BINOME – Laurence Aëgerter, Laurent Millet, Mustapha Azeroual, Thibault Brunet
Laurence Aëgerter (France 1972) ) (images 31-32)
Laurence Aëgerter vit et travaille entre Amsterdam, où elle réside depuis 1993, et Marseille. Elle est lauréate du Prix international de la photographie Nestlé du Festival Images Vevey 2016 et du Prix du livre d’auteur aux Rencontres d’Arles 2018.
La série la plus récente d’Aëgerter, Point de fuite, prend comme point de départ une double page au centre de l’Empire des signes de Roland Barthes, montrant une photographie d’un couloir du château Nijo à Kyoto. L’image est accompagnée d’une inscription manuscrite de l’auteur, reprise dans la dernière phrase du livre : » Retournez l’image à l’envers : rien de plus, rien d’autre, rien « . Prenant cette injonction au pied de la lettre, Aëgerter a entrepris d’examiner ce qui arrive à cette image – et à trois autres tirées de livres sur l’architecture japonaise – ainsi qu’à notre lecture de l’image, lorsqu’elle est retournée. Un dispositif de fixation de l’image au mur, aussi discret que sophistiqué, permet au spectateur de faire tourner le cadre sur un axe central en quatre étapes, comme on tournerait un cadran.
Laurent Millet (France 1968) ) (images 33- 34)
Né en 1968 à Roanne, Laurent Millet vit et travaille à La Rochelle. Il enseigne également à l’Ecole supérieure d’art et de design d’Angers (TALM). Prix Nadar 2014 pour Les Enfantillages Pittoresques (Filigranes Editions), Prix Niépce 2015, membre de la Casa de Velazquez (2007 à 2009), entre autres récompenses, ses travaux ont fait l’objet de nombreuses publications et expositions
Formé à l’art contemporain et à la photographie, il associe sa pratique de la photographie à tous les autres arts : dessin, vidéo, installation et performance. À l’aide de plusieurs dispositifs qu’il combine souvent, il construit un vocabulaire qui se situe aux limites du visible et interroge sa relativité, entre perception et imagination. Observatoires, architectures, maquettes, outils et appareils de mesure sont récurrents dans le travail de l’artiste, contribuant à la construction de ce qu’il appelle une « rêverie mesurée ».
Mustapha Azeroual (1979, franco-marocain) (images 35-36)
« Considéré comme une des valeurs montantes de l’art contemporain en France » (Huffington post, oct. 2015), Mustapha Azeroual (1979, franco-marocain) est un photographe autodidacte. Scientifique de formation, il fonde ses recherches sur l’observation des processus d’apparition de l’image et de ses manifestations, retransmises au spectateur dans l’expérimentation des supports de diffusion. Associant installation, volume, séquence, aux procédés photographiques anciens, il actualise les techniques historiques de prise de vues et de tirages, tout en ouvrant le champ d’investigation de l’image photographique par delà ses limites présupposées (planéité et temporalité). La question du photographique et de la matérialité de l’image se trouve au cœur de son processus créatif.
Le projet Radiance vise à créer une archive de la lumière, et par extension de la couleur. Au lever et/ou au coucher du soleil, deux moments clés de la journée en ce qui concerne les variations chromatiques de la lumière, Mustapha Azeroual photographie le même paysage avec un appareil photo. Il prend plusieurs clichés sur le même plan de la pellicule ; des négatifs qu’il assemble ensuite numériquement. La fabrication des images, par cette double superposition, transforme le paysage en une forme abstraite, et le réduit à une ligne d’horizon. Au terme de cette synthèse, l’artiste conserve quatre ou cinq images qu’il transfère sur un support unique, le lenticulaire, un procédé technique qui, associé au mouvement, permet une lecture liée. Chaque mouvement du spectateur rejoue le cycle répétitif de la lumière naturelle. Dans une relation privilégiée avec l’œuvre, deux personnes côte à côte ne peuvent jamais percevoir les mêmes nuances. Ainsi, Radiance dépasse la notion d’instant photographique, associée à l’image unique, pour aborder la séquence dans les images en mouvement. Une expérience du temps, que Mustapha Azeroual associe à l’expérience de la lumière comme synthèse de couleurs. Comme ces points de lumière à l’aube et au crépuscule, Radiance est une sensation, une expérience de l’image étirée à l’infini. Radiance #8 Finisterrae a été réalisé en 2022 comme s’implique le nom au bout du monde sur la presqu’île de Crozon (Bretagne).
