Annie Gentils Gallery, Antwerpen: Marie Cloquet & Marc De Blieck
Marc De Blieck (BE 1958, vit et travaille à Warburg, Allemagne) ) (images 1-3)
Marc De Blieck a commencé par être peintre, mais il s’est rapidement tourné vers la photographie. Le public appréciait sa peinture principalement pour l’habileté avec laquelle elle était réalisée, alors qu’il voulait détourner l’attention de ses prouesses techniques vers une forme de « pur regard » ; au lieu de prendre note d’une signature unique, le spectateur devait devenir partie prenante d’une expérience optique. En essayant de s’extraire du processus photographique, il sape toute revendication d’auteur (il n’est pas « celui qui sait »). Une façon de diluer sa paternité consiste à se soumettre à un système rigoureux qui prend la décision à sa place, comme dans « The Meydenbauer Legacy » (2008), par exemple, où il a utilisé le système de la photogrammétrie pour « sélectionner » son point de vue.
Son travail photographique est une exploration permanente de la photographie en tant qu’événement – plutôt que la photographie en tant que rapport d’un événement, De Blieck a appliqué diverses stratégies, activant souvent subtilement l’acte de regarder lui-même, en pliant parfois l’œuvre et en assemblant les différentes parties en une autre composition. Dans ses œuvres les plus récentes, de nombreuses images passent aléatoirement par des « pixels » d’environ 1 cm sur 1 cm, tous avec un plan de mise au point différent, déconnectant ainsi le point de mise au point du point d’intérêt et d’une narration (spatiale). Marc De Blieck aura une exposition solo à SMAK Gand, au printemps 2025 et une exposition solo à notre galerie en septembre 2024.
Marie Cloquet (° BE 1976, vit et travaille à Gand (BE)) (images 4-6)
Les œuvres hybrides à grande échelle de Marie Cloquet ne sont ni des peintures ni des photographies, mais un chevauchement non classifié des deux. En reconstituant les lieux où ils ont été créés, les paysages de Cloquet ignorent le clivage entre la nature et la culture, entre l’organique et le construit.
Jouant du Land Art, la photographie et la peinture mettent en scène un événement de déclassification, une constellation indifférenciée de lieux et de temps, une expérience idiosyncrasique du monde. Elle combine des registres disparates de la réalité, sapant la distinction entre les phases de la matière, entre l’animé et l’inanimé, le substantiel et l’imaginaire. Elle exerce un état fluide et élastique des choses, fondé sur un potentiel d’énergie primaire à travers lequel tout peut être recréé. (texte Ory Dessau).
Annie Gentils Gallery
Peter Benoitstraat 40
2018 Antwerpen Belgium
Wednesday – Saturday 2 PM – 6 PM
mail (ad)anniegentilsgallery.com
M: +32 477 756 721
Galerie Bigaignon, Paris: Yannig Hedel, Máté Dobokay, Thomas Paquet
Yannig Hedel (F, 1948) (image 7)
Yannig Hedel traque la course du temps sur l’architecture urbaine, bâtissant depuis plus de 40 ans une œuvre remarquable de finesse et de cohérence, avec une maîtrise absolue du gris.
L’oeuvre présentée, « De Labore Solis », est une véritable représentation du passage du temps que l’artiste à réaliser sur plus de six ans. Au fil des minutes, des mois, et des années, Yannig Hedel s’est appliqué à photographier cette même façade, tel un écran de cinéma, et ainsi capter chacune des variations qu’y imprimait la lumière du soleil. Cette composition magistrale de 45 tirages d’époque est la seule aujourd’hui complète.
Máté Dobokay (Hu 1988) (image 8)
Máté Dobokay perpétue la longue tradition hongroise navigant entre art conceptuel et photographie expérimentale, qui ne cesse de repousser les limites du médium.
