Hopstreet, Brussel, Deurle, Belgique: Julie Cockburn, Noé Sendas, Sara Imloul.
Julie Cockburn (°1966, UK, vit et travaille dans le Suffolk, UK) ( images 1-3)
Julie Cockburn travaille avec des images et des objets trouvés, qu’elle transforme en nouvelles œuvres d’art. Utilisant son propre langage visuel, Cockburn embellit des photographies achetées où trouvées soigneusement sélectionnées avec de la broderie, du collage, de la sérigraphie et de la peinture pour produire ses séries de portraits et des paysages. Ayant suivi une formation de sculpteur, chaque composition joue un rôle clé dans les photographies originales choisies par Cockburn. En outre, la couleur, la texture et la signification inhérente sont fondamentales pour les décisions qu’elle prend lors de l’exécution de ses transformations. L’ensemble de la pratique de Julie Cockburn a une qualité méditative qui se manifeste dans l’attention portée aux détails et au travail méticuleux de l’aiguille de ses œuvres brodées.
Noé Sendas (BE 1972, vit et travaille à Berlin, Madrid et Lisbonne)
Sendas a commencé à présenter son travail à la fin des années quatre-vingt-dix. Les références explicites et implicites à des artistes et à des créations littéraires, cinématographiques ou musicales font partie de sa matière première. Des préoccupations spécifiques concernant la réflexion et la pratique des arts visuels peuvent également être ajoutées à son répertoire. Il s’agit notamment du corps, en tant qu’entité à la fois théorique et matérielle, des mécanismes de perception de l’observateur ou du potentiel discursif des méthodes d’exposition. Sa remarquable œuvre Crystal Girls déconstruit des photos de films de l’âge d’or hollywoodien, en éliminant les visages, les membres et les décors, créant ainsi des natures mortes sophistiquées et énigmatiques.
Sara Imloul (Fr 1986, vit et travaille à Paris)
Sara Imloul a développé une pratique axée sur la photographie symbolique et autobiographique en mettant en scène ses images contrastées en noir et blanc, nées de visions intérieures et de souvenirs.
Dans la lignée d’un regard surréaliste tourné vers les régions de l’imaginaire, la photographe élargit les portes de la perception et fait appel à une vision tournée vers l’intérieur, propice à des expériences visuelles où réalité et symbolique sont comme entremêlées. Hantées par la mémoire de soi, habitées par l’intime, ses images tendent ainsi à parfaire une connaissance de l’exclusif et renvoient à la mémoire de la durée, à celle des choses, des êtres et des instants, à tout ce qui altère le temps, comme une proposition qu’elle entend opposer à la mort.
Depuis ses études à l’ETPA de Toulouse, Imloul utilise le calotype, un procédé mis au point par Henri Fox Talbot en 1840, qui permet d’obtenir un tirage par contact à partir d’un négatif papier. Chaque négatif étant retravaillé à la main, Imloul invente dans son atelier des techniques personnelles qui lui permettent de créer son univers d’images mystérieuses en mêlant dessins et collages à ses tirages photographiques. Elle travaille soit en noircissant le sel pour ajouter de la lumière, soit en le soustrayant avec du ferricyanure de potassium pour obtenir un effet plus ombragé. A l’heure de l’image numérique et des réseaux sociaux, cette artiste a choisi la lenteur, l’Arte Povera de la photographie.
Hopstreet
Sint-Jorisstraat 109 Rue Saint-Georges,
B-1050 Brussels
Museumlaan 16,
B-9831 Deurle
hop(ad)hopstreet.be
+32 496 54 44 54
Keteleer Gallery, Antwerpen: Paul Kooiker & Sybren Vanoverberghe
Paul Kooiker (Néerlandais 1964) (images 10-11)
En tant qu’artiste visuel utilisant la photographie comme médium, l’œuvre de Paul Kooiker est connue pour sa signature et son caractère typiques. Son travail est stratifié et varié ; ses photos sont visuellement attrayantes, ouvertes, intemporelles, sans être fades. C’est ainsi qu’il est devenu un créateur d’images iconiques très recherché. Kooiker crée une beauté énigmatique qui n’est jamais superficielle, mais plutôt freudienne dans la façon dont elle joue avec les désirs sombres, les fétiches et les rêves subconscients. Il ne recule devant aucun sujet ni aucune approche. Déconnectées du temps et du lieu, et transcendant les rôles de genre classiques, ses images surréalistes ressemblent à des photos de films d’histoires que nous ne pouvons qu’imaginer. La pratique de Paul Kooiker se caractérise par une approche conceptuelle et expérimentale de la photographie. Au cours des cinq dernières années, il a créé des œuvres qui flirtent avec la frontière entre le commerce et l’art – la séparation entre ses photographies de mode et ses œuvres autonomes est presque impossible à distinguer.