Thibault Brunet (1982, français) ) (images 37- 38)
Thibault Brunet (1982, français) joue avec les genres codifiés de la photographie pour interroger notre rapport à la virtualité dans une société où le monde est en passe d’être entièrement numérisé. Il s’est d’abord distingué avec des séries réalisées à l’intérieur jeux vidéo, voyageant dans des mondes virtuels – Vice City, Lanscapes et First Person Shooter (2007-2013) – et Google Earth – série Typologie du virtuel (2014). Depuis 2016 avec la série Territoires circonscrits, il travaille sur la numérisation du monde réel à l’aide d’un scanner 3D avec le partenariat technologique de Leica Geosystem.
Avec 3600 secondes de lumière, Thibault Brunet capture la beauté éphémère des nuages en utilisant un espace virtuel créé dans un jeu vidéo. Il observe l’effet du passage du temps sur les couleurs des cieux en créant un cycle virtuel de lever et de coucher du soleil. Il réalise une série de portraits de nuages modélisés en 3D, éclairés par ce soleil, prenant des teintes différentes selon l’heure de la journée. Thibault Brunet dresse ainsi un catalogue des nuages, une typologie de leurs formes et de leurs couleurs changeantes. Les images créées par ce projet brouillent la distinction entre peinture et photographie. Les nuages nous apparaissent comme des tableaux. En s’approchant, on se rend compte que ces images sont des simulacres créés par un moteur de jeu vidéo.
Binôme
19, rue Charlemagne,
75004 Paris
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+33 (0)1 42 74 27 25
Bradwolff & Partners: Jaehun Park (Corée du Sud, 1986) (images 39-41 )
Bradwolff & Partners présente une exposition solo de Jaehun Park avec ses nouveaux objets LED. L’artiste réfléchit à la fragilité de la Terre et prône un avenir dans lequel les hommes et la matière peuvent établir de nouvelles connexions.
Jaehun Park traite de questions complexes qui touchent la Terre. Les champs de tension qu’il explore questionnent les attitudes de l’humanité qui doivent passer de l’ambiguïté à l’activisme. Sa pratique est ancrée dans le démantèlement des rituels du capitalisme et du consumérisme. Pour ce faire, il utilise généralement des simulations vidéo qui racontent ses histoires sous forme d’objets métaphoriques dans l’espace.
Pour Art Rotterdam, il permet à ces objets de se manifester encore davantage dans une série d’objets LED. En découpant des éléments de leur narration vidéo et en les présentant individuellement, il franchit une nouvelle étape dans son développement et nous confronte à la structure narrative du monde dans lequel nous vivons. Chaque petit détail joue un rôle ici, et l’ajout d’une dimension sculpturale à une qualité audiovisuelle ne fait qu’approfondir son jeu avec l’art numérique.
En conséquence, il a choisi l’œuvre « Overheated Windmill » 2021 pour démêler la relation complexe entre le tourisme et le patrimoine. Les moulins à vent sont aujourd’hui considérés comme une attraction touristique et non plus comme une industrie (comme au XVIIe siècle). Les moulins utilisés pour le sciage du bois ont assuré une industrie florissante de construction navale dans la région de Zaan. Vers 1650, environ 75 navires étaient construits ici chaque année. Ces navires permettaient aux riches d’annexer une plus grande partie du monde pour la colonisation. Nous savons maintenant que cela a entraîné oppressions, meurtres et d’autres pratiques malhonnêtes. Cette œuvre vidéo de Park montre comment le tourisme tourne aujourd’hui souvent autour des objets qui ont rendu le colonialisme possible. Jaehun Park vit et travaille à Amsterdam et à Séoul.
bradwolff & partners
oetewalerstraat 73
1093 md amsterdam oost
06-513 999 54
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Contour Gallery : Saïdou Dicko ( 1979, Burkina Faso)(images 42-44)
Saïdou Dicko (1979) est un artiste visuel multimédia autodidacte du Burkina Faso qui pratique la photographie, la vidéographie, l’installation et la peinture. Issu d’un milieu de bergers Peuls, il a commencé sa quête artistique en dessinant les ombres de ses moutons. Plus tard dans sa carrière, ces ombres sont devenues son centre d’intérêt et sont présentes dans toutes ses œuvres. Ayant à l’origine la photographie comme point focal, il a, ces dernières années, élargi son approche de ses créations et commencé à combiner différents médias, où la photographie est incorporée, par exemple, à la peinture et au collage numérique.