Les œuvres présentées sont issues de la série « Hommage à Simon Hantai » pour laquelle l’artiste a adapté la technique de pliage du peintre hongrois aux matières premières de la photographie. Les produits chimiques s’immiscent dans les plis du papier préalablement froissé et immergé dans le révélateur, laissant des empreintes révélées lorsque le support est remis à plat. Ainsi, les surfaces entrées en contact avec le liquide ont noirci, tandis que les parties qui n’ont pas été touchées demeurent blanches, révélant ainsi une sorte de canopée de lumière.
Thomas Paquet (F Can 1979) (image 9)
Thomas Paquet entreprend un travail d’étude photographique autour de ses caractéristiques fondamentales: la lumière, l’espace et le temps.
L’oeuvre présentée est une cyanotype issu de la série « L’ombre des heures » qui utilise à la fois la lumière comme outil d’écriture et comme sujet d’étude. Le protocole s’apparente à celui d’un peintre: l’artiste badigeonne le papier coton du liquide photosensible (technique du 19ème siècle) qu’il place sur une planche sur laquelle sont plantées des aiguilles, qu’il expose ensuite au soleil. Le papier devenu bleu par l’effet des UVs dans le ciel laisse apparaître les fines ombres blanches des gnomons: dans une éclipse inversée, l’ombre devient alors lumière.
Galerie Bigaignon
18, rue du Bourg-Tibourg,
75004 Paris, France
Open Tuesday to Saturday, from 11pm to 7pm.
T +33.(0)1.83.56.05.82
Galerie Nathalie Obadia, Parijs, Brussel : Valérie Belin
Valérie Belin (F 1964, vit et travaille à Paris, France) (images 10-12)
Le travail de Valérie Belin est centré sur le corps et la frontière entre le vivant et l’inanimé. Par le traitement de la lumière, des contrastes, les proportions des tirages et autres paramètres savamment orchestrés, elle joue avec l’incertitude. Devant ses images, il est difficile de déceler le réel du virtuel. Pas de contexte et de décor ; un fond systématiquement neutre : son travail fondé sur un protocole précis de mode sériel et de précision chirurgicale, gomme tout particularisme au profit d’une forme de beauté lisse, impersonnelle, artificielle et standardisée. Elle développe ainsi un questionnement sur les stéréotypes, les conventions et les codes de représentation – sociaux, médiatiques, cinématographiques, véhiculés par la mode, l’industrie du luxe, etc. –, en opérant un traitement très pictural des êtres et des choses.
L’artiste française réalise des images monumentales, monochromes ou en couleurs hyper-saturées, qui se situent à la croisée de la nature morte, du portrait de studio et de concepts puisés dans la sculpture minimaliste. Sa pratique photographique des vingt dernières années a donné lieu à un corpus d’œuvres qui se démarque par sa capacité de considérer en profondeur la plasticité du médium, en explorant l’artifice et l’illusion ainsi que les notions de collection et de mise en espace. A mi-chemin entre le portrait et la nature morte, Valérie Belin interroge ainsi les qualités mimétiques de l’art : « Bien plus qu’un moyen figuratif, la photographie m’offre la possibilité de sonder les frontières évanescentes entre la réalité et l’illusion, de révéler le surnaturalisme profond de mon travail. »
GALERIE NATHALIE OBADIA
3, rue du Cloître Saint-Merri –
75004 Paris
Monday – Saturday 11 am – 7 pm
+33 (0) 1 42 74 67 68
91, rue du Faubourg Saint-Honoré –
75008 Paris
Tuesday – Saturday 11 am – 7 pm
+33 (0)1 53 01 99 76
8, rue Charles Decoster –
1050 Ixelles, Brussels
Tuesday – Saturday 10 am – 6 pm
+32 (0) 2 648 14 05
Galerie Ron Mandos: Erwin Olaf
Erwin Olaf (1959-2023) (Dutch) (images 13-15)
Erwin Olaf était connu pour sa pratique diversifiée centrée sur les individus marginalisés de la société, notamment les personnes de couleur et la communauté LGBTQ+. En 2019, Olaf est devenu Chevalier de l’Ordre du Lion des Pays-Bas après que 500 œuvres de son travail ont été ajoutées à la collection du Rijksmuseum. Taco Dibbits, directeur du Rijksmuseum, a qualifié Olaf de « l’un des photographes les plus importants du dernier quart du XXe siècle ».
