Haute Photography a été fondée à Rotterdam il y a maintenant plus de 10 ans. Dans les premières éditions, ils étaient invités dans le bâtiment à côté du PhotoMuseum, maintenant ils ont leur propre lieu dans le quartier Keile.
C’est un endroit en plein essor où vous trouverez plus d’art que vous ne l’imaginez. Au Katoenhuis, vous pouvez assister à des spectacles de danse contemporaine. Un peu plus loin, dans un impressionnant complexe industriel, vous trouverez Brutus. Ici, les artistes disposent de l’espace nécessaire pour développer et présenter des œuvres expérimentales et de grande envergure. Attendez-vous à des installations monumentales, des performances et des expositions en dehors du cadre traditionnel du musée.
Et maintenant, revenons à la photographie et à Haute Photographie.
Situé dans le dynamique quartier M4H de Rotterdam, Keilepand se transformera en un musée éphémère de 1 250 m² pour la 11e foire Haute Photographie Rotterdam. Cette foire d’art boutique, conçue comme un musée, est entièrement dédiée à la photographie d’art. Avec plus de 60 photographes établis et en plus de cela du nouveau talent Haute vaut le détour.
MICHEL HADDI France, 1956
Michel Haddi est un photographe et réalisateur de renommée internationale, célébré pour son récit visuel puissant et son style reconnaissable entre tous. Depuis plus de trois décennies, il a façonné le monde de la photographie de mode et de portrait, capturant l’esprit du cinéma, des célébrités et de la culture avec une intensité et une élégance saisissantes. Né à Paris et désormais basé à Londres, Haddi a construit sa carrière dans les grandes capitales de la mode, Londres, Paris, Milan, New York et Los Angeles, où il a collaboré avec les principaux magazines, maisons de couture et créateurs visionnaires. Son objectif a immortalisé certaines des figures les plus emblématiques de notre époque. Ce qui distingue le travail de Haddi, c’est son approche cinématographique du portrait. Au-delà du glamour, il recherche l’intimité et la vérité, révélant les personnalités derrière la célébrité. Ses images en noir et blanc, en particulier, possèdent une qualité intemporelle, audacieuse, brute et imprégnée d’une atmosphère rappelant le film classique. Chaque portrait semble à la fois immédiat et éternel, existant à l’intersection de la mode, de l’art et de la narration.
SCHILTE & PORTIELJE Pays-Bas, 1953+1958
Huub Schilte et Jacqueline Portielje sont un duo d’artistes basé à Rotterdam qui explorent le potentiel créatif de l’ordinateur comme medium artistique depuis 1997. Pour eux, l’ordinateur est à la fois une chambre noire photographique et le pinceau d’un peintre, un espace où le dessin, la photographie et la manipulation numérique se fondent harmonieusement. Schilte & Portielje travaillent de manière intuitive, sans plan fixe ni sujet prédéterminé. À partir d’un archive de fragments d’images créées par eux-mêmes, de photographies, de textures et d’éléments dessinés, ils construisent un univers entièrement leur. Leurs compositions en noir et blanc révèlent des figures à la fois intimes et énigmatiques, souvent suspendues entre grâce et inconfort. L’érotisme subtil, les poses sculpturales et la poésie silencieuse du désir sont des motifs récurrents,prêtant à leur travail une intensité obsédante.
LUKE WOODFORD Royaume-Uni, 1985
Luke Woodford est un photographe d’art britannique et éditeur dont le travail a été exposé et publié dans le monde entier. Basé au Royaume-Uni, il résiste à la catégorisation artistique, laissant son parcours personnel façonner les formes évolutives de son langage visuel. Indépendant d’esprit et résolument franc-parler,
Woodford remet constamment en question la convention, tant sur le plan créatif que personnel. À la suite d’une période de perte personnelle profonde et de transformation, Woodford a orienté l’appareil photo vers l’intérieur, produisant des autoportraits profondément symboliques avant de revenir à la forme féminine avec une conviction renouvelée. Cette renaissance créative a donné naissance à sa série Resurrection, une exploration du renouveau, de la vulnérabilité et de la force, qui définit désormais le chapitre actuel de sa pratique artistique.
STEFAN GRÖPPER Allemagne, 1971
Stefan Gröpper est un photographe dont le travail transcende la simple représentation pour devenir un écho, une impression et une rencontre durable. Connu pour sa maîtrise de la profondeur monochromatique, les images de Gröpper sont des dialogues soigneusement composés de lumière et d’ombre, de clarté et d’émotion. Son regard capture l’essentiel : visages, corps, gestes et espaces, où la lumière sculpturale traverse sa narration visuelle. Inspiré par des maîtres tels que Penn, Avedon et Lindbergh, Gröpper suit son propre chemin rigoureux mais poétique. Il recherche une connexion silencieuse et non dite avec ses sujets, créant des photographies qui résonnent avec la vérité émotionnelle, révélant souvent la beauté dans les imperfections. Pour Gröpper, la photographie est un medium au service de l’expression et de la résonance, jamais bruyant mais toujours précis.
MARTA MARGRÉT Islande, 1982
Marta Margrét est une photographe d’art contemporain islandaise basée à Bruxelles. Son travail explore la perception, l’abstraction et les façons subtiles dont l’absence façonne la manière dont la forme et l’espace sont expérimentés. Travaillant principalement avec des structures architecturales et des compositions minimalistes, elle développe des séries photographiques qui examinent le rythme, la répétition, et vues partielles en tant que conditions perceptuelles plutôt qu’objets descriptifs.
