Les photographies de mode font partie de notre culture. Chaque image raconte une histoire et nous invite à partager un certain plaisir visuel, mais elle renferme aussi quelque chose des goûts, des aspirations et des rêves de son temps. Le glamour, l’élégance, et le sex-appeal sont des concepts qui sont redéfinis en permanence. Pendant les années 90 en particulier, ils allaient main dans la main avec leurs opposés – le laid, le choquant, le disgracieux, et le difforme – aussi bien chez les designers que chez les photographes de mode. « Les photographies de mode deviennent inévitablement des commentaires sur l’idée même de ce qui fait mode » écrit Susan Sontag. Et l’« idée » évolue selon les époques, le médium, et le spectateur. Elle dépend de plusieurs facteurs : la pose compte-t-elle plus que le vêtement en lui-même, la tendance est-elle plutôt au mainstream ou vient-elle d’une sous-culture, participe-t-elle d’une évocation subtile ou d’une sexualité affichée ? La photographie de mode est souvent paradoxale : elle est à la fois créative et commerciale – produite sur commande mais dans le même temps générant des images progressives, expérimentales, artistiques – et elle représente à la fois la haute-couture et la culture populaire. La photographie de mode peut être vue comme une forme d’art mais reste une industrie (une industrie visuelle) au service d’une autre (que ce soit la mode, le prêt-à-porter, les accessoires ou les cosmétiques).
Les premières générations de photographes de mode gardaient un certain contrôle sur la production de leurs images, mais leurs créations ont progressivement basculé sous la coupe d’autres preneurs de décisions : les directeurs photo, bien sûr, mais également les publicitaires représentant les marques prestigieuses. Les éditeurs de magazines à succès ont commencé à se méfier des nouveaux venus et ce n’est plus une tâche facile pour les débutants de se faire une place dans le métier. Les enjeux financiers sont tels qu’ils effacent régulièrement les préoccupations artistiques. En feuilletant les pages des magazines d’aujourd’hui, on a souvent du mal à faire la différence entre les images publicitaires et le contenu éditorial. Les liens entre la publicité et l’édition sont plus nombreux qu’on pourrait le penser et les choix des photographes sont souvent déterminés par cet état de fait.
Lire l’intégralité de l’article de Nathalie Herschdorfer dans la version anglaise du Journal.
Expositions:
C/O Berlin
Oranienburger Straße 35/36
10117 Berlin, Allemagne
Terminée le 4 novembre 2012
Fondazione Forma per la Fotografia
Piazza Tito Lucrezio Caro, 1
Milano – Italie
Du 17 janvier au 7 avril 2013
City Art Centre
2 Market Street
EH1 1DE Edinburgh – UK
Du 15 juillet au 8 septembre 2013
Musée Galliera
10, avenue Pierre-Ier-de-Serbie,
75116 Paris – France
Janvier – Mai 2014
Publication:
Papier glacé. Un siècle de photographie de mode chez Condé Nast
Nathalie Herschdorfer
Avec la contribution de Sylvie Lécailler, Olivier Saillard et une interview par Franca Sozzani.
Thames & Hudson, Londres et Paris; Contrasto, Rome; et Prestel, New York et Munich, 2012.
296 pages
Coming into Fashion est produite par la Foundation for the Exhibition of Photography, Minneapolis/Paris/Lausanne