En 2015, Olaf a créé la série Anger & Tamed, inspirée par les attaques terroristes à Paris et les assassinats à Charlie Hebdo en particulier. Au cours de la même période, il a travaillé sur la série Skin Deep : un hommage à la beauté du corps humain. Le corps nu le fascine, mais en même temps, il affirme que « tout comme le sourire a été volé par la publicité, la représentation des organes génitaux a été volée par la pornographie ». Skin Deep nous invite à nous recentrer sur une approche plus équilibrée et plus humaine du corps et de la sexualité.
Galerie Ron Mandos
Prinsengracht 282
1016 HJ Amsterda£
Wednesday – Saturday 12:00 – 18:00
Sunday 12:00 – 17:00
+31 20 3207036
mail(ad)ronmandos.nl
Gallery FIFTY ONE Antwerpen: Bruno V. Roels, Harry Gruyaert, Michael Wolf, Katrien De Blauwer, Saul Leiter.
Bruno V. Roels (BE 1976, vit et travaille à Gand, Belgique) (images 16-17)
Bruno Roels partage son temps entre l’écriture et la photographie. Il considère que l’acte d’impression (transformer une photographie en un objet tangible) est aussi important que l’acte de photographier lui-même. Il photographie presque sans arrêt, documentant toute sa vie et constituant des archives considérables. Dans sa chambre noire, il utilise ces archives pour explorer le processus photographique analogique. Plutôt que d’essayer de réaliser « le tirage argentique parfait », il part du principe que tous les tirages sont parfaits et accorde la même attention à toutes les variations.
Il recherche la poésie et la vérité photographique dans les séquences et les fluctuations. Les détails de ses photographies peuvent devenir des motifs principaux dans des compositions plus vastes, et les sujets évidents sont réduits à des informations abstraites par de nombreuses réitérations.
Harry Gruyaert (BE 1941, vit et travaille à Paris, France) (images 18-20)
Harry Gruyaert, qui rêvait à l’origine de devenir réalisateur, a étudié à la Narafi (aujourd’hui un campus LUCA School of Arts) à Bruxelles de 1959 à 1962. Peu après, il quitte la Belgique à l’âge de 21 ans, fuyant l’environnement catholique strict dans lequel il a été élevé. Il a beaucoup voyagé à travers l’Europe, l’Afrique du Nord, l’Asie et les États-Unis et a vécu dans des villes où la scène cinématographique et photographique était dynamique, comme Paris et Londres. Lors de son premier voyage à New York en 1968, il découvre des artistes pop comme Roy Lichtenstein et Robert Rauschenberg. Cette rencontre lui a fait apprécier le potentiel créatif de la couleur et l’a encouragé à rechercher la beauté dans les éléments du quotidien pour le reste de sa carrière. À la même époque, Gruyaert se lie d’amitié avec les artistes américains Richard Nonas et Gordon Matta-Clark, dont il photographie les œuvres. Inspiré par les impulsions visuelles de son premier voyage au Maroc en 1969, il décide, dans la seconde moitié des années 1970, d’être l’un des premiers photographes européens à se consacrer entièrement à la photographie en couleur.
L’expérience cinématographique de Harry Gruyaert lui a inculqué une conception esthétique de la photographie. Plutôt que de raconter des histoires ou de documenter le monde à travers son objectif, il recherche la beauté dans les éléments du quotidien. Ses images sont simplement des instantanés de moments magiques dans lesquels différents éléments visuels, principalement la couleur, la forme, la lumière et le mouvement, s’unissent spontanément devant son objectif.