Formée par son enfance au milieu des paysages élémentaires de l’Islande, des cascades, des glaciers, des lacs et de la mer, sa pratique reflète une manière de voir façonnée par les rythmes naturels et transportée à travers des contextes géographiques et culturels. Par l’abstraction, des matériaux durs donnent lieu à des mouvements visuels doux, où la mémoire, la projection et le désir refont surface en toute discrétion. Son travail a reçu des prix internationaux de photographie et a été présenté dans des publications européennes.
DEANA NASTIC Canada, 1964
Le travail de Deana Nastic rayonne de sensualité et de profondeur poétique. Née en Serbie et désormais installée à Toronto, au Canada, Nastic a d’abord forgé sa formation artistique dans les arts plastiques, étudiant à l’Université de Belgrade et maîtrisant la peinture et l’aquarelle avant de découvrir la photographie en 2012. Sa carrière initiale dans les beaux-arts informe profondément sa vision photographique, puisqu’elle a adopté l’appareil photo comme un nouveau « outil de peinture », lui permettant d’étendre la fluidité et les nuances expressives de sa pratique de l’aquarelle dans le médium photographique. Ce qui pourrait apparaître comme des « heureux accidents » dans ses images est, en réalité, le résultat d’un instinct artistique finement accordé qui capture des effets lumineux et picturaux ainsi que des atmosphères envoûtantes. Le travail de Nastic explore constamment le mystère féminin à travers un jeu lyrique de lumière et d’ombre. Ses photographies saisissent un éventail d’émotions et de profondeur psychologique, offrant des réflexions d’une beauté troublante sur la condition humaine.
MIKE STEEGMANS Belgique, 1972
Mike Steegmans est un photographe belge avec plus de 25 ans d’expérience professionnelle. Il a construit une carrière commerciale étendue en travaillant avec des magazines et des marques internationaux dans les domaines des sports d’action, du portrait, du voyage et de la mode. En 2004, une commande importante d’un magazine belge a marqué son entrée dans la photographie de mannequins et de mode. Ces dernières années, il s’est concentré sur des projets artistiques personnels, en particulier des travaux sous-marins et liés à la mer, où l’imprévisibilité et la collaboration avec les forces naturelles sont essentielles. Ses expositions incluent PHO/TO (2010), El Baile de la Mar (2024) et Curandera (2025), reflétant récemment un profond respect pour la beauté, la puissance et la présence guérisseuse de l’océan. Mike Steegmans est basé entre Anvers et la Catalogne, en Espagne.
NINA HAUBEN Pays-Bas, 1996
Nina Hauben est une artiste basée à Amsterdam. Son travail sert de traduction visuelle des expériences et des émotions. Au lieu de se fier à des mots (non)prononcés, elle transforme ses pensées et sentiments les plus intimes en un langage visuel, un espace de réflexion pour un voyage sans fin auquel revenir, chaque série révélant des changements subtils de perspective au fil du temps.
Dans la Phase 1, intitulée « WITH(OUT) », Hauben explore la nature de la mémoire. « En fin de compte, il ne reste que les souvenirs que nous conservons. C’est la crainte que ces souvenirs, tels des volutes de fumée, se dissipent avec le temps, me laissant avec un vide qui ne peut être comblé. J’aimerais avoir pu collecter davantage de ces souvenirs. Puisque je ne peux pas entendre ta voix, tes pas, ni sentir ta présence, je dois faire semblant, alors c’est ce que je fais.”
Dans la Phase 2, « Dialogue silencieux », Hauben marque une transition progressive de l’immobilité à la vie. Cette phase brouille les frontières entre réalité et mémoire, présence et absence. À travers cette phase, les spectateurs sont invités à réfléchir aux souvenirs et aux espaces qu’ils laissent derrière eux.
ESTHER VAN DER WALLEN Pays-Bas, 1964
Esther van der Wallen est une photographe néerlandaise dont le travail célèbre la beauté, la présence et le courage d’être soi-même. Elle crée des images qui honorent l’authenticité et l’esprit humain, avec une fascination particulière pour la forme féminine et l’ouverture émotionnelle. À travers sa photographie, Esther cherche à révéler des moments de vulnérabilité et de force, capturant les personnes de manière à laisser émerger leur moi le plus vrai. Son approche du portrait est fondée sur une connexion authentique : lors des séances, elle favorise la conversation ouverte et la confiance, encourageant ses sujets à se détendre au-delà de la conscience de soi. Ces interactions conduisent souvent à des expressions spontanées de joie, d’introspection ou de confiance tranquille, des moments qu’Esther considère comme enrichissant à la fois le travail et l’expérience du spectateur.
Esther travaille à la fois en studio et dans la rue, combinant son amour de la lumière, de l’architecture et des environnements naturels avec un œil intuitif pour la composition. Ses influences vont des photographes de rue comme Henri Cartier-Bresson et Miroslav Tichý pour les artistes surréalistes, reflétant un mélange de spontanéité et de cadrage réfléchi dans son travail.
Ou?
Keilestraat 9f, 3029 BP Rotterdam
27 mars: 12:00 – 19:00
28-29 mars: 10:00 – 19:00
https://www.haute-photographie.com/tickets2026
https://www.haute-photographie.com/
John Devos
johndevos.photo(a)gmail.com
