Galerie Fons Welters: Berend Strik (The Netherlands, 1960)
Dans son travail, Berend Strik (1960, Nimègue) s’interroge sur la signification des images. Strik soumet ses photographies à un processus intensif de retraitement avec du tissu et du fil. Les photographies cousues ralentissent notre regard et mettent ainsi en valeur l’image et son contenu. En recouvrant partiellement ses images, l’artiste expose constamment différentes couches (de sens).
Strik lui-même déclare : « C’est comme forcer une photographie en la perçant avec des aiguilles et des épingles et en la cousant. Une force, pour ainsi dire, est appliquée à la photographie pour permettre à de multiples nouvelles significations d’émerger. […] La force appliquée se rapporte à l’imaginaire de la photographie. Le moment que la photographie montre n’est plus là, mais le matériau appliqué ramène la photographie dans l’ici et maintenant. […] Les photographies font impression, elles sont chargées d’histoire et de problématiques diverses. De cette façon, la photographie éditée commence à agir comme une sorte de soupape. Grâce au montage, toutes les associations et tous les souvenirs possibles semblent remplir l’image, l’image se remplit en quelque sorte d’elle-même ».
Galerie Fons Welters
Bloemstraat 140
1016 LJ Amsterdam
(+31) 20 423 30 46
www.fonswelters.nl
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Galerie Ron Mandos: Jacco Olivier (Pays Bas, 1972) (images 69-71)
Cette œuvre peut être vue comme une projection à la foire Art Rotterdam, mais sera également projetée sur l’Euromast, un point de repère élevé (186m) datant de 1960. Il s’agit d’un cadeau de la galerie Ron Mandos à la ville de Rotterdam et à la semaine du festival.
Jacco Olivier fusionne la peinture et le cinéma en retravaillant de manière répétée des tableaux par de généreux coups de pinceau désinvoltes et en photographiant systématiquement chaque développement. Les différentes étapes sont combinées en animations projetées. Les films qui en résultent sont énigmatiques et expérientiels – allant et venant dans l’abstraction, ils révèlent les traces et les décisions prises par l’artiste dans le processus de la peinture. Bien qu’il y ait un processus clair et assez complexe dans leur création, Olivier ne fixe pas de thème pour les œuvres, ni pour leur relation les unes avec les autres. Les films sont plutôt imaginés comme des fenêtres sur des moments convergents, et souvent élégamment simples, de la vie quotidienne – un voyage en bus, une baignade dans l’océan ou une promenade dans les bois. À cette convergence de la peinture et du cinéma, cependant, se trouve une tension inconfortable, un sentiment que quelque chose est sur le point de se produire ou vient de se produire qui est inattendu et hors de notre contrôle.
Galerie Ron Mandos
Prinsengracht 282
1016 HJ Amsterdam
+31 20 3207036
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Galerie Valeria Cetraro: Anouk Kruithof (Les Pays-Bas 1981) images 72-74
Se relier à des formes de vie non humaines, s’ouvrir à la pluralité des mondes, élargir les sensibilités et, de la sorte, se transformer : récits de science-fiction et enquêtes anthropologiques s’accordent à faire de ces mutations un enjeu fondamental pour imaginer le futur. Si ces projections sont encore loin d’être un modèle communément partagé, on assiste actuellement à la revalorisation des savoirs alternatifs, des pouvoirs des plantes, à la réappropriation des rituels, et on entend de plus en plus le bruissement des transmissions orales.
Trans Human Nature est le récit d’une traversée personnelle et d’une exploration artistique qui me semblent raconter ces défis contemporains. Fin 2018, Anouk Kruithof part à la découverte du Surinam, petit pays d’Amazonie méconnu, ancienne colonie du Pays-Bas dont l’artiste est originaire. Lors de son expédition, elle découvre un village en pleine forêt, Botopasi, seulement relié à la civilisation par la rivière, et cette rencontre est décisive. Après avoir vécu dans de grandes capitales de l’art- Berlin, New York, Mexico, Bruxelles-, Anouk Kruithof décide de construire sa maison à Botopasi et va vivre là une expérience transformatrice pendant plusieurs mois, jusqu’à ce que la crise du covid la ramène en Europe. Dans ce village, elle travaille en symbiose avec la nature et la population. Installer sa pratique dans ce contexte a impacté ce qu’elle y a produit, ou plutôt ce qui s’y est produit. Anouk Kruithof entrepose sur les pirogues reliant le village des impressions de ses images issues de l’iconographie numérique, et les amène dans ses marches dans la forêt, les immergeant dans la rivière, les camouflant dans la végétation, les manipulant en observant leur capacité à faire corps avec une nature sauvage, puissante, violente aussi parfois. Les images qu’elle produit alors viennent raconter un procédé de transformation de soi au contact d’une nature dense et tropicale.