Michael Wolf (All 1954-2019) (images 21-22)
La photographie de Michael Wolf est celle d’un outsider. Né en Allemagne, élevé aux États-Unis et au Canada, retourné en Allemagne pour étudier la photographie avant de passer la plus grande partie de sa carrière en Asie, son parcours inhabituel lui a permis de faire de « l’autre » sa maison. Wolf a commencé sa carrière en tant que photojournaliste et a passé plus de dix ans à travailler en Asie pour le magazine allemand Stern. Sa volonté d’explorer différentes approches visuelles, allant jusqu’à abandonner complètement l’appareil photo pour travailler avec des technologies d’image émergentes telles que Google Street View, montre sa capacité à renouveler et à enrichir constamment son langage visuel.
De l’architecture des tours de Hong Kong à la compression implacable du métro de Tokyo, des questions de vie privée et de voyeurisme dans l’environnement urbain au phénomène de la production de masse dans le monde de plus en plus globalisé de l’art moderne, chacune de ses séries révèle une nouvelle facette de la vie dans la ville, assemblant une vision complexe et nuancée qui soulève autant de questions qu’elle n’apporte de réponses.
Bien qu’il explore constamment de nouveaux sujets et de nouvelles approches visuelles, le thème central de Michael Wolf est toujours resté le même, de sa première série dans un village minier allemand à son travail le plus récent en Asie … les gens, et la réalité de leur vie dans nos villes en constante évolution. Michael Wolf a remporté le premier prix du concours World Press Photo en 2005 et 2010, et a reçu une mention honorable en 2011. En 2010 et 2016, il a été nominé pour le prix Pictet de la photographie.
Katrien De Blauwer (BE 1969, vit et travaille à Ronse, Belgique) (images 23-24)
Katrien De Blauwer est née dans la petite ville provinciale de Ronse en Belgique. Après une enfance difficile, elle part très jeune étudier la peinture à Gand. Plus tard, De Blauwer s’inscrit à l’Académie royale d’Anvers pour étudier la mode. Bien qu’elle n’ait jamais terminé ses études de mode, c’est à cette époque que De Blauwer a réalisé ses premiers livres de collage, des études et des planches d’ambiance pour des collections de mode. Ces « carnets », comme elle les appellera plus tard et qu’elle conserve encore aujourd’hui, sont remplis de croquis, de fragments d’images, de textes et de citations tirées de livres, de journaux et de magazines. Ils rassemblent diverses influences de la littérature, de l’art, de la musique, de la mode, du cinéma, etc. qui finissent par imprégner son travail artistique. Après ses études, De Blauwer a commencé à collecter, découper et recycler des images comme moyen d’auto-examen thérapeutique, une pratique qu’elle développe encore aujourd’hui.
Saul Leiter (États-Unis 1923-2013) (images 25-27)
Bien qu’Edward Steichen ait exposé certaines des photographies couleur de Saul Leiter au Museum of Modern Art en 1953, elles sont restées pratiquement inconnues du monde de l’art pendant les quarante années qui ont suivi. Leiter s’est installé à New York en 1946 avec l’intention de devenir peintre et, grâce à son amitié avec l’expressionniste abstrait Richard Pousette-Dart, il a rapidement reconnu le potentiel créatif de la photographie. Bien qu’il ait continué à peindre, exposant aux côtés de Philip Guston et Willem de Kooning, l’appareil photo de Leiter est devenu – comme une extension de son bras et de son esprit – un interprète omniprésent de la vie dans la métropole.
La notion semi-mythique de « photographe de rue new-yorkais » est née à la même époque, à la fin des années 1940. Mais la sensibilité de Leiter – comparable à l’intimisme européen de Bonnard, un peintre qu’il admire beaucoup – le place en dehors des confrontations viscérales avec l’anxiété urbaine associées à des photographes tels que Robert Frank ou William Klein. Au contraire, l’appareil photo lui offre une autre façon de voir, de cadrer les événements et d’interpréter la réalité. Il a cherché des moments de calme et d’humanité dans le maelström de Manhattan, forgeant une pastorale urbaine unique à partir des circonstances les plus improbables.
GALLERY FIFTY ONE
Zirkstraat 20
2000 Antwerp, Belgium
Tuesday to Saturday from 1 – 6 pm
T +32(0)3 289 84 58£
E info (ad) gallery51.com
johndevos.photo (ad) gmail.com
