Miami Beach Convention Center, mercredi 4 décembre 2024
Le calme tranquille de Untitled s’est répandu dans le Hall de Convention de Miami Beach. Arrivé un peu plus tôt, je suis montée à l’étage, j’ai attrapé une empanada aux épinards et je me suis installée sur une chaise sur le toit-terrasse. Ici, Miami a révélé sa magie : des brises vives berçaient les palmiers, leurs feuilles chatoyantes captant la lumière et invitant à un moment de calme.
À 11 heures du matin, j’ai rejoint la file d’attente pour entrer dans l’immense salle. Pour éviter de regarder directement les autres, mes yeux se sont tournés vers leur style de vêtements. Pour certains, la foire semblait autant une expression de style personnel qu’une question d’art. Les cheveux bleus et raides d’une femme striés d’argent. Une veste texturée pour homme avec des pétales découpés au laser. Mocassins en cuir doré. Détails de franges sur une robe en jean. Une cape en mousseline rouge.
Tout autour, palpitaient des voix – française, espagnole, portugaise, anglaise, russe, coréenne, mandarin – langues superposées, chacune rivalisant pour se faire entendre.
Ce qui m’a d’abord frappé, c’est une installation fascinante qui, de loin, ressemblait à des peintures abstraites encadrées, mais qui, de près, s’est révélée être réalisée en papier photographique. J’ai parlé avec Peter à la Galerie Buchholz du travail de Wolfgang.
Galerie Buchholz, Wolfgang Tilmans, Silver installation IV, 2008
Peter : “Wolfgang travaille de différentes manières lorsqu’il réalise des photographies abstraites. La série Silver ici est une photographie sans appareil photo. Ces pièces sont toutes réalisées dans la chambre noire en utilisant du papier photosensible, de la lumière et des produits chimiques. Ce sont les morceaux de papier originaux et uniques avec lesquels il travaille dans la chambre noire, et ils portent les traces de leur processus de développement. Vous pouvez donc voir qu’il y a des lignes striées sur cette pièce. Il s’agit peut-être d’un rouleau contenant des produits chimiques qui n’ont pas été nettoyés correctement et qui laissent des traces d’émulsion qui restent sur la surface. À certains moments, un pli ou un froissement peut faire partie du processus. L’installation est conçue de manière très spécifique par l’artiste et comprend 23 éléments uniques.”
Galerie Buchholz, Yair Oelbaum, Untitled (citric repository), 2018
Peter : “Yair est un jeune artiste et nous aurons notre première exposition avec lui en janvier dans notre galerie de New York. Ses photographies sont assez mystérieuses. Il ne révèle pas beaucoup d’informations sur les modèles (les objets construits) qu’il photographie. Il utilise des éléments qui se situent entre l’organique et le plastique, et dont on ne peut pas bien comprendre la matérialité. C’est de la résine ? C’est du plastique ? C’est ce fil ? Ou une partie de la matière végétale ? Vous vous demandez quelle est la réalité. Et en tant qu’objet photographique, il est très précis sur le cadre. Pour moi, c’est une proposition poétique. »
Le travail de Teresa Margolles illustre une structure de grille répétitive, un format avec lequel je résonne également dans une grande partie de mon travail. Son œuvre a également rappelé la réalisation d’ Offering, une installation réalisée en collaboration avec thecreativedestruction qui rendait hommage aux femmes autochtones disparues et assassinées.
Galerie Peter Kilchmann, Teresa Margolles, El agua de la ciudad, Dallas, 2016
“L’œuvre El aqua de la ciudad, Dallas de Teresa Margolles documente les meurtres commis à Dallas en 2016. Margolles et des bénévoles ont visité chaque site de meurtre, le processus de trempage a été répété encore et encore, jusqu’à ce que le seau soit rempli d’eau « sale » siphonnée. de l’emplacement. Chaque seau pour un homicide. Les seaux portaient une étiquette indiquant le lieu, le nom de la victime, son âge et des détails sur le meurtre. La plupart des victimes étaient des hommes non blancs. El agua de la ciudad, Dallas est lié au projet de Margolles réalisé pour la Biennale de Dallas 2016.”
Dans la pièce suivante, je suis entrée dans des sculptures métalliques encastrées et des photographies de corps les étreignant. Rafael de Piedras Galerias a gracieusement parlé davantage de l’artiste et de son travail.
Piedras Galeria, Jimena Croceri, série Impossible Jewel, 2024
Rafael : « Jimena est une artiste multidisciplinaire argentine. Et son travail porte sur l’opportunité, la collaboration et la communication. Dans sa série Impossible Jewel, elle a créé neuf sculptures en bronze. Elle a invité différentes personnes à embrasser les corps ou à essayer de trouver des connexions avec les cavités de leur corps. C’est devenu une sorte de performance avec la pièce et faisait référence à l’utilisation d’ornements pour leur pouvoir talismanique dans les cultures andines précolombiennes. On l’appelle Impossible Jewel parce qu’on ne peut pas les porter comme les bijoux que nous connaissons. Pour les porter, vous devez maintenir certaines positions et connexions avec d’autres personnes, trouver le bon emplacement ou le bon placement de la pièce avec votre corps et/ou les autres.”
