Cindy CYJO a suivi Art Basel Miami & Miami Art Week qui viennent de se terminer.
Voici ses impressions !
mercredi 6 décembre 2023
Le lever du soleil répandait des teintes dignes de Turner sur les nuages, peignant une toile captivante de couleurs et de motifs mouvants, prélude aux diverses rencontres artistiques à venir. Malgré une température glaciale de 17 degrés , inhabituellement froide pour Miami, la ville vibrait de la chaleur des visiteurs internationaux et des locaux convergeant pour une semaine de célébration des arts. Cette étreinte collective a offert un répit à l’ombre des conflits politiques et des guerres en cours, qui se répercutent à l’échelle mondiale comme un tremblement de terre imprévu. Au milieu de l’agitation des activités communautaires, Miami, déjà chauffée par l’anticipation, est devenue une plaque tournante de l’exploration créative. Image 1
Il y avait quelques joyaux au Miami Beach Convention Center.
- Galerie Edwynn Houk – Christian Houk partage quelques points forts de son stand.
Christian : La galerie, basée à New York, a débuté en 1980 avec Edwynn Houk. Il s’est spécialisé dans la photographie vintage de l’entre-deux-guerres, durant l’âge d’or de la photographie. Et maintenant, nous faisons environ 50/50 de vintage et de contemporain. Cette année, nous avons choisi de mettre en avant nombre de nos chefs-d’œuvre vintage.
Nous avons cette impression d’exposition surdimensionnée de Margaret Bourke-White qui symbolise le modernisme américain. Elle a été chargée de réaliser un projet à New York sur les nouveaux gratte-ciel en construction et a vu que les gargouilles du bâtiment Chrysler devaient être entièrement en acier, ce qui, pour elle, était un symbole de modernité. Lorsqu’elle a vu les gargouilles, elle a décidé d’y installer son atelier, qui s’est finalement retrouvé au dernier étage. Il existe également des portraits d’elle debout photographiant la ville depuis la gargouille. Image 2
Nous avons également notre Alfred Stieglitz qui a été le premier départ et introduction au modernisme montrant ce qu’un appareil photo peut faire et à quel point la photographie est unique. Il a repoussé les limites de la perfection technique et a également montré la machine à vapeur arrivant à New York en disant : « C’est maintenant ce que l’homme a réalisé. Et c’est dans cette direction (l’industrialisation) que nous nous dirigeons. Il s’agit d’un tout premier tirage d’exposition imprimé vers 1920. Image 3
L’un de mes préférés est notre radiographie de Man Ray. Les photogrammes sont devenus synonymes de Man Ray et Laszlo Moholy-Nagy. Et on n’en rencontre pas beaucoup, surtout pas dans ces conditions. Donc ce genre la juxtaposition est tellement surréaliste, il y a une relation formelle entre les objets. Mais les objets eux-mêmes sont placés à des époques différentes. Différentes expositions ont été réalisées permettant de voir différentes couches. la qualité onirique inaugure cette idée surréaliste. Image 4
Pour le travail contemporain, nous avons l’artiste Jessica Wynne. Elle est professeur de photographie à la FIT et, pour sa série la plus récente, elle a voyagé à travers le monde pour photographier les tableaux des plus grands mathématiciens. Le titre de la série s’appelle « Do Not Erase » car chaque fois qu’un mathématicien quitte la pièce, il veut s’assurer que personne n’efface son travail. Et l’œuvre est une méditation sur le besoin humain de créer une pensée et de l’exprimer à travers des marques, car les mathématiques semblent la distillation la plus pure et la plus claire de la pensée. Image 5
Poursuivant avec les photographies contemporaines, nous avons « La Salle des États, Le Louvre » de Mathew Pillsbury réalisée en 2008. Il travaille avec de longues expositions. Et c’est l’une de mes préférées car elle exprime ce qui est vraiment durable et durable sera l’œuvre d’art, le l’architecture et la culture alors que notre existence est presque éphémère. Image 6
- Marian Goodman Gallery – Rose Lord a partagé les portraits de groupe de Rineke Dijkstra.
Rose : Ce sont les portraits de Rineke Dijkstra tirés de sa série emblématique de portraits à la plage qu’elle a réalisé pour la première fois au début des années 1990. Ils ont été conçus à l’origine comme des portraits individuels. Il y a quelques années, elle a subi une arthroplastie de la hanche, ce qui lui a permis de passer du temps à la maison à consulter ses archives. Lorsqu’elle a initialement réalisé ses photographies, elle s’est concentrée sur des personnages solitaires. Ainsi, elle a été fascinée de constater qu’elle avait réalisé plusieurs portraits de groupe mais qu’elle ne les avait jamais imprimés. Elle s’est vraiment intéressée à la dynamique entre les personnes. Notre exposition à New York intitulée « Rineke Dijkstra : Night Watching and Pictures from the Archive » comprend ces portraits et les portraits de groupe. Sa vidéo « Night Watching » est également exposée, une installation vidéo qui présente 14 groupes de personnes observant et parlant devant le tableau emblématique de Rembrandt, La Ronde de nuit (1642). Image 7,8
Laisser ces deux puissants portraits de groupe m’a fait réfléchir à mes propres explorations analysant les portraits de groupe au sein de la série Mixed Blood. Cela semblait être une progression naturelle depuis KYOPO qui se concentrait sur le portrait individuel. Et Mixed Blood était en partie une tentative d’explorer les portraits de famille et leur capacité à contenir simultanément des expressions individuelles distinctes.
