photographie ou sur les artistes, le salon du livre offre probablement une solution. Avec une belle sélection de monographies sur les artistes et des aperçus de la photographie, vous enrichirez rapidement votre bibliothèque. Et comme vous savez également que de nombreux artistes sont présents à la foire, vous pouvez tout simplement immédiatement faire dédicacer votre publication. Cela s’applique certainement à Eric van den Elsen, mais vous pourrez en savoir plus à ce sujet plus loin.
Haute Photographie est un lieu de rencontre pour les artistes, les conservateurs, les collectionneurs et tous ceux qui ont à cœur la photographie.
Quelques-uns des artistes exposés :
Albarrán Cabrera (Espagne, 1969 & 1969), Albert Watson (Royaume-Uni/États-Unis, 1942), Alida van Gool (Pays-Bas, 1986), Antoine Khôl (France, 1973), Asha Swillens (Pays-Bas, 1994),,, Barry Kornbluh (États-Unis, 1952), Eric van den Elsen (Pays-Bas, -), Fleur Huijsdens (Pays-Bas, -), Gaby Fling (Pays-Bas, -), Gemmy Woud-Binnendijk (Pays-Bas, 1973), GT Nergaard (Norvège, 1968), Guus Dubbelman (Pays-Bas, 1957), Jacques Olivar (France, 1941), Jan C. Schlegel (Allemagne, 1965), Joep Hijwegen (Pays-Bas, 1994), Jonas Bjerre Poulsen (Danemark, 1976), Kevin Osepa (Pays-Bas, 1994), Kojo Anim (Ghana 1999), Laura Bonnefous (France, 1988), Luo Yang (Chine, 1984), Luuk de Haan (Pays-Bas, 1964), Maarten Koch (Pays-Bas, 1968), Marcus Schaefer (Allemagne, 1987), Michael Walrond (États-Unis, -), Neeltje de Vries (Pays-Bas, 1976), Nora Papp (Suisse, 1975), Olga Wagemans (Pays-Bas, 1983), Rob Grad (US, 1968), Rolf van Rooij (Pays-Bas, 2003), Ruben van Schalm (Pays-Bas, 1988), Rutger ten Broeke (Pays-Bas, 1944), Sam Warnaar (Pays-Bas, 2000), Sante D’Orazio (US, 1956), Sara Punt (Pays-Bas, 1994), Schilte & Portielje (Pays-Bas, 1953 & 1958), Yani (Pays-Bas, 1959).
Albert Watson GB 1942 (images 3-6)
Il n’est vraiment pas nécessaire de présenter Albert Watson – il fait partie des meilleurs photographes au monde depuis 40 ans, et certaines de ses images font partie de la mémoire collective. Il s’agit d’un photographe écossais, basé à New York. Watson est particulièrement célèbre pour ses photographies emblématiques de célébrités, de mode et d’art. Son travail est présenté dans des galeries et des musées du monde entier. Watson est classé parmi les photographes les plus influents et les plus célèbres de tous les temps. La grande variété et la diversité de ses images reflètent une polyvalence sans effort, mais elles sont toujours identifiables comme des photographies d’Albert Watson par leur impact visuel et leur virtuosité technique. La force de Watson réside dans sa capacité à capturer et à transmettre son intérêt pour ce qu’il voit, qu’il s’agisse de la mode, de la nature ou d’une star de cinéma.
Il a travaillé pour les plus grands magazines du monde, comme Vogue, Harper’s Bazaar et Rolling Stone, ainsi que pour des campagnes publicitaires de marques mondialement connues. Il a remporté de nombreux prix au cours de sa carrière et a même reçu l’Ordre de l’Empire britannique des mains de la reine Elizabeth II en 2015. Tout au long de sa carrière, Watson a également consacré une grande partie de son temps à produire une grande collection d’œuvres personnelles. Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions dans le monde entier et a été inclus dans de nombreuses collections internationales privées et publiques.