Anouk Kruithof est une artiste néerlandaise née en 1981 qui s’est installée à Mexico et à New York de 2011 à2015. 2015. Aujourd’hui, elle vit et travaille entre la Belgique (Bruxelles), les Pays-Bas, et sa maison en boisau milieu de la forêt amazonienne à Botopasi (Surinam).
Galerie Valeria Cetraro
16 rue Caffarelli.
75003 Paris
+33 (0)9 82 61 61 11
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KANT Gallery – Copenhague – Susanne Wellm (Danemark 1968) images 75-77
Susanne Wellm utilise la photographie comme principal moyen d’expression. Depuis les années 1990, elle a exploré un large éventail de techniques photographiques, tant analogiques que numériques, souvent utilisées artistiquement sous une forme fusionnée. En explorant les qualités physiques de l’image bidimensionnelle, elle a développé une méthode combinant la photographie et le tissage, ajoutant des couches complexes et tactiles de couleur, de contraste et de profondeur à l’expression des pièces.
Une veine omniprésente dans la pratique de Wellm est son intérêt pour le temps, la mémoire et la construction de la narration. À partir d’une vaste archive d’images trouvées dans d’anciens albums de famille, de photos de films historiques et de captures originales, Wellm établit des liens entre les drames personnels de la vie quotidienne et l’histoire collective et les traumatismes de l’Europe moderne. Par le biais du collage et du montage, elle assemble des sections bien connues, et souvent humbles, de la réalité en espaces picturaux poétiques à plusieurs couches, où la fiction et la réalité, la stagnation et le mouvement, l’intérieur et l’extérieur se fondent en moments extrêmement significatifs, traçant cinématographiquement une action, tout en restant ouverts à l’interprétation.
Indices et inachevés, les pièces de Wellm suscitent une réflexion sur notre éternelle quête de sens, dans les relations enchevêtrées entre nous-mêmes et le monde, entre le passé et le présent. Susanne Wellm est diplômée en 1995 de l’Académie royale danoise d’architecture, de design et de conservation, et a depuis largement exposé au niveau national et international.
KANT – COPENHAGEN
St. Kongensgade 3
1264 Copenhagen K
Denmark
+45 29 46 63 31
info(ad)gallerikant.dk
Martin van Zomeren GMvZ – Vytautas Kumza Lituanie 1992 (images 78-81)
Parfois, on voit de nouvelles œuvres d’art et on sait que c’est vraiment une nouvelle étape. C’est certainement le cas de Vytautas Kumza. Il est photographe, mais décrit également son travail comme des œuvres d’art plastique. Il ajoute des éléments, à la manière d’un dada, à son travail, explorant la relation entre l’œuvre bidimensionnelle et la réalité.
Mon travail existe dans un univers régi par une logique trompeuse et fantastique qui élève la banalité de la vie quotidienne au rang de bizarrerie. Le contenu de l’œuvre est une recherche obsessionnelle de sens, mettant en scène des conversations avec des objets qui restent muets, anticipant un espace où toutes les choses s’activent les unes les autres comme pour orchestrer une performance entre l’animé et le sans vie. Dans cette photographie, la constellation spatiale est construite à partir de l’image plate d’un pied. Pour tenter d’accroître la profondeur visuelle, on a utilisé la répétition des mêmes fragments découpés d’une impression, créant ainsi un décalage inhabituel pour l’œil du spectateur.