Les tensions et les connexions entre les corps traversent également le travail de Joanna. J’ai parlé avec Matteo de la galerie Madragoa pour en savoir plus.
Madragoa Gallery, Joanna Piotrowka, Untitled, 2014-2022
Matteo : “Joanna Piotrowska est une artiste polonaise. Son installation est un dialogue avec les liens familiaux, les situations sociales et les constructions. De nombreuses pièces exposées sont issues de la série Frowst où elle entre dans les maisons des gens, regarde ensemble des photos de famille puis les reconstitue avec les mêmes membres de la famille, créant cette nouvelle tension entre les corps.
Joanna Piotrowska (Varsovie, 1985) vit et travaille à Londres, au Royaume-Uni.
En 2013, elle obtient une maîtrise en photographie au Royal College of Art de Londres et, en 2009, un baccalauréat en photographie à l’Académie des Beaux-Arts de Cracovie, en Pologne. Elle a récemment exposé à l’ICA Philadelphie et, en 2022, elle a été incluse dans The Milk Of Dreams, la 59e Biennale internationale de Venise, organisée par Cecilia Alemani.”
L’installation d’une autre artiste polonaise qui m’a également touché contenait une histoire tout aussi touchante sur le fondateur de la galerie.
Gunia Nowik Gallery, Teresa Gierzyńska Installation (1979-1993
Gunia : “Cette installation représente l’exploration introspective de Teresa sur l’identité féminine, en s’utilisant généralement elle-même comme modèle dans sa série clé About her. Elle s’est produite devant la caméra dans des situations soigneusement mises en scène, chacune associée à des titres significatifs qui reflètent les expériences de nombreuses femmes. Les images abordent des thèmes tels que l’introspection, l’abandon, la pression, la solitude et le sentiment d’inutilité. Créées il y a des décennies dans la Pologne communiste, ces œuvres étaient radicales pour leur époque, notamment compte tenu des limites des ressources et de l’accès à l’espace et aux matériaux. Malgré ces défis, Teresa n’a jamais arrêté de travailler. Le processus de redécouverte de sa pratique a commencé il y a environ 10 ans, avec finalement sa première rétrospective institutionnelle à la Zachęta National Gallery of Art en 2021. Aujourd’hui âgée de 77 ans, Teresa a participé l’année dernière à une exposition collective au Walker Art Center et sera présenté au Vancouver Art Gallery, et ses œuvres ont été acquises par des collections telles que l’Art Institute of Chicago, le Centre Pompidou, l’Erste Bank à Vienne et le Kunsthaus Zürich. Je suis heureuse qu’elle puisse connaître cette reconnaissance méritée de son travail après tant d’années.
Découvrir l’histoire d’émancipation de Teresa dans sa pratique m’a aidée à réaliser que ma voie à suivre consistait également à me libérer des expériences passées qui m’avaient empêché de poursuivre le travail que je voulais vraiment faire. Pendant la pandémie, j’ai franchi un tournant et j’ai décidé de changer de vie. C’est alors que j’ai fondé ma propre galerie, construite avec une structure horizontale avec notre équipe de cinq femmes. En tant que l’une des plus jeunes galeries de la foire, créée il y a à peine trois ans, nous sommes ravies d’exposer pour la première fois à Art Basel Miami avec une présentation personnelle de Teresa Gierzyńska.”
D’autres œuvres photographiques familières comprenaient:
Robert Mapplethorpe, American Flag, 1977, Gladstone
LaToya Ruby Frazier, Grandma Ruby and Me, 2005, Gladstone Andreas Gursky, Stieiff, Höchstatt, 1991, Sprüth Magers
Jeff Wall, Insomnia, 1994, White Cube
Gillian Wearing, Self Portraits (2023), Regen Projects
Thomas Struth, Sorghum, Danforth Plant Science Center, 2017, Marian Goodman Carrie Mae Weems, Laying on the Hands, 2002, Galerie Barbara Thumm Vanessa Beecroft, VB62, 003, VB 2008, Lia Rumma
CYJO
À propos de l’auteure : CYJO est une artiste coréenne américain basée à Miami dont le travail, depuis 2004, se concentre sur l’identité de la personne et du lieu, explorant les constructions culturelles et les catégorisations existantes. Elle est également cofondatrice de thecreativedestruction, une collaboration artistique avec Timothy Archambault, et contribue de longue date à L’Oeil de la Photographie. www.cyjostudio.com @cyjostudio