Schilte & Portielje (Pays Bas, 1953 & 1958)(Images 7-10)
Huub Schilte et Jacqueline Portielje explorent intensivement les riches possibilités de l’ordinateur en tant que médium artistique et ce, depuis 1997.
L’ordinateur est à la fois leur chambre noire photographique et un outil de dessin/peinture. Leur travail a fait l’objet de nombreuses expositions dans le monde entier et fait partie de nombreuses collections internationales privées et d’entreprises. Schilte & Portielje travaillent sans plan ni sujet préconçu. Avec les fragments d’images qu’ils produisent eux-mêmes, ils composent leur propre monde de rêve. Érotisme subtil, poses exigeantes ou poésie tranquille du désir sont les éléments utilisés dans ce monde sombre et riche en contrastes en noir et blanc, peuplé de personnages inlassablement captivants. Dans leur travail, Schilte & Portielje explorent constamment les frontières entre le fantasme et la réalité, ce qui confère une certaine qualité surréaliste. Les figures composées en noir et blanc pourraient-elles exister dans la vie réelle ? Sont-ils dans le plaisir ou la douleur ? Ces questions font de l’univers de Schilte & Portielje un monde dans lequel on aimerait se perdre à jamais.
Eric van den Elsen (Pays Bas -)(Images 11-14)
Le travail d’Eric van den Elsen se caractérise par une vivacité naturelle et un style cinématographique, mais sans pose et au-delà des attentes, ce qui donne lieu à des images réelles et d’une beauté naturelle.
Après s’être intéressé à la musique et à la photographie de rue dans les années 1970, il a étudié la photographie à l’Académie royale de La Haye. La quête d’Eric van den Elsen pour créer de la beauté et l’aisance avec laquelle il travaille sur des sites élaborés l’ont conduit à une longue série de missions de mode pour JAN Magazine, Marie Claire et des marques de mode du monde entier.
Alma Desnuda, (sortie le 8 février 2023), l’espagnol pour l’âme nue, est une série qui observe le balancement délicat d’une jeune femme avec l’île. Une danse qui reflète la beauté naturelle d’une vie sans ego. Le corps nu, entouré par la nature, n’est que le symbole de l’âme nue. La présence pure de la jeune fille ouvre les portes de dimensions où elle et l’île ne font qu’une, où la forme et l’esprit coexistent en harmonie.
Présentation du livre et séance de dédicace
Le samedi 11 février, la présentation du livre sera combinée avec une séance de dédicace par Eric van den Elsen. Ce dernier présentera son dernier livre : Alma Desnuda.
Bien entendu, le livre peut également être commandé auprès de la galerie Kahman ou de l’auteur au prix de 59,95 € + frais de port.
Antoine Khôl (France, 1973) (images 15-18)
Antoine Khol est un photographe basé à Paris et diplômé de l’école de photographie de Paris (ICART PHOTO). Ayant travaillé dans le domaine commercial et plus particulièrement avec des marques de parfums, de vins et de spiritueux, l’esthétique perfectionniste et épurée de ce langage visuel se reflète directement dans ses projets personnels. Dans sa dernière série à long terme « Sans titre », il se concentre sur les plantes, les fruits et les légumes.
Les observations à long terme de Khol donnent lieu à des visuels uniques, pleins d’harmonie entre les formes et les couleurs. Minimalistes dans leur essence mais riches en détails, les photographies de natures mortes de l’artiste offrent une expérience visuelle agréable et suscitent la curiosité.
Jonas Bjerre Poulsen (Danemark, 1976) (Images 19-22)
Fragmentant les corps, l’architecture et la nature, le photographe danois Jonas Bjerre-Poulsen réinvente les formes qui l’entourent en images lumineuses, créant des juxtapositions intimes et énigmatiques qui invitent le spectateur à regarder à nouveau et à imaginer ce qui se trouve au-delà du cadre.