Sybren Vanoverberghe (BE 1996, vit à Gand et travaille à Otegem) (image 12)
Sybren Vanoverberghe s’engage dans la photographie en utilisant diverses techniques d’impression, des installations, des structures et des objets découverts dans sa pratique artistique. Ses créations capturent des paysages et leurs vestiges dans un état perpétuel de transformation, révélant l’interaction complexe entre le lieu et le temps. À travers ses œuvres, Vanoverberghe explore la convergence de l’histoire, de la nature et du patrimoine, présentant aux spectateurs un dialogue visuel qui s’étend à la fois aux ruines historiques et aux lieux communs. Son art remet en question les notions établies en juxtaposant des structures actuelles à ce qui pourrait être interprété comme des artefacts d’un futur envisagé. Les œuvres de Vanoverberghe possèdent une qualité anachronique prononcée, certaines images représentant une époque révolue qui n’a jamais vraiment existé. Dans ses monographies, il se penche souvent sur la nature cyclique de sites spécifiques, transcendant leur contexte géographique d’origine. Son travail suscite des interrogations spéculatives qui traversent le temps, oscillant entre le passé et le futur avec la même résonance. Une tension perpétuelle imprègne l’œuvre de Vanoverberghe, invitant à la contemplation de la double nature des images – qu’il s’agisse de les accepter comme des documents historiques ou de rejeter celles qui semblent présager un avenir encore à venir.
Keteleer Gallery
Pourbusstraat 3-5
2000 Antwerp
Tue – Sat: 10 am – 6 pm
T +32 (0)3 283 04 20
www.keteleer.com
KIN, Bruxelles : Andrzej Steinbach
Andrzej Steinbach (Pl 1983, vit et travaille à Berlin)
Pour réaliser sa série photographique Sender Empfänger, Andrzej Steinbach a démonté une machine à écrire mécanique Brother en ses différents éléments. Il a soigneusement disposé les barres de caractères, isolé le rouleau et la barre d’espacement et les a placées sur une plaque de verre, en fixant certaines d’entre elles avec du ruban adhésif. Sur un fond blanc, le rouleau et la barre d’espacement ont presque l’aura de portraits. Il ne présente que les éléments de la machine qui servent à produire du sens : les barres de caractères, la barre d’espacement mettent le papier en contact physique avec les lettres, matérialisant ainsi le message qui passe de l’expéditeur au destinataire. Adoptant une approche analytique, il déconstruit l’appareil, comme s’il essayait de capturer sa vie intérieure, le « fantôme dans la machine ». En réduisant la machine à écrire à ses composants individuels et en les abstrayant, il les extrait de leur contexte fonctionnel et les rend inutilisables pour l’usage auquel ils étaient destinés.
Les références historiques du langage visuel sobre de Steinbach remontent plus loin, jusqu’à la photographie expérimentale de la Neues Sehen, dont les praticiens cherchaient à visualiser le progrès industriel des années 1920. L’accent était mis sur la fascination exercée par les nouvelles technologies et les promesses d’automatisation et de libération du travail qui y étaient associées. Dans un geste presque nostalgique, les photos de Steinbach font un clin d’œil à l’avant-garde des années 1920, pour qui le projet moderniste représentait avant tout la possibilité utopique d’une évolution vers une société égalitaire.