Vytautas Kumza est un artiste né en Lituanie et basé à Amsterdam. En 2017, il a été diplômé de l’Académie Gerrit Rietveld d’Amsterdam. Il a organisé plusieurs expositions personnelles en Lituanie et aux Pays-Bas, a participé à des expositions collectives en Lituanie, aux Pays-Bas, en Allemagne, en Italie, en France, en Grèce, en République tchèque.
Martin van Zomeren
Hazenstraat 20,
1016 SP Amsterdam
+31 20 420 8129
contact(ad)gmvz.com
Plus One & Sofie Van de Velde: Max Pinckers (Belgique 1988) images 82-84
Max Pinckers a grandi en Indonésie, en Inde, en Australie et à Singapour, et est actuellement basé à Bruxelles, en Belgique. Son travail explore les structures critiques, technologiques et idéologiques qui entourent la production et la consommation d’images documentaires.
Pour Pinckers, la photographie documentaire va au-delà de la représentation d’une réalité extérieure : il s’agit d’un processus spéculatif qui aborde la réalité et la vérité comme des notions plurielles et malléables, susceptibles d’être articulées de différentes manières. Comme le monde extérieur qu’elle prétend représenter, l’image documentaire est intrinsèquement instable, dépendante du contexte et des langages habituels du réalisme. Le travail de Pinckers s’appuie sur des débats contemporains et historiques, fusionnant faits, fiction et imagination pour réfléchir aux manières dont le réel est défini et représenté. Il traite le documentaire comme une pratique hybride impliquant non seulement des images, mais aussi des objets, des performances, des textes, des séquences trouvées et des interventions sculpturales qui étudient la nature complexe de la perception. La collaboration est essentielle à la pratique de Pinckers, créant un espace pour l’échange d’idées entre lui-même et les personnes avec lesquelles il travaille, et pour l’examen critique de sa propre position en tant que photographe.
En fin de compte, le travail autoréflexif de Pinckers vise à remettre en question à la fois le discours documentaire et la pratique artistique, afin de créer de nouveaux modes de documentation qui mettent en avant la nature trompeuse des images, mais qui s’engagent toujours avec émotion et empathie avec les gens et leurs histoires.
PLUS-ONE Gallery (New South) & Gallery Sofie Van de Velde
Léon Stynenstraat 21
2000 Antwerpen, Belgium
&
Vlaamse Kaai 74-75
2000 Antwerp, Belgium
info(ad)plus-one.be
SCHWARZ CONTEMPORARY: JENNA WESTRA (US 1986) images 85-87
JENNA WESTRA est une artiste basée à New York qui travaille avec la photographie et le cinéma. Son travail se concentre sur les images du corps féminin, créant un espace visuel sûr qui transforme des mouvements apparemment accidentels ou fortuits en actions intentionnelles et chorégraphiées pour la caméra. S’inspirant esthétiquement de la documentation des performances et de la danse postmoderne, elle invite le spectateur à réexaminer son rôle dans la dynamique de la production et de la consommation d’images. Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions,
SCHWARZ CONTEMPORARY
Sanderstraße 28
12047 Berlin
+49 – 30 – 612 89 902
mail(ad)schwarz-contemporary.com
Spazio Nuovo: Giuseppe Lo Schiavo & Marco Maria Zanin
Giuseppe Lo Schiavo (Italy, 1986) (images 88-90)
« Giuseppe Lo Schiavo présente une nouvelle production d’œuvres centrées sur les nouvelles technologies et l’intelligence artificielle qui nous permettent d’explorer la réalité en l’imitant ou en créant de nouvelles réalités connaissables. Ces derniers temps, nous assistons à une hybridation entre réalité et virtualité qui ne dévalorise pas le monde physique, mais l’ouvre à de nouvelles perspectives : l’art transforme la réalité, la renverse et nous l’offre comme instrument d’une réinvention critique des temps modernes.
Pour l’artiste, la réalité n’est pas un concept figé, mais plutôt un phénomène fluide et surtout fragile qui se manifeste comme une expérience subjective conditionnée non seulement par une composante culturelle mais aussi par une composante biologique. Ses œuvres cherchent à redéfinir l’idée de réalité en cherchant une voie possible à travers l’utilisation d’images et d’espaces tridimensionnels présentés avec un haut niveau de photoréalisme tendant à dérouter et à confondre l’identité des œuvres elles-mêmes.