Formé à l’Académie royale danoise des beaux-arts de Copenhague, il associe sa sensibilité spatiale et sa compréhension des formes à des réflexions et des visions conceptuelles qui donnent vie à des projets créatifs. Bjerre-Poulsen a une forte vocation pour la création d’œuvres réfléchies qui se distinguent par leur sobriété et leur raffinement. Pour lui, tout est question d’équilibre. L’équilibre entre la richesse et la retenue, entre l’ordre et la complexité. Un minimalisme qui acquiert de la douceur et une matière visuelle qui revêt des qualités haptiques.
Bjerre-Poulsen se passionne pour la phénoménologie, l’étude philosophique de l’expérience humaine. En tant qu’êtres humains, nous avons tendance à comprendre le monde à travers un point de vue lié à notre propre corps, à notre symétrie et à notre échelle. Mais toutes les formes de l’univers sont structurées autour des mêmes schémas, de l’échelle moléculaire à l’échelle céleste. Lorsque nous appréhendons la vie sous cet angle, nous comprenons que les humains, la nature et l’environnement bâti font tous partie des mêmes modèles géométriques et structurels. Nous traduisons ce que nous percevons dans la nature et la façon dont nous comprenons notre propre corps en ce que nous voyons dans les arts.
La sphère est un motif récurrent dans son œuvre. C’est une image qui, selon Bjerre-Poulsen, peut être utilisée pour comprendre la vie. C’est un symbole fort qui définit les espaces les plus intimes : l’utérus, les relations entre les personnes et celles entre l’homme et Dieu. L’équilibre des sphères est ce qui rend la nature prévisible et mathématique. La géométrie est un système abstrait de formalisation qui a un sens pour nous – carrés, triangles, cercles. Cette compréhension est incorporée dans la façon dont nous construisons physiquement et comprenons mentalement le monde.
Neeltje de Vries (Pays-Bas, 1976) (images 23-26)
« Je prends la plupart des photos quand je ne suis pas en train de photographier. C’est le subconscient. »
Neeltje de Vries est une photographe basée à Amsterdam. Elle travaille en tant que photographe indépendante. Elle réalise des photos d’art et des travaux de commande.
Dans son travail, Neeltje cherche des images qui touchent le spectateur. Des images qui racontent une histoire. Elle recherche la frontière ténue entre la friction et le pouvoir. Des images qui peuvent être à la fois dérangeantes et agréables, mais toujours dans un souci d’esthétique.
Ruben van Schalm (Pays-Bas, 1988), (images 27-30)
Né à Rotterdam, aux Pays-Bas, Ruben van Schalm a commencé à travailler comme modèle et acteur pour le célèbre photographe néerlandais Erwin Olaf en 2008. Il a développé un amour pour la photographie et a commencé à créer sa propre vision il y a quelques années. Van Schalm est surtout connu pour son esthétique du nu masculin. Il travaille généralement par séries, où il se concentre souvent sur la beauté naturelle de l’homme, mais aussi sur la fragilité de la nature qui les entoure.
Van Schalm travaille et vit en Israël.
Gemmy Woud-Binnendijk (Pays-Bas 1973)(images 31-34)
Gemmy Woud Binnendijk est une artiste contemporaine néerlandaise. Son parcours créatif a commencé avec des pigments liquides et un pinceau, mais, comme la vie le fait souvent, son chemin l’a éloignée de la peinture. Par besoin d’espace pour sa pratique créative, Gemmy a pris un appareil photo et a commencé à expérimenter. « Grâce à la manipulation de la lumière et des pixels, Gemmy a commencé à créer des œuvres qui se situent quelque part entre la peinture et la photographie. L’éclairage est devenu une esthétique qui superpose des couleurs veloutées sur une toile d’ombres profondes et de reflets scintillants, pour créer une image pleine d’ombre et de lumière, avec une belle immobilité entre les deux.
Haute Photographie Rotterdam 2023
8-12 février
Keilepand, Keilestraat 9 , Rotterdam
John Devos
johndevos.photo(ad)gmail.com