La série la plus récente de Saïdou Dicko a été publiée dans le livre de photos « The Shadowed People ». Cette série est une combinaison de clichés, subvertis, où il recouvre le sujet de peinture noire. Reflet de ses années de travail, « The Shadowed People » vise à rendre les sujets anonymes et à briser le concept d’individu, en démocratisant ses personnages par la suppression des indicateurs sociétaux clés. Dans le même temps, son art met également en lumière son arrière-plan, non seulement à travers les figures encrées de noir, mais aussi les quatre carrés rouges regroupés autour d’un carré noir au centre, au-dessus de la tête du sujet de chaque photo. Cette formation représente les symboles les plus marquants liés à ses origines peules, le symbole faisant partie d’un tapis mural traditionnel peul typique. Poétique et poignant, le travail de Saïdou Dicko vise à dépeindre l’ombre des stéréotypes dans lesquels vivent les personnes d’origine africaine et l’universalité de leurs expériences.
Pour voir comment Dicko a combiné les différents médias dans chaque œuvre, nous vous invitons à les voir en personne. Comme les œuvres de Dicko sont des photographies qui incorporent une méthode de peinture analogique, chaque pièce est unique. La moitié du produit de la vente de ses œuvres est reversée à sa communauté familiale : cinquante pour cent de toutes les ventes vont à son association, Nafoore Cellal, qui a développé un centre de santé et une pharmacie, un jardin potager biologique, deux châteaux d’eau à énergie solaire et deux pompes à eau manuelles dans sa zone pastorale natale de Yagma au Burkina Faso.
Contour Gallery
Josephstraat 164
3014 TX Rotterdam
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Fred & Ferry : Jana Coorevits & Lydia Hannah Debeer
Jana Coorevits Belgique 1990 (images 45-47)
Jana Coorevits (1990) est cinéaste et photographe. Elle a étudié les arts audiovisuels à Sint Lukas Bruxelles et travaille comme chercheur artistique au Conservatoire royal d’Anvers. Sa pratique artistique est sous-tendue par une recherche approfondie des techniques narratives dans la littérature, le cinéma et la photographie. Son travail artistique se déroule dans un espace intermédiaire : une zone où les frontières entre le monde intérieur et le monde extérieur s’estompent et où les distinctions deviennent diffuses. Un paysage mental où les images ne sont pas créées par le langage et la pensée, mais où les images émergent de l’espace entre les mots, entre les pensées, de l’espace blanc autour de l’encre.
Lydia Hannah Debeer (Belgique 1992) (images 48-50)
Lydia Hannah Debeer est une artiste visuelle et une musicienne belge. Sa pratique explore les espaces entre le son et l’image. Elle crée des paysages immersifs par le biais de la vidéo, de paysages sonores enregistrés et en direct, et de la musique.
Le travail de Lydia Hannah démêle subtilement les différentes couches de la réalité, révélant lentement l’interaction cyclique entre absence et présence. En invitant le vide intemporel dans l’espace, Lydia fait ressortir la fragilité des paysages, des images et des sons. Son œuvre reflète ainsi la dualité fragile de l’existence humaine, prise entre la distance imaginaire et la proximité informe du monde réel. Elle s’attarde dans l’esprit du spectateur, l’invitant à se laisser entraîner par la distance qui l’éloigne.
Fred&Ferry
Leopoldplaats 12
2000 Antwerpen
https://fredferry.com/
Galerie Bacqueville Thomas Devaux, David de Beyter, Marc-Antoine Garnier
David de Beyter France 1985 (images 51-53)
David De Beyter est artiste photographe. Son approche de la photographie est à la fois conceptuelle et documentaire. Son travail artistique repose principalement sur le concept de pratique(s) du paysage. Il développe des projets photographiques, vidéo et sculpturaux, présentés en exposition sous forme d’espaces immersifs. Il est diplômé de l’atelier de photographie de La Cambre et du Fresnoy – Studio national des arts contemporains.