Dans les séries photographiques de Steinbach, les signifiants et leurs composants graphiques ne sont pas considérés dans leur dimension sémantique ou expressive ; l’accent est plutôt mis sur leurs éléments matériels, qui soutiennent la construction de nouveaux signifiants complexes. Ses photographies soulignent les conditions matérielles de la production de sens. L’émetteur et le récepteur, dans son travail, ne sont pas des entités abstraites divorcées de l’aspect matériel de l’existence ; au contraire, ils engendrent de nouveaux signifiants précisément en s’engageant avec eux. Ses images sollicitent une considération comparative qui résiste à l’instrumentalisation fonctionnelle et idéologique et met en lumière leur potentiel émancipateur et poétique.
KIN
Rue Ravenstein 37,
1000 Brussels
+32 470 88 63 43
kinbrussels.com
MAGNIN-A Paris: Nathalie Boutté
Nathalie Boutté (Fr 1967, vit et travaille à Montreuil) (images 16-17)
Nathalie Boutté réalise ses premiers travaux en papier après une carrière dans l’édition et le graphisme. Le papier est son support de travail et s’est peu à peu imposé à elle comme sa matière de prédilection. Elle découpe minutieusement toutes sortes de papier, parfois dans des livres anciens, des cartes routières, des billets de banques et des feuilles de papier japonais. C’est sur ces feuilles qu’elle imprime au préalable un texte lié à l’histoire des sujets photographiés ou celle du photographe dont elle s’est inspirée.
Sa démarche artistique est initiée par sa rencontre avec la photographie : des daguerréotypes, autochromes, premiers supports d’impression de l’image photographique. Elle se prend de passion pour ces images et les histoires du passé. L’artiste s’applique ensuite à recréer les portraits en assemblant minutieusement les languettes de papier une à une.
La découpe nette, la finesse du papier et sa superposition créent des œuvres en volume. De près, le regard se perd dans un enchevêtrement de lettres. L’image reconstituée se dévoile au fur et à mesure que l’on s’en éloigne et que l’œil s’accommode aux collages. L’artiste convoque dans ses œuvres des photographes historiques, Edward Curtis, Malick Sidibé ou Seydou Keïta… et s’intéresse à la photographie comme marqueur de mémoire. Elle ravive le souvenir de figures, le souvenir d’une époque et de traces du passé. Aux fragments de photographies marquées par les années se substituent les fragments de papier japonais et des livres anciens.
Elle sera exposée au Musée Photo Elysée dans l’exposition Hommage aux cotés de Sabine Weiss du 22 juin au 29 septembre 2024
MAGNIN-A
118 Boulevard Richard-Lenoir,
75011 Paris
+33 (0)1 43 38 13 00
info(ad)magnin-a.com
Mind Set Art Center (MSAC) Taipei, Taiwan: Dani Ghercă
Dani Ghercă (Ro 1988)(images 18-20)
« A Glimpse of Disconnection » marque à la fois un tournant et une évolution dans le travail photographique de Dani Ghercă. Auparavant, il se concentrait sur le changement radical qu’a connu sa ville natale, Bucarest, lors de sa transition du communisme au capitalisme. Après une décennie passée à enregistrer ce changement avec des photographies argentiques traditionnelles, l’artiste a senti les limites du médium. Il a changé de perspective pour adopter une vue à vol d’oiseau et une approche plus conceptuelle. Il a intentionnellement sous-exposé toutes les photos et, en post-production, a poussé le contraste jusqu’à ce que les reflets spéculaires se transforment en lignes et en points lumineux, alors que tout le reste est obscurci. Dans cette nouvelle série d’images, les formes géométriques angulaires occupent une place centrale dans les cadres, au lieu de portraits de personnes, de bâtiments en béton et de paysages.
La ville et son architecture ont longtemps servi de vaisseau commun à l’identité collective et à la culture de ses habitants. Ghercă a cependant transformé ce vaisseau en images minimalistes ne présentant pratiquement aucun élément identifiable. C’est sa façon de souligner l’effet écrasant de la mondialisation sur les économies et les cultures régionales —- Toutes les métropoles modernes se sont transformées en copies conformes répétitives, remplies de tours et d’appartements uniformes dans lesquels les gens s’adonnent à des activités semblables.
Mind Set Art Center (MSAC)
1F, No.20, Wenhu St., Neihu Dist.,
Taipei City 114, Taiwan
Tuesday-Saturday (Closed on Sunday & Monday) 13:00-18:00
T +886-2-23656008
info(ad)art-msac.com
johndevos.photo (ad) gmail.com
