Né à Edimbourg, en Ecosse, Albert Watson a étudié le design graphique au Duncan of Jordanstone College of Art and Design à Dundee, et le cinéma et la télévision au Royal College of Art à Londres. Bien qu’aveugle d’un œil depuis la naissance, Albert Watson a étudié la photographie dans le cadre de son programme d’études. En 1970, il s’installe aux États-Unis avec son épouse, Elizabeth, qui vient d’obtenir un emploi de professeur d’école élémentaire à Los Angeles, où Albert Watson commence à tirer des photos, principalement pour passer le temps. Plus tard dans la même année, Albert Watson est présenté à un directeur artistique chez Max Factor, qui lui offre sa première session. Le style distinctif d’Albert Watson attire finalement l’attention des magazines de mode américains et européens tels que Mademoiselle, GQ et Harper’s Bazaar, et il commence à se déplacer entre Los Angeles et New York. En 1976, il décroche son premier emploi pour Vogue, et son déménagement à New York la même année change sa carrière. Albert Watson consacre une grande partie de son temps à de vastes projets personnels, et il a publié trois livres : Cyclops (1994), Maroc (1998) et Shot in Vegas (2007).
Au cours des quatre dernières décennies, vous avez photographié un large éventail de sujets dans différents styles, alors qu’est-ce qui fait une image Watson ?
Je pense que tout vient de ma formation. Une chose importante à mes yeux est le produit fini. Il y a tellement de photographes en ce moment et ils envoient leurs photographies à tirer chez un laboratoire. Ils produisent le tirage pour eux et voilà tout. Peut-être qu’ils approuvent l’impression ou corrigent un peu le contraste, mais ici, nous produisons réellement les tirages maison. Pour moi, c’est une différence gigantesque. Non seulement du point de vue technique de l’impression, mais aussi de l’esthétique.
En tant que photographe qui a travaillé couleur, en noir et blanc, y a t-il quelque chose dans vos sujets qui détermine ce que vous utiliserez ?
Oui. Nous fabriquons des estampes en argent, des pigments d’archives, des estampes en platine, chromogènes, et beaucoup d’autres. Très souvent, ce n’est qu’une réaction spontanée. Vous décidez de le faire de manière particulière, puis parfois vous le testez. Je les aime tous et ils sont tout simplement différents.
Utilisez-vous la technologie photographique d’aujourd’hui, y compris la photographie numérique, ou n’utilisez-vous que des techniques plus traditionnelles ?
Les deux, mais la grande majorité de mes photographies sont réalisées sur négatif. Pourtant, j’embrasse les nouveautés.
Comment pensez-vous que la technologie numérique a affecté les plus jeunes photographes ?
Ils pensent qu’ils peuvent simplement tout réparer plus tard dans Photoshop. Je suis un peu vieux jeu, je préfère réparer lorsque je prends la photo. J’essaye toujours de garder l’intégrité de l’image originale.
Dans les années 1970, vous avez d’abord reçu des éloges pour votre photographie après avoir étudié le graphisme, puis le cinéma et la télévision. Quelle influence ont eu vos études sur votre travail?
Aujourd’hui, il est très facile de regarder mon travail et de voir que j’ai été graphiste. Il est généralement divisé en trois catégories: la conception graphique, le film, puis une combinaison des deux. Habituellement, vous pouvez les diagnostiquer comme étant l’un de ces trois.
Dans certains de vos travaux comme Président Mao (1979) et Singes avec masques (1992), vous utilisez la répétition peut-être à la suite de votre formation en graphisme …
Oui, il se pourrait. Parfois, je ne suis pas conscient de cela parce que vous le faites automatiquement sans réfléchir.
Certains de vos travaux de la série Shot in Vegas pourraient être plus cinématiques. Qu’est-ce qui vous a conduit à Las Vegas pour faire la série ?
Le livre Strip Search qui a lieu à Las Vegas. J’avais fait un livre sur le Maroc appelé Maroc, et après avoir terminé ce projet, je voulais faire quelque chose qui était tout le contraire. Bien sûr, Las Vegas est un environnement pop et le Maroc est un environnement classique et traditionnel.
Vous avez photographié au Maroc durant toute votre carrière…
Je vis aujourd’hui dans trois endroits : le Connecticut, New York et Marrakech. Chaque fois que vous photographiez quelque chose, vous en gagnez quelque chose. Maroc était à la fois graphique et cinématographique.
Vous êtes originaire d’Édimbourg, en Écosse, et vous avez déménagé aux États-Unis en 1970. Y at-il quelque chose aux États-Unis qui vous fascine ?
Je suis typique de la génération des Beatles, fasciné par la musique, l’art, l’environnement, l’architecture. J’ai d’abord vécu à Los Angeles pendant six ans, puis j’ai déménagé à New York où je vis depuis 38 ans. New York est une ville très compétitive et vous devez être le plus malin possible.
Vous avez dit photographier la mode à Paris en 1976 pour American Vogue a changé votre vie. En quoi cette époque était-elle si mémorable ?
Tout est un tremplin et chaque étape est quelque chose qui vous rend meilleur. C’était la première fois que je travaillais pour le Vogue américain et je suis devenu de plus en plus à l’aise en juillet 1976. J’ai ensuite travaillé avec le Vogue anglaise et le Vogue français.
Chez Vogue, vous avez fait plus de 100 couvertures dans le monde entier. Après tant de succès, où trouve-t-on de nouvelles inspirations ?
J’ai réalisé beaucoup de couvertures dans de nombreuses éditions différentes, mais surtout pour l’Europe et les Américains, surtout dans les années 70 et au début des années 1980. En ce qui concerne l’inspiration, il faut passer beaucoup de temps avec des livres, en galeries, en musées et en voyages. Cela vous inspire toujours, le travail d’autrui. Et puis, si vous êtes passionné de photographie, vous avez toute votre vie. Les photographes ne se retirent généralement pas. Vous n’atteignez pas 65 ou 70 et obtenez une montre en or de votre entreprise ou quelque chose. Les photographes continuent.
Vous avez également photographié l’actrice Kate Moss assez tôt dans sa carrière en 1993 en créant certaines des images les plus emblématiques d’elle. Comment la décririez vous ?
Je pense à deux choses. Je pense qu’elle est intéressante et qu’elle a aussi eu une vie privée très colorée. Elle a fêté son dix-neuvième anniversaire sur ce tournage au Maroc.
Vous avez travaillé dans Chine d’après Révolution culturelle en 1979. C’était un moment de grand changement et d’ouverture. Pouvez-vous raconter ce que vous avez vécu durant le voyage ?
C’était un projet pour Bloomingdales, essentiellement des publicités de mode et nous avons fait venir des modèles de New York et tourné à Shanghai, Beijing, Guilin et ainsi de suite. Mais après avoir terminé, je suis resté à Pékin. Les gens étaient très gentils et intéressés par nous. Ils n’avaient jamais vu d’occidentaux avant, alors c’était comme si vous étiez dans un bol de poisson. Dans de nombreuses régions du pays, ils n’avaient jamais vu de gens avec des yeux bleus. Maintenant, tout est différent. A l’époque, il n’y avait pas de voitures, sauf pour les employés du gouvernement.
Propos recueillis par Kyle Harris
Cette interview fait partie d’une série proposée par la Holden Luntz Gallery à Palm Beach, en Floride.
Holden Luntz Gallery
332 Worth Ave
Palm Beach, FL 33480
Etats-Unis