Le monde physique entre dans le virtuel et émerge à nouveau dans une relation mutualiste ».
Marco Maria Zanin (Italy, 1983)(images 91-93)
« Le corpus d’œuvres que Marco Maria Zanin présente – dans son double rôle d’artiste et de chercheur anthropologue – vise à surmonter les asymétries héritées des perspectives eurocentriques et pourtant présentes dans le discours quotidien, en construisant de nouvelles relations entre des objets appartenant à des cultures différentes. Des artefacts divers, mais unis par une relation structurelle avec la culture de la terre et sa logique, son rythme et ses rituels. Pour l’artiste, l’imagination portée par ces objets devient un moyen de développer une biographie des choses qui tisse des souvenirs et des connaissances à travers un jeu d’associations libres et informées, respectueuses de la complexité du débat actuel sur la refonte du rôle des musées dans la gestion du patrimoine ethnographique issu de l’histoire coloniale européenne.
Soil Kinships présente une nouvelle production développée au cours de cette dernière année de pandémie et axée sur la construction de connexions inattendues entre les sujets réels de la recherche de l’artiste, qui vont des outils de la vie rurale dans sa région d’origine, la Vénétie, aux artefacts appartenant aux communautés qu’il a rencontrées lors de ses recherches anthropologiques en Amérique du Sud et au Portugal.
Les objets analysés par Zanin sont traités comme des activateurs de relations sociales et humaines. Ces nouvelles juxtapositions et mélanges résultent de processus interculturels et ne sont donc plus des produits manufacturés mais de nouveaux corps, héritiers de leur environnement d’origine et désormais en dialogue entre eux ».
Spazio Nuovo
00186, Roma – Italia
Via d’Ascanio, 20
+39 06 89572855
info(ad)spazionuovo.net
The Ravestijn Gallery: Mariken Wessels (Pays Bas 1963) images 94-96
Dans la nouvelle série de sculptures de Mama et de collages The Sculptor de Mariken Wessels, c’est le corps féminin qui devient matière. Se plaçant à la fin d’une longue lignée d’artistes masculins qui ont produit des idoles de fertilité féminine hautement sexualisées, la propre interprétation de Wessels du corps féminin l’abstrait, le libérant de son statut de muse pour l’imagination masculine. Dans ses mains, les parties du corps se répètent, s’empilent et se transforment pour former des sculptures monumentales en bronze et en céramique qui existent au-delà de l’érotisme, mettant en évidence l’intérêt de longue date de l’artiste pour la corporalité. Dans The Sculptor, les corps féminins de ces images pornographiques des années 1970 ont été découpés et partiellement remplacés par des morceaux d’argile, dans lesquels les empreintes digitales sont visibles, laissant l' »artiste » masculin seul dans ses efforts ardus de création.
Avant de se consacrer à sa pratique visuelle, Wessels a étudié la comédie à l’école de théâtre d’Amsterdam. Après une carrière d’actrice de dix ans, elle a étudié les arts visuels à l’Académie Gerrit Rietveld. Le travail de Wessels a été largement exposé et a tenu des expositions personnelles au Fotomuseum Antwerp (2016) et au Fotomuseum Den Haag (2017). Wessels a publié de nombreux livres, notamment avec Taking Off. Henry my Neighbor, publié en 2015 aux éditions Art Paper et qui a rencontré un succès international. Le livre a reçu une appréciation honorifique à la foire du livre de Leipzig (meilleure conception de livre du monde entier, 2016), a remporté le prix du livre d’auteur aux Rencontres d’Arles (2016) et a été inclus dans la sélection des meilleures conceptions de livres des Pays-Bas et de la Flandre (2015). Le dernier livre de Wessels, Miss Cox (Nude – Arising from the Ground), a été publié par Fw:Books en 2020.
The Ravestijn Gallery
Westerdok 824
1013 BV Amsterdam
The Netherlands
+31 (0)20-5306005
info(ad)theravestijngallery.com
www.theravestijngallery.com
John Devos
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