- Galerie Lelong & Co. – La directrice Katherine Chan a partagé le travail d’Ana Mendieta et d’Alfredo Jaar.
Katherine : Dans cette première action performative de 1973, Ana Mendieta insère les tiges de fleurs une à une dans ses vêtements jusqu’à ce que son visage soit obscurci. Réalisée dans l’Iowa, cette œuvre préfigure Imágen de Yágul, l’une des photographies les plus connues de Mendieta prise au Mexique la même année, dans laquelle elle se couvre le corps de fleurs. Image 9
« A Logo for America » est l’œuvre la plus emblématique d’Alfredo Jaar, initialement présentée en 1987 sur un panneau d’affichage Spectacolor à Time Square à New York dans le cadre du programme Messages au public du Public Art Fund. Avec cet ouvrage, Jaar remet en question l’utilisation du mot « Amérique » pour décrire les États-Unis alors qu’en réalité il décrit à la fois l’Amérique du Nord et l’Amérique du Sud. Depuis lors, Jaar utilise des lumières pour transmettre des messages urgents dans l’espoir d’« éclairer » les spectateurs. La photographie que nous présentons à Art Basel Miami Beach documente une présentation d’A Logo sur une barge flottant près de Miami Beach dans le cadre du Faena Festival en décembre 2018. Image 10
Quelle coïncidence et quel honneur de faire partie des gens partageant les mêmes idées pendant cette période en ce qui concerne le moyen d’expression à Miami. « SOS », une œuvre de thecreativedestruction, une collaboration artistique avec moi-même et Timothy Archambault, a également utilisé une barge pour notre travail vidéo. Il a été partagé lors d’Art Basel Miami en 2017 en réponse aux changements environnementaux que nous découvrions à cette époque. En tant que résidents relativement nouveaux à Miami à l’époque, nous découvrions les changements dans la composition de l’eau, les marées royales, les inondations, les fondations poreuses et les changements culturels changeants au sein de certains groupes de personnes.
- Galerie Hyundai
Cependant, « Earth Play » de Seung-Taek Lee (années 1990) faisait écho aux préoccupations environnementales d’il y a plusieurs décennies. Son énorme ballon gonflé, peint d’une image satellite de la Terre, dominait la section des Méridiens. Ce ballon a voyagé sous forme d’œuvre interactive en Corée, en Chine, en Allemagne, au Royaume-Uni et aux États-Unis, mettant ainsi la détérioration de notre planète au centre de l’attention du public. Une documentation photographique de ses voyages était accrochée au mur à proximité. Cette œuvre a été créée en réponse aux problèmes environnementaux croissants résultant de l’industrialisation rapide que connaissait la Corée du Sud après la guerre de Corée, et elle résonne si fortement aujourd’hui. Image 11, 12
La deuxième œuvre était une série de 3 portraits narratifs réalisés par un duo d’artistes. Joseph Fungsang a partagé leur travail.
Joseph : Ces œuvres sont réalisées par un duo d’artistes féminin et masculin appelé Moon & Jeon, composé de deux artistes Moon Kyungwon et Jeon Joonho. ils collaborent ensemble depuis 2009 sur plusieurs projets, dont le principal intitulé « News from Nowhere », une installation multimédia comprenant vidéo, conférence et performance. Mais cette série particulière que nous examinons est une série photographique intitulée « Freedom Village » (2017-2021). Elle est basée sur un village existant situé juste à côté de la 38e ligne de division parallèle entre la Corée du Nord et la Corée du Sud, situé du côté sud-coréen, mais il n’est pas gouverné par la Corée du Sud. C’est une zone neutre comme à l’ONU. On l’appelait autrefois village coréen, mais on l’appelle désormais Daesung. C’est un village avec une population limitée, des couvre-feux et des contrôles d’identité. Il existe un processus de candidature pour lequel une approbation est nécessaire pour y vivre. Mais si une femme épouse un homme qui ne fait pas partie du village, elle doit déménager. Et si un homme extérieur au village épouse une habitante de ce village, il est autorisé à s’y installer. Les artistes souhaitaient en savoir plus sur ce village qui semblait mystérieux, car on en parle peu. Ils ont donc fait des recherches aux Archives nationales et trouvé des images. Même s’ils ont pu accéder aux images et les numériser, ils n’ont pas été autorisés à entrer dans le village ni à rencontrer les habitants. Cela les a conduits à leur village imaginé où ils ont modifié ces images d’archives et créé des récits de manière ludique. Image 13
CYJO
À propos de l’auteure : CYJO est une artiste coréenen américaien basé à Miami dont le travail, depuis 2004, se concentre sur l’identité des personnes et des lieux, explorant les constructions culturelles et les catégorisations existantes. Elle est également co-fondatrice de thecreativedestruction, une collaboration artistique avec Timothy Archambault, et contribue de longue date à L’Oeil de la Photographie.
www.cyjostudio.com
@cyjostudio