Marc-Antoine Garnier France 1989 (images 54-56)
Marc Antoine Garnier est un photographe et plasticien français diplômé de l’école supérieure d’art et de design Le Havre-Rouen. Il s’attache à « déconstruire » et « reconstruire » la photographie à travers une spatialisation de ce médium traditionnellement bidimensionnel. Il donne littéralement corps à ses images, prenant alors comme sujets le ciel, la mer, les roches ou encore la végétation. Ses photographies sont autant d’objets questionnant la nature même de l’image tout en nous faisant voyager à travers la douceur de phénomènes naturels tels que l’évanescence des nuages ou la puissance des vagues, mettant en exergue leur état changeant.
Thomas Devaux 1980 France(images 57-59)
Thomas Devaux est un artiste photographe qui s’approprie les couleurs utilisées dans le marketing pour compléter sa vision critique de l’univers consommatoire tout en nous donnant à voir des abstractions méditatives, contemplatives, où le sujet – aussi trivial soit-il – se fond dans des reflets colorés et irisés. Il joue avec les codes de la peinture et de la photographie afin de nous donner à voir les idoles évanescentes d’un monde où le sacré a pris place sur les étals des supermarchés.
Galerie Bacqueville
32 rue Thiers, 59800 Lille, France
Vlissingsestraat 239a, 4388 HC Oost-Souburg, Netherlands
www.galeriebacqueville.com
Galerie Caroline O’Breen : Anne Geene & Elsa Leydier
Anne Geene (The Netherlands, 1983) (images 60-62)
À l’aide de la photographie, Anne Geene enquête, collectionne et organise le monde qui l’entoure. Elle est connue pour sa capture des motifs cachés, la beauté et l’humour de la flore et de la faune. Elle examine des concepts tels que la possession, la complétude, la sélection et le désir. Avec un clin d’œil au besoin humain d’ordonner et de savoir, son travail passe de la collecte d’innombrables brins d’herbe ou de gradients de feuilles d’automne à la mesure de la circonférence de certains arbres ou des oiseaux en fonction de la vitesse de leurs fientes. L’interprétation que l’artiste donne de ses découvertes est strictement personnelle et renvoie à notre besoin de réguler et de comprendre le monde qui nous entoure. À Art Rotterdam, Anne Geene présente de grands tirages du nouveau projet Fields of Grass et ses derniers développements de la série Eternal Herbarium. Fields of Grass consiste en des brins d’herbe scannés individuellement dans un champ situé dans l’environnement direct de l’artiste. Une ode à l’herbe, la plante sous-estimée. Eternal Herbarium est une combinaison de matériel végétal préservé et de sa reproduction photographique. De cette manière, une comparaison éternelle est créée entre la couleur originale (capturée au moment de la cueillette) et son équivalent organique qui s’estompe. Le travail d’Anne Geene est présent dans de nombreuses collections
Elsa Leydier (France 1988) (images 63-65)
La pratique artistique d’Elsa Leydier (France, 1988) s’articule autour de la charge politique de la photographie. Sa récente série LUTOA (Les désobéissances) s’inscrit dans le cadre de l’écoféminisme et concerne la déforestation autorisée de la forêt atlantique. Elle fait écho à la récente diffusion de collages de rue féministes dans lesquels le mot « luto » est transformé en « luta » à la peinture noire. En portugais, « luto » signifie « deuil » et « luta » signifie « combat ». Actuellement, il ne reste que 8% de la surface qui recouvrait le Brésil lorsque les Portugais l’ont envahi. La construction du nouveau port industriel qui est en cours détruit encore plus d’hectares de forêt et de fonds marins. Avec ce projet, Leydier parle de la lutte contre cette injustice et met en évidence le lien entre le changement climatique et l’économie. L’artiste souligne que les cadres de ses œuvres ont été fabriqués en Chine. Même avec une meilleure approche environnementale des matériaux, dans une œuvre qui dénonce un désastre écologique, Leydier démontre comment tout le système est entrelacé : des matériaux d’Amérique latine et une main-d’œuvre bon marché d’Asie. Dans LUTOA (Les désobéissances), Elsa Leyider pose la question de savoir s’il faut détruire tout le système, plutôt que les comportements individuels, pour changer les choses. Elsa Leydier a une liste d’expositions très impressionnante.
Galerie Caroline O’Breen
Hazenstraat 54
1016 SR Amsterdam
The Netherlands
0647104484
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John Devos
johndevos.photo(ad)gmail.com